Lobo en el lodo

Se acabó lo que se daba

2010-04-11T01:15:00.002+02:00

Para no dar lugar a equívocos, seré claro desde un principio: esta entrada es de despedida, es un punto y final para el proyecto que ha sido Lobo en el lodo. Simple y llano. Muchos os habréis dado cuenta de, primero, la pérdida de ritmo en las actualizaciones desde hace unos meses y, después, algunos periodos bastante largos sin escribir nada. No es fruto de la casualidad, no es cosa de que me falte tiempo (todo lo contrario ahora mismo, por desgracia). Es apatía, desgana, cansancio y desgaste hacia un proyecto que se ha extendido durante cerca de dos años en el tiempo. Al final las cosas han caído por su propio peso.

Y su propio peso aquí significa que, por h o por b, por mi manera de ser o de hacer las cosas, me estaba empezando a tomar esto como una obligación, como, y es triste decirlo, un pequeño quebradero de cabeza en ocasiones en lugar de una satisfacción. Y cuando suenan las campanas... mal asunto. Me he alejado a propósito unas semanas del blog y de la bloggosfera, para ver como lo veía con distancia y más tranquilo. Ni el más mínimo impulso serio de publicar nada en este tiempo. Muy mala señal.

Supongo que se podrían añadir un par de motivos más, y es de justicia que los podáis leer. En primer lugar, escribir tanto de cine (y leer, que una cosa va con la otra) me estaba haciendo perder mi pasión por el séptimo arte y ahora mismo no hay ningún otro tema sobre el que quiera escribir. En segundo lugar, siento que, como blogger, en este momento de mi vida, no puedo dar más, no puedo ir hacia delante, no puedo evolucionar (o no sé). No quiero que esto se convierta en algo rutinario, en algo que hago porque sí, por costumbre. Si no tengo pasión y siento que no puedo crecer con esto, prefiero dejarlo.

Espero que podáis entenderme y, si alguno le tenía aprecio a este espacio, perdonarme. El primer objetivo que me planteé cuando abrí el blog fue conocer gente con la que debatir sanamente y compartir opiniones sobre temas comunes. Puedo decir que lo he conseguido, que he sacado de aquí un puñado de buenas personas con las que he compartido palabras por mail y por Messenger. Quizá por ellos he seguido un poquito más, pero llega un momento en que una vocecita te dice basta. Y basta porque tampoco os merecéis que escriba con desgana y sin pasión.

En fin, quizá algún día vuelva por la bloggosfera con ganas renovadas, hablando de lo mismo o de otras cosas, o quizá no. Ahora quizá me dedique a escribir alguna novelita amateur o a seguir disfrutando el cine con la pasión de un niño. Haga lo que haga, de lo que sí estoy seguro es de que nunca dejaré ningún mail por responder y estaré encantadísimo de compartir charlas con el que le apetezca (m2hero@hotmail.es). Si alguno queréis decirme algo, las puertas siempre estarán abiertas en esa dirección de correo.

Un saludo a todos y a cuidarse.

EL LIBRO DE ELI: La lectura como salvación

2010-03-21T17:22:00.000+01:00

Creo que no iré muy desencaminado si afirmo, desde ya, que EL LIBRO DE ELI es una película de acción dirigida a un público bastante concreto. No quiero decir que sea restrictiva, pero sí que se intuye en todo momento (con el tráiler mismo basta) qué propone y a quién le puede atraer. Con una ambientación, una estética, bastante similar a la de la mítica Mad Max, el film que hoy nos ocupa va encaminado a satisfacer las ganas de acción de aquellos que se sienten fascinados por las historias post-apocalípticas. La pregunta es si consigue colmar las expectativas o se queda a medio camino.

En primer lugar, esta cinta nos cuenta la historia de un personaje, supuestamente llamado Eli (interpretado por Denzel Washington), pero que puede ser cualquier caminante en un mundo en ruinas, devastado por un Sol abrasador y por las guerras. En esta tesitura, con caminos áridos y peligrosos por doquier, nuestro protagonista se dirige hacia el oeste, donde pretende dejar a salvo un libro que posee, un ejemplar único que, según algunos, podría alimentar de esperanza a la raza humana superviviente o bien dominarla por completo. Con el segundo objetivo en mente, Carnegie (Gary Oldman), un cazique de un pequeño y decadente pueblo, pretende arrebatarle el libro a Eli.

Hasta ahí no suena mal del todo, ciertamente, a pesar de tratarse de una propuesta argumental bastante trillada, tanto en el cine como en la literatura o los videojuegos (cámbiese libro por múltiples y diversos objetos xD). Aunar ese esquema narrativo con un entorno post-apocalíptico, muy similar al de Mad Max o Fallout, junto con el enigma de saber qué contiene el libro, podría haber dado mucho juego. Y fijaos que he dicho podría: sobre la mitad del metraje ya se conoce perfectamente qué libro es, incluso mucho antes si uno es un poco avispado. No voy a entrar en spóilers, pero decepciona un poco que no hayan jugado más con esta intriga.

Teniendo eso en cuenta, precisamente el film parece dividido en dos tramos sin partición aparente, pero sí muy acusada. La primera mitad se percibe relativamente ágil, con dosis suficientes de acción y un cierto suspense por saber qué esta pasando; la segunda pierde bastante fuerza narrativa y anquilosa el ritmo, resultando bastante más lenta en comparación con lo anterior y, por ende (además de por haber revelado ya el misterio del libro), menos interesante y previsible (con un giro final calcado al de una película clásica cuyo nombre no diré por no destripar).

Hasta ahí los puntos negativos de EL LIBRO DE ELI. En la parte positiva nos encontramos con unas dinámicas y vistosas secuencias de acción, con un toque brutal que les sienta de maravilla, aunque hubiera sido de agradecer que hubiera habido más cantidad de enfrentamientos, por eso de impresionar más al respetable. A estas secuencias las acompaña un uso portentoso del Dolby Surround para los efectos (lo remarco porque se percibe mejor que en otras producciones), realmente envolvente esta vez, con un buen uso de los altavoces laterales y traseros. Lástima que la música, siendo adecuada, no sea un poco más "cañera".

La estética, como ya he dicho antes, hereda los atributos de cosas como Mad Max o Fallout, presentando un mundo post-apocalíptico, aunque no tan oscuro y deprimente como el visto en la reciente The Road. Lo cierto es que, sin resultar espectacular, la atmósfera cumple su cometido, amén de tener un sabor a western bastante perceptible. Ojo al tarareo de la melodía de Érase una vez en América, obra cumbre del famoso director de cine del oeste Sergio Leone. Un buen guiño, sin duda.

En cuanto a las actuaciones, sin ser una maravilla, cumplen sin problemas. Personalmente no me gusta demasiado Denzel Washington, pero encaja en este papel perfectamente, pese a que ya se le empiecen a notar un poco los años. Como contrapartida, Gary Oldman realiza una actuación con matices muy similares a la que ya hizo en Leon, el Profesional, aunque sin llegar al grado de excelencia que alcanzó en aquella. Completando importancia, Mila Kunis (de la serie Aquellos maravillosos 70) encarna el papel femenino de rigor, resultando aceptable. Los secundarios están correctos, con un puñado de viejos conocidos en diversos géneros, mencion especial para Malcolm McDowell, protagonista de La naranja mecánica, con un pequeñito papel hacia el final.

En resumen, EL LIBRO DE ELI es una propuesta interesante en el género de la acción, siempre que se acepte su ambientación. Un poco tediosa en su segunda mitad, se deja ver durante las casi dos horas que dura, resultando entretenida en general y una digna opción en la cartelera actual. Si le tenéis ganas, adelante.

Mis lecturas: La soledad de los números primos (de Paolo Giordano)

2010-03-12T15:16:00.002+01:00

Una nueva obra viene hoy a engrosar la sección literaria de este blog, una novela que, y empieza a ser costumbre, comentó primero el compañero Okubo en su sitio, El Lagarto Hipotético. Antes de nada, darle las gracias a él por darme el empujón necesario para leerla con esta entrada que publicó hace unas semanas. Como no podía ser de otra manera, os invito a todos a echarle un vistazo para complementar lo que podréis leer en este artículo.

Y es que, de no ser por esa entrada, reconozco que nunca habría leído La soledad de los números primos, pese a lo cerca que lo tenía (gracias a Cris). No sé si alguno lo habréis visto en algún catálogo de venta, pero es el claro caso de un libro que merece mucho la pena y cuya nota promocional le hace más mal que bien (al menos, según se mire). Cuando leí dicha nota hace algunos meses, todo apuntaba a que esta novela era una típica historia romántica plagada de dificultades, dirigida a un público juvenil. Supongo que interesa publicitarla así porque quizá consigan vender más, pero echa para atrás a otro tipo de público, entre los cuales me considero. Nada que ver con la citada nota promocional: La soledad de los números primos es un trabajo adulto, complejo, difícil de digerir en ocasiones y, ya lo digo, muy satisfactorio de leer. Pero no adelantemos acontecimientos.

El autor

La obra que hoy nos ocupa es, hasta el momento, la única novela que ha escrito un jovencísimo (no llega a la treintena de edad) y prometedor escritor italiano, Paolo Giordano. Nacido en 1982 en Turín, hijo de un ginecólogo y una profesora de inglés, su carrera académica ha sido simplemente espectacular, obteniendo unas notas envidiables que bien le han valido la licenciatura cum laude en Física Teórica. Un momento, diréis, ¿Física Teórica? Pues sí, un hombre que teóricamente es más de ciencias que de letras, que estudia partículas y reacciones y no comportamientos, ha conseguido una ópera prima simplemente maravillosa.

Esta ópera prima que hoy tratamos le ha permitido ganar media docena de premios, entre los que se encuentra el Premio Strega en el año 2008 (cuando se publicó en Italia esta novela), habiendo sido, si no estoy mal informado, el escritor más joven en ganarlo. Refiriéndonos también a La soledad de los números primos, tuvo el honor de ser el libro más vendido en su país de origen hace dos años, además de encontrarse ya en post-producción su adaptación cinematográfica (con lo que es de esperar que la podamos ver este año), que cuenta con la aparición de la popular Isabella Rossellini y la participación activa del propio autor en labores de guión y escenografía. Ya saliéndonos del libro que hoy tratamos, Paolo Giordano cuenta con toda una serie de relatos para una revista italiana, así como con un par de publicaciones científicas en su ámbito. Posiblemente uno de los escritores jóvenes con más talento, es de esperar (al menos, yo lo hago) que siga escribiendo obras de gran nivel.

La obra

La soledad de los números primos, más que contarnos una historia, supone un seguimiento a las trayectorias vitales de dos seres humanos especiales: Alice y Mattia. Marcados ambos por un terrible accidente en su infancia, son incapaces de llevar una vida normal y corriente, de relacionarse como es habitual con los demás, sintiéndose sólo completamente a gusto en presencia del otro. Alice, que quedó coja de una pierna de niña, ha crecido con la anorexia como inexorable compañera. Mattia, que perdió a su hermana gemela cuando era pequeño, se autolesiona cada vez que tiene ocasión para escapar de su vacío personal. Dos almas gemelas, dos números primos gemelos, que se acerca y se alejan a lo largo de su vida, atrayéndose irremediablemente pero, a su vez, separándose por sus propios muros personales.

Si sentís el impulso de pensar por esta sinopsis que se trata de algún tipo de novela romántica de corte juvenil, ni se os ocurra hacerlo. Nada más lejos de la realidad, lo he dicho antes y lo reitero ahora: estamos ante una obra adulta, compleja psicológicamente hablando, que cuenta con unos personajes llenos de demonios personales y que puede ser difícil de aceptar en algunos momentos. El inicio, sin ir más lejos, se muestra desgarrador, como un puñetazo en el estómago, avisando al lector de lo que tiene entre manos. Después quizá se vaya moderando en bastantes ocasiones, pero sólo porque busca más el entendimiento a nivel intuitivo que el mostrar específicamente las secuencias difícilmente digeribles. Obviamente, y lo digo ya, no está hecho para cualquier clase de lector. Eso sí, si le das una oportunidad y entras en su perfil, es extraordinariamente disfrutable.

Y a eso ayuda también el portentoso estilo de Paolo Giordano, libre de artificios o cosas superfluas, contando sólo con las descripciones justas (es decir, muy pocas y breves), las metáforas adecuadas (alguna hay simplemente sublime) y los diálogos exactos. Se podría decir que La soledad de los números primos es una obra muy intimista, que no abusa de hipérboles y se centra en hablarnos de forma sencilla, sincera y directa. No es de extrañar leer entonces alguna palabra malsonante, usando un registro muy de andar por casa, pero no por ello falto de belleza estilística y calidad literaria. Giordano sabe cómo se hace, sin lugar a dudas.

A nivel de estructura, la obra se divide en siete partes que, a su vez, albergan una serie de capítulos más o menos extensos (más breves al principio, más extensos hacia el final) hasta llegar a la cifra de 47. Cada una de sus partes discurre en un año distinto, desde 1983 hasta 2007, salteando de vez en cuando. Por ello, nos da la sensación de estar siguiendo la vida de los dos personajes en sus momentos clave, como si se tratara de un diario con un narrador omnisciente. Sin duda, una decisión muy acertada, que hace muy amena a la obra y muy apta para leerla en intervalos de poco tiempo. Tampoco es más larga de lo que conviene, siendo una lectura absorbente que se disfrutará de manera intensa en unos pocos días.

Una vez hablado de estilo, no quiero cerrar esta reseña sin hacer referencia a otros dos puntos importantes del libro. En primer lugar, se hace una crítica (de forma un tanto indirecta, pero presente) a la clase media-alta (más lo segundo que lo primero) de la sociedad italiana (y, por extensión, occidental), concretamente a una generación de padres incapaces de comprender a sus hijos, sus problemas y sus preocupaciones, que les dan materialmente todo lo que puedan querer pero que, a nivel afectivo, dejan mucho que desear. No es el tema central de la novela, pero tiene su importancia y ofrece una reflexión interesante.

El segundo aspecto que quiero tratar antes de acabar es el magnífico elenco de personajes secundarios que podemos encontrar en La soledad de los números primos. Pese a ser eso, secundarios, y estar más o menos desarrollados, prácticamente todos gozan de un carisma imponente, que hace fácil recordarlos de memoria. Cada uno tiene algún tipo de problema personal, desde Soledad (de las primeras que conocemos), una especie de criada suramericana de la familia de Alice, que se niega a sí misma el hecho de que su marido la abandonara, hasta Nadia, una mujer treintañera que no ha encontrado el amor y cada vez lo intenta menos, pasando por Denis, compañero de estudios de Mattia, que lo ama en secreto pero sabe que no lo tendrá. Como podéis ver, el autor trata, con los secundarios, toda una serie de aspectos (homosexualidad, abandono de la pareja, desamor adulto, negación de la realidad...) muy actuales, de manera llana pero compleja. Son el tipo de matices que le otorgan mayor profundidad y realismo a una obra, sin duda.

Y bueno, no quiero extenderme más, pero seguiría escribiendo maravillas sobre esta novela. No apta para cualquier público, pero absorbente durante la lectura y de un gusto exquisito una vez se consigue digerir. En mi opinión, uno de los mejores debuts literarios que he podido disfrutar, una obra adulta, de calidad, que no renuncia a la cercanía, al realismo, a la vez que a un estilo propio. Gran novela, recomendadísima lectura si te sientes dentro del target al que se dirige.

LOS HOMBRES QUE MIRABAN FIJAMENTE A LAS CABRAS: Pagando la novatada

2010-03-10T12:46:00.000+01:00

Bueno, pues al final me he animado a traeros una entrada dedicada a este film, el cual vi al día siguiente del estreno (que fue este viernes pasado, día 5), aunque no ha podido ser hasta ahora cuando hable de él por falta de tiempo el fin de semana y la ceremonia de los Oscars. La verdad es que tenía ciertas expectativas (moderadas) puestas en LOS HOMBRES QUE MIRABAN FIJAMENTE A LAS CABRAS, por dos razones principalmente: su pedazo de reparto (del que luego daremos buena cuenta) y esa similitud a las obras más desenfadadas de los hermanos Coen. Al final, una de cal y una de arena, pero vamos a ver estos aspectos y otros en más profundidad.

La película está basada en la novela homónima de Jon Ronson que, a su vez (y por increíble que parezca), está basada en hechos reales. Cuenta la historia de Bob Wilson (interpretado por Ewan McGregor), un periodista fracasado en el trabajo y en el amor que decide lanzarse a cubrir la guerra de Irak para demostrar a los demás y a sí mismo que es todo un hombre. Sin embargo, pronto cambiará de reportaje cuando conozca a Lyn Cassady (George Clooney), un hombre que asegura ser un soldado con poderes psíquicos y pertenecer a un escuadrón de élite con otros similares a él. ¿Será verdad lo que cuenta Lyn o sólo simple imaginación?

Como creo que podéis intuir, la historia tiene pinta de ser disparatada y rayana en lo absurdo. De ahí que hace un par de párrafos dijera que tenía un cierto aire a las comedias de los hermanos Coen. Y, efectivamente, la trama se presenta divertida, plagada de gags que juegan con lo de los poderes psíquicos y la realidad y, especialmente, guiños a películas míticas como El silencio de los corderos, Star Wars (sobretodo a ésta) y El señor de los anillos. Sin embargo, aunque divertida, nos mantiene en la sonrisa, llegando muy pocas veces a la carcajada necesaria en este tipo de obras (aunque cuando llega, llega xD). Y eso si tenemos ese punto friki porque, si no, ni eso.

Posiblemente, la mejor escena de la peli: cabra contra hombre, frente a frente xD

Lo que quiero decir es que las numerosas referencias a otras obras y el tipo de sentido del humor que destila LOS HOMBRES QUE MIRABAN FIJAMENTE A LAS CABRAS no son aptos para cualquier clase de público. Para mucha gente pasarán desapercibidos la mayoría de gags referenciales, al tiempo que los que no hacen referencia a nada no les acabarán de dar excesiva gracia. Y aquí radica su gran fallo: sin llegar a ser una cinta del estilo de Kevin Smith (por poner un ejemplo), tampoco es apta para el público medio. Se queda como muchos otros aspectos en su conjunto: a medias.

Y aquí es donde creo que el director, Grant Heslov, ha pecado de novato. Con una trama dada a la comedia y un conjunto de actores de lujo (que difícilmente se juntarán otra vez), no ha sabido sacar una cinta entre buena y notable, que era casi lo mínimo exigible con el material disponible. Tampoco ha sabido llevar el ritmo como era conveniente, consiguiendo un comienzo prometedor pero que, por las constantes pequeñas bajadas y subidas en su desarrollo, por la ausencia de momentos sin bromas, se va diluyendo. Mal asunto es cuando una cinta de hora y media se hace larga después de un rato.

Kevin Spacey con cara de furia. ¿Será por lo sosete de su papel?

Para acabar con lo destacable, quedan los actores, en su mayoría muy por debajo de lo que cabría esperar de ellos. Ewan McGregor se muestra un poco sosainas en la labor de conductor de la película, con lo que las cosas ya se ponen cuesta arriba. Nada que ver con su portentosa actuación (con ciertas similitudes en cuanto a exigencia) en la gran Big Fish. George Clooney, también con bastante protagonismo, salva un poco los muebles con sus gracietas. Donde no puedo defender es con Kevin Spacey (actor que me encanta) ni con Jeff Bridges: demasiado anodinos, demasiado alejados de lo que unas figuras de su calibre deberían ofrecer, aunque bien se puede deber al poco peso que tienen y a la ausencia de gags con sus personajes.

Al final, nos queda un pudo haber sido pero no es, una película que no es mediocre (ni mucho menos), pero que no me atrevería a calificar de buen film. Quizá demasiado orientada a un cierto tipo de público (lo cual tampoco es negativo), pero con fallos notables en la ejecución, comenzando por su ritmo roto y el poco rendimiento que le saca a un elenco tan reputado. Si os llama la atención, echadle un vistazo. Si tenéis dudas, dejadla pasar.

La (aburridísima) gala de los Oscars 2010

2010-03-08T15:15:00.001+01:00

Oscars, Oscars, Oscars. Realmente ayer u hoy me tocaba escribir una entrada sobre Los hombres que miraban fijamente a las cabras, la última película que he visto (ya os advierto que fue flojita), pero ayer no me dio tiempo y hoy he pensado que, siendo éste un blog principalmente de cine, cómo no iba a escribir algo sobre la ceremonia de entrega de los Oscars de anoche. En su 82ª edición, creo que tres cosas quedaron muy claras: nunca llueve a gusto de todos (obviamente), la gala fue aburrida a más no poder y los Oscars ya no son lo que eran. De forma un poco desordenada (todavía me invade el sueño, que esto acabó a las 6 y poco de la mañana), voy a comentaros mis impresiones sobre el que posiblemente sea (mentira, ES) el evento cinéfilo más importante del año.

En primer lugar, hablemos de los ganadores y de los perdedores. No voy a poneros un listado completo, porque lo podéis encontrar en casi cualquier sitio y no me apetece hacer un copy-paste. En contra, voy a comentar, un poco de pasada, los más importantes y los que me sorprendieron. La gran triunfadora de la noche fue En tierra hostil, que se llevó 6 galardones, entre ellos el de Mejor película y Mejor dirección, amén de 3 técnicos y el de Mejor guión original. No la he visto y no puedo juzgar, pero se podía intuir que se llevaría varias estatuillas, así que no me sorprende. Me cogió un poco por sorpresa que se hiciera con esos 3 premios técnicos (los dos de sonido y el de montaje), porque otros films pisaban fuerte en esas categorías. El que fue para Kathryn Bigelow estaba, de verdad, cantadísimo. Ya era hora de que una mujer se lo llevase ^^.

Y si hablamos de triunfadores, hablamos también de perdedores. La derrota más humillante fue la de Avatar, que se llevó 3 estatuillas, todas menores. Se esperaba que la película más taquillera de la historia y el tan cacareado proyecto vital de James Cameron pudieran hacerse con algún premio más, al menos en los apartados técnicos. Al final, sólo fueron Mejor dirección artística (cantado), Mejores efectos visuales (cantado) y Mejor fotografía. No sé cuán contento estará Jim después de que su ex-mujer le arrebatase el protagonismo y los premios a Mejor film y Mejor director (había mucho morbo con esto).

Con 2 Oscars quedaron Precious (Mejor actriz secundaria, clarísimo, y Mejor guión adaptado), Up (Mejor película animada y Mejor banda sonora, clarísimos también) y Crazy Heart (Mejor actor principal y Mejor canción, creo que también sin sorpresas). Otros Oscars cantadísimos fueron el de Mejor actriz (Sandra Bullock), Mejor maquillaje (Star Trek) y Mejor actor secundario (Christoph Waltz). Para mí las sorpresas vinieron con las técnicas de En tierra hostil, el vestuario de La reina Victoria (aunque no sorprende que gane una de época) y, muy agradablemente, con el Oscar a Mejor cinta extranjera para El secreto de sus ojos, donde todos esperaban que ganase La cinta blanca.

No sé qué conclusiones extraeréis vosotros, pero la Academia, sin ser sorprendente (se han arriesgado poquito), ha demostrado que puede pasar olímpicamente de lo recaudado en taquilla, lo cual me agrada. Lo que no me agrada tanto es ese cierto patriotismo y ese cierto deje por las películas dramáticas o relativamente crudas, porque ya son muchos años con un reparto de premios más inclinado a veces por factores secundarios que por la calidad de las nominadas (ojo, no estoy diciendo que me parezca injusto que haya ganado En tierra hostil, pero me pregunto por qué una cinta de ambientación bélica, por qué un guión dramático, etc.). Creo que mucha gente estará de acuerdo en que estos premios se van desprestigiando por poco arriesgados y demasiado patrióticos. Y otra sensación que me da: repasé los premios desde hace 10 años y una sensación preocupante me alarmó: poco nivel general en las nominadas, falta de grandes clásicos. Gente poco cinéfila no recordará, si llega, más de una o dos ganadoras desde 1999 hasta aquí.

Otra cosa que ayuda a empañar este gran evento es el aburrimiento que produjo la gala. Duró lo mismo que el año pasado, tres horas y media, pero se me hicieron el doble de largas. Steve Martin y Alec Baldwin, desde mi punto de vista, no le llegaron a la suela de los zapatos como anfitriones al gran Hugh Jackman de la pasada edición: poco entretenimiento, pocas risas, demasiados momentos estirados al máximo y demasiada publicidad, de eso sí que hubo de sobras. Los invitados tampoco estuvieron a muy alto nivel (alguno repetía del año pasado), pareciéndome mejor en este aspecto la de 2009. En fin, que llevando una horita no invitaba mucho a seguir viéndola, excepto por el interés de conocer los premiados en las categorías "gordas".

Como algunos podéis imaginar, servidor la vio vía internet, en Stream, con los problemas de cortes, caídas y demás que son habituales. Me hizo pensar que por qué narices no los darán en abierto, por alguna cadena que no sea el Plus. Entiendo que la pasta es la pasta, pero tendrían muchísima audiencia y el público lo podríamos ver de forma más cómoda. En cuanto a compañía, el Messenger nos permitió a Alex (Alejandro, comentó hace poco por aquí) y a mí compartir impresiones en vivo, mientras nos tirábamos de los pelos por ver que tito Quentin no se llevaba algo más (qué va, ya lo sabíamos xD). Al menos pudimos hacer unas cuantas gracias y tal, por eso de no dormirnos xD.

Para acabar, hablar de mis resultados en los concursos en los que participé. En el de la anterior entrada, el que organizó el blog I TOLD YOU SO!!, he acertado 5 de 10, lejos de los 8 que creo que han tenido los ganadores (esperaba acertar una más, como mínimo, pero me falló La cinta blanca). En el que organizó Crowley, de tengo boca y no puedo gritar, acerté 10 sobre 24 (todas las categorías), de 18 (si mal no recuerdo) que ha acertado el ganador (mi enhorabuena ^^). En fin, me he quedado en un punto medio xD.

Y bueno, despedirme ya, no sin antes decir que, si hay interés (si a nadie le interesa, no la escribo xD), en un par de días tendréis la entrada de Los hombres que miraban fijamente a las cabras, cinta que me dejó frío y que no recibirá impresiones muy positivas por mi parte xD. Ahora os dejo los comentarios para que podáis hablar sobre lo que opináis de esta aburridísima gala de 2010, además de vuestra opinión sobre las premiadas, claro ;).

Mi porra blogger para los Oscars 2010

2010-03-01T12:22:00.003+01:00

Hace unos días el compañero Onetwothree (asiduo comentarista por estas tierras fangosas que son Lobo en el lodo) del sitio I TOLD YOU SO!! lanzó una porra blogger con objetivo de dilucidar y apostar (como viles ludópatas) sobre los ganadores en las categorías más destacadas de los Oscar de este año. Básicamente nos jugamos el honor, nuestra hacienda y la reputación cinéfila de cada uno, así que no es cosa baladí. Si os consideráis valientes o con suerte, en esta entrada podéis leer las sencillas bases de la porra (que tiene premio) y participar, aunque os recuerdo que habría que hacer las apuestas antes de este domingo (día 7), que es cuando se celebra la gala de los Premios de la Academia.

Antes de hacer mi apuesta (personal e intransferible... nah, es broma), me gustaría anunciar la entrada de I TOLD YOU SO!! en el listado de Páginas amigas de este sitio, algo que tenía pendiente desde hace un tiempo y que todavía no había llevado a cabo. El amigo Onetwothree, con la colaboración de Iván, conduce un blog con un diseño exquisito para mi gusto, muy atractivo visualmente pero que, si además os gusta leer sobre cine, series, internet... os encantará. Uno de mis habituales, destaco sus críticas de cine, directas y bien escritas, así que, obviamente, es recomendación encarecida que lo visitéis. Y ahora sí, vamos con la porra:

1. Mejor película - Voto a AVATAR

Por mucho que me pese, creo que se repetirá la historia de Titanic: ha recaudado lo que no está escrito, ha estado en boca de todos mucho tiempo y es una película disfrutable para cualquier clase de público, así que me parece evidente que la Academia la premiará. De las que están en la categoría, sólo The Hurt Locker me parece que está en condiciones de robarle la estatuilla, aunque dudo mucho que eso pase.

2. Mejor director - Voto a Kathryn Bigelow

Aunque me gustaría que lo ganase Tarantino, Inglorious Bastards no es una de sus tres mejores películas y la lucha estará entre Cameron y su ex-mujer, Bigelow. En mi opinión, quien gane a mejor director se llevará mejor película y viceversa, así que no sabía que votar. Inconsecuentemente con la otra categoría, voto a Kathryn, porque creo que es hora de que una mujer se lleve la estatuilla y por ahí podría saltar la liebre.

3. Mejor actor principal - Voto a Morgan Freeman

Para mí, Clooney, Bridges y el mismo Freeman están en ventaja respecto a los otros dos (sin quitarles méritos). Creo que Bridges y Freeman estarán en dura pugna, pero una cosa me hace decantarme por el intérprete de Nelson Mandela: el año pasado también se daba por presupuesto que Mickey Rourke ganaría la estatuilla en un papel de similares características al de Bridges y al final no se la llevó.

4. Mejor actriz principal - Voto a Sandra Bullock

Todo el mundo lo dice e insiste con fuerza y no voy a ser yo quien lo niegue: Bullock tiene ventaja aquí. El papel de Meryl en Julie y Julia no es, ni de lejos, su mejor actuación, además de ser una película bastante menor. El resto, sinceramente, me parece que están de relleno (de nuevo, sin restarles méritos) porque hay que escoger cinco nominadas, ya que la distancia con Sandra es abismal a día de hoy (luego la Academia irá y me cerrará la boca xD).

5. Mejor actor secundario - Voto a Christoph Waltz

¿Alguien aquí duda que el papelazo de este señor en Inglorious Bastards le valdrá la estatuilla? Un ejemplo de actuación soberbia.

6. Mejor actriz secundaria - Voto a Mo'nique

Una de las que más me ha costado decidir, entre Vera Farmiga y ella. Anna Kendrick todavía es muy joven, a Maggie Gyllenhaal no la veo llevándose la estatuilla y Pe ya se la llevó el año pasado. Creo que haber ganando el Globo de oro (corregidme si me equivoco), le da una pequeña ventaja a la actriz de Precious.

7. Mejor película de habla no inglesa - Voto a La cinta blanca (Das weisse Band)

Aquí me ha costado poco decidir: creo que Haneke ha conseguido un film con trascendencia popular, del que se habló bastante en términos de obra maestra, así que me extrañaría mucho que no se lo llevase. Si no, ojalá fuera para El secreto de sus ojos.

8. Mejor guión original - Voto a Inglorious Bastards/Tarantino

Aquí voto un poco con el corazón, pero es que además me parece el mejor guión de los 5 que compiten.

9. Mejor guión adaptado - Voto a Up in the air/Jason Reitman y Sheldon Turner

A nivel de guión y diálogos, la película me sorprendió muy gratamente, así que me decanto por ella (pese a que tiene rivales de nivel aparentemente similar en competencia) como ganadora.

10. Mejor película de animación - Voto a Up

Vamos, para mi seria un shock que Up no saliese premiada en esta categoría. Es de Pixar, que sabe lo que es ganar estatuillas, toca la fibra sensible y divierte a niños y mayores, amén de que sus competidoras, a excepción de la del zorro, poco tienen que hacer (pese a lo mucho que me gustó Coraline, pero no la veo del gusto de la Academia). Por si fuera poco, ha sido la única de las 5 que ha entrado en la categoría de Mejor película, así que...

Y hasta aquí mis votaciones, os recuerdo que podéis participar siguiendo el enlace del principio ;).

Estrenos de cine: marzo (2009)

2010-02-26T02:01:00.000+01:00

No sé si os acordaréis, pero en este blog había una sección mensual llamada Estrenos de cine que llegó a las 7 entregas (la última en julio del año pasado, puf ^^u) para luego desaparecer sin dejar rastro y sin que nada más se supiera de ella. La verdad es que era así oscura, sin fotos y sin nada, pero os diré que a mí me gustaba, en parte porque me servía un poco de agenda para saber lo que iba a ver ese mes (siempre que las fechas luego no bailasen, claro xD) y, por ende, lo que iba a criticar en términos cinéfilos. Parece mentira, pero muchas veces nos gusta el cine y no sabemos lo que se estrenará en las siguientes semanas. Os pase eso o no, sin saber si perdurará, la sección ha vuelto xD.

Siguiendo las bases de antaño, se trata de dividir el mes (en este caso, marzo) en semanas y comentar un poquito los estrenos que más me llamen la atención (es un tanto personal). Como de costumbre, mi mayor enemigo son las fechas de estreno, que pueden cambiar vilmente de una semana para otra, dando al traste con nuestra planificación. Os recuerdo que, normalmente, las películas se estrenan los viernes en España, pero a veces puede haber alguna variación con cintas importantes o que aprovechen una determinada época. Por supuesto, como hacíamos antes, vosotros podéis colaborar en esta entrada enviándome algún párrafo de un film que se vaya a estrenar este mes, os guste y yo no haya comentado en el artículo. Si alguno se anima, pondré el párrafo en la entrada, junto al nombre de quien lo haya escrito ;). Y ahora, vamos allá con los estrenos:

Semana del 1 al 7 de marzo

Corazón rebelde: la película que, muy posiblemente, le haga ganar el Oscar este año a Jeff Bridges al mejor actor principal. Un biopic que trata la historia de Bad Blake, un viejo cantante country con mucho vivido a sus espaldas, casi todo oscuro y perjudicial para su salud: mucho alcohol y muchos tugurios, principalmente. Pero todo cambiará cuando conozca a una periodista que verá en él algo especial. Personalmente dudo que le dé una oportunidad, porque odio las películas biográficas, pero se está llevando muy buenas críticas.

Los hombres que miraban fijamente a las cabras: el segundo estreno de la semana en el que aparece Jeff Bridges, vaya xD, compartiendo cartel con George Clooney, Ewan McGregor y Kevin Spacey. Cuenta la historia de un periodista que conoce a un grupo de élite de soldados poco convencionales: se entrenan mentalmente para lograr proezas como atravesar paredes, leer pensamientos, cambiar el clima o, como dice el título, acabar con una cabra sólo con la mirada. Cinta hilarante donde las haya, con un cierto toque a hermanos Coen que no se lo quita nadie. Tiene pinta de ser divertidísima, a ver qué tal.

Semana del 8 al 14 de marzo

Green Zone. Distrito protegido: lo nuevo de Matt Damon y el director con el que ya trabajó en la segunda y tercera entregas de la saga Bourne (que puede que pronto cuente con un Recordando... en este blog), Paul Greengrass. Tiene pinta de ser un film repleto de espionaje y acción, ambientado en Bagdad durante 2003, con unos soldados buscando las famosas armas de destrucción masiva. Por mi parte, me genera un poco de desconfianza, pero puede salirles una buena peli de acción.

Semana del 15 al 21 de marzo

El libro de Eli: de momento, junto a la de las cabras, el estreno que más ganas tengo de ver este mes. Un largometraje que no me llamaba nada hasta que vi el tráiler la semana pasada. Una suerte de cruce entre Mad Max y el videojuego Fallout, protagonizado por Denzel Washington y que tiene pinta de estar lleno de acción hasta los topes. La historia gira alrededor de un hombre que debe proteger a toda costa un libro que contiene las pautas para salvar a la humanidad en un futuro apocalíptico. Buena pinta.

Hermanos: una cinta de la que llevo tanto tiempo oyendo cosas con cuentagotas que al final no sé que pensar. En ella, Tobey Maguire (Spiderman) y Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain, la futura El príncipe de Persia) se disputan, como hermanos, el amor de Natalie Portman. Resulta que Tobey se va a la guerra, es dado por muerto y Jake, su hermano, se junta con su cuñada (la mujer de Tobey, Natalie), para luego volver Tobey y darse cuenta de que pasan un poco de él. En resumidas cuentas, que me suena a SPOILER (Pearl Harbor).

Semana del 22 al 28 de marzo

Recuérdame: la tan cacareada película donde el prota de Crepúsculo, Robert Pattinson, comparte reparto con Pierce Brosnan. Estamos ante un drama romántico, en el que dos jóvenes empiezan a entablar una relación al haber sufrido cada uno el suicidio de un ser querido. Vi un tráiler en inglés y os puedo decir que no tenía mala pinta del todo. Habrá que ver.

Cómo entrenar a tu dragón: bajo un título digno de Pokémon (con todos mis respetos), se esconde el estreno interesante del mes en el plano infantil. Lo último de Dreamworks, responsables de Shrek y Madagascar, una simpática película de animación que contará, cómo no, con su correspondiente versión 3D. Muy posiblemente hará las delicias de los pequeños (y las mías, que soy como un niño ^^u) al narrar la historia de un joven vikingo que se topa con una cría de dragón y se debe encargar de ella.

Y hasta aquí los estrenos que me parecen (personalmente) más interesantes este mes. Tenemos casi de todo: biopics, dramas, acción, infantil, comedia... en 30 días quizá sin grandísimas películas, pero sí con un puñado de interesantes propuestas para casi cualquier clase de público. Por mi parte, al menos dos de estas tienen su visionado asegurado. ¿Cuáles son vuestras favoritas para marzo?

PERCY JACKSON Y EL LADRÓN DEL RAYO: Aventuras juveniles

2010-02-24T14:55:00.003+01:00

Pues, como ya adelanté en los comentarios de la crítica que hizo Nancy Callahan sobre este film, al final me tocó ser arrastrado a ver la película que hoy nos ocupa, una adaptación fílmica de la novela (juvenil, quiero suponer) de Rick Riordan. La verdad, desconozco si el libro tiene muchos fans o no, pero hay que decir que a PERCY JACKSON Y EL LADRÓN DEL RAYO no se le ha dado tanto bombo como a otros largometrajes de similar público objetivo (hablo, cómo no, de los Harry Potter, Crepúsculos o Narnias). Esto, evidentemente, juega en su contra de cara al espectador medio que no conoce las aventuras literarias del personaje. Pese a ello, y posiblemente gracias a ese hecho, el amigo Percy ha conseguido una cinta de mayor calidad que las últimas incursiones del famoso mago, su principal rival a batir, por similitud argumental y artística. Y es que lo mejor que se puede decir de este film es que no resulta tan terrible como cabría esperar, aunque tampoco es una maravilla. Pero bueno, vamos a verlo un poco más en profundidad.

Resulta que Percy Jackson (interpretado por Logan Lerman) es hijo del dios griego Poseidón (Kevin McKidd) aunque, por supuesto, él no lo sabe. Sin haber conocido a su padre biológico y teniendo que soportar a un pestilente padrastro (Joe Pantoliano), Percy lleva una vida un tanto difícil, con una dislexia que le impide leer bien y una hiperactividad que le pierde. Sin embargo, su vida va a cambiar, ya que Zeus (Sean Bean) acaba de acusarlo ante Poseidón de haber robado el rayo maestro, arma predilecta del dios supremo griego. Sin comerlo ni beberlo, Percy se verá envuelto en una carrera de 2 semanas por recuperar el famoso rayo, de lo contrario una terrible guerra estallará entre los dioses del Olimpo.

Os aseguro que he buscado otras imágenes para no copiar a Nancy, pero ha sido imposible xD

Como podéis ver, una trama idónea para una película de aventuras y perfecta para la diversión de la chiquillada, pero bastante insuficiente y previsible para un público más adulto. Además, como suele ser habitual en las adaptaciones de literatura juvenil a la gran pantalla, padece del típico síndrome denominado (por mí) como "correcalles": los acontecimientos se amontonan y, muchas veces, el largometraje se convierte una carrera contrarreloj para contarlo todo y que no se quede nada fuera. Sí, da sensación de dinamismo y poco lugar al aburrimiento, pero te deja la impresión de que nada está narrado como debiera. Cosas de adaptar las páginas que sean a un par de horas de metraje.

Desde luego, soy consciente de que es más fácil ser positivo con Percy que con las últimas adaptaciones de Harry Potter o Crepúsculo, ya que se conoce menos la obra original y es imposible para muchos buscar fisuras en la adaptación. Sin embargo, también es cierto que, como producto de cine, las aventuras de Percy consiguen una mayor calidad que las dos películas citadas, todo ello a pesar de contar en la dirección con el artífice de las dos primeras y pasables cintas de Potter: Chris Columbus. En esta ocasión, al menos ha conseguido una película entretenida (aunque sin alardes), y eso sí, un poquito larga de más (le pesan las casi 2 horas que dura).

Como no podía ser de otra manera, no faltan los parajes fantásticos (entremezclados con la urbe), las criaturas mitológicas y los efectos mágicos. En este sentido, la obra que hoy comentamos tiene claroscuros en abudancia: lugares bastante bien recreados con otros que parecen totalmente de pega, efectos más conseguidos (sin llegar a la excelencia) con otros que sonrojan al espectador y criaturas... bah, en su mayoría las criaturas están fatalmente hechas, para que engañarnos xD. Destacar en este sentido tres elementos, los tres encontrables cuando nuestros protagonistas se van a Las Vegas por exigencias del guión (hilarante escena): el mismo casino en el que están, la música que suena en él (comercial y famosa para todos) y el impresionante Maserati que encuentran.

El olimpo en versión Percy Jackson: sí, no os sorprendáis, ya lo sacaban en el tráiler xD

Por último, destacar el mejor aspecto (con matices) de la película: su reparto. Sí, Logan Lerman (ya conocido de El tren de las 3 y 10, Número 23 o Gamer) es sosísimo y no consigue ser creíble en ningún momento (y eso que yo lo tenía por una joven promesa, sobretodo por las dos primeras películas que he citado). También, Alexandra Daddario (la heroína de la peli) tendrá unos ojazos y un bonito pelo, pero no tiene ni idea de actuar. Pero ahí está Brandon T. Jackson (Tropic Thunder) para animar un poco el trío protagonista y hacernos reír (lo cual se agradece). Sin embargo, lo mejor está por llegar: Pierce Brosnan, Uma Thurman, Rosario Dawson (ESPECTACULARMENTE guapa, siempre me ha gustado mucho) o Sean Bean en papeles pequeños y de poco peso, pero gusta ver actores de renombre en este tipo de roles (muy divertida, para mi gusto, Uma Thurman como Medusa).

Al final, PERCY JACKSON Y EL LADRÓN DEL RAYO no fue tan terrible como me esperaba, consiguiendo entretenerme y hacerme reír en alguna que otra ocasión, aunque no deja de ser una película de aventuras enfocada al público infantil y juvenil, con todo lo que ello conlleva. Sin embargo, hay otras muchas opciones mejores para quien quiera disfrutar de un film en las salas de cine, pero que sepáis que podréis considerarla aceptable si os veis obligados a verla o no hay otra cosa en ese momento (HVN, guiño para ti xD).

SHUTTER ISLAND: Los experimentos de Mr. Scorsese

2010-02-21T21:17:00.002+01:00

Cada uno tiene sus preferencias y, vaya la verdad por delante, yo debo admitir que Martin Scorsese es una de mis debilidades en este mundillo del cine. Por ello, no es de extrañar que esperase esta SHUTTER ISLAND con muchísima expectación desde hace algunas semanas, especialmente después de que el tráiler me dejase relativamente desubicado. Se intuía un thriller, además de un cambio sensible respecto a lo que nos tiene acostumbrados el veterano director. Llegó el viernes 19 de este mes y el film se estrenó, yendo un servidor ayer a verlo. Ciertamente, una cosa puedo decir por adelantado: se ve la mano de un Scorsese distinto al habitual, consiguiendo una película irregular, atípica a veces y otras no, pero (aún advirtiendo algunos defectos) cercana a la brillantez general. Vamos a desmenuzar un poco estas impresiones.

El largometraje nos cuenta la llegada de dos agentes federales, Teddy (interpretado por Leonardo DiCaprio) y Chuck (Mark Ruffalo), a Shutter Island, un islote perdido en medio de la nada donde se sitúa un imponente y siniestro centro psiquiátrico. En él, el doctor Cawley (Ben Kingsley) intenta ayudar a diversos pacientes aquejados de distintas enfermedades mentales, utilizando métodos poco convencionales (basados en la comprensión) para la época. Pero ahora una enferma con antecedentes homicidas se ha escapado del recinto y es el deber de los dos agentes federales encontrarla. Pronto verán que no va a ser nada fácil y que la isla parece guardar un oscuro misterio...

Y, como se suele decir, hasta ahí puedo leer. Nos encontramos ante uno de los puntos ambiguos de la cinta, sinceramente, un guión trabajado que durante su primera hora se muestra como una historia puramente policiaca para después convertirse en un thriller psicológico absorbente. Sin embargo, el problema es que, pese a tener una brillante transición en ese aspecto, la trama es previsible en sus dos vertientes y poco sorprendente, siendo fácil conjeturar como se desarrollarán las cosas.

Pese a ello, no confundamos previsibilidad con falta de tensión, porque caeríamos en un error mayúsculo: SHUTTER ISLAND es un thriller muy cuidado, trabajado al máximo, hasta el punto en que cada uno de sus momentos de tensión están sumamente logrados, aspecto en el que ayuda mucho una ambientación muy conseguida, oscura, lóguebra y deprimente y un apartado sonoro (ya no sólo a nivel musical, sino también en cuanto a efectos) que se mezcla a la perfección con la atmósfera. Con estas piezas, además de un aire a película antigua (ese granulado clásico en la imagen, por ejemplo, o la justa elección de unos pocos efectos especiales), el señor Scorsese y su tropa consiguen mantener al espectador pegado a la butaca, con los nervios y los sentidos a flor de piel, esperando al siguiente sobresalto, al siguiente estallido, a la siguiente delicia fílmica en ese sentido. Posiblemente, este sea el apartado más destacable de la obra.

Y si antes he dicho thriller psicológico (un término que define muy bien al conjunto que hoy tratamos), nos faltaría analizar la parte psicológica. Hay gente que ha comparado esta cinta del señor Scorsese con algunos trabajos de Samuel Fuller o de David Lynch. Yo quizá no llegaría a tanto (y tampoco he explorado la obra de esos dos genios tanto como para atreverme a comparar), pero sí lo situaría en una línea cercana a algunas de las producciones de David Fincher (posiblemente a las que más se parezca sea a The Game y a El club de la lucha). Esto quiere decir que la obra que hoy estamos tratando está llena de mensajes oníricos, metáforas, alucinaciones y, en menor cantidad, juegos visuales de libre interpretación. Que yo recuerde, nada de lo que ha hecho antes Scorsese se parece a SHUTTER ISLAND.

Y ahí radica su encanto. Si a este soplo de aire fresco en la carrera de este director le añadimos el habitual mimo y trabajo que dedica a sus obras y elementos que nos recuerdan a otros grandes directores, pues el cóctel, aunque quizá en algunos puntos no sea demasiado original, desde luego no es malo. A lo dicho ya se añade un buen nivel interpretativo, no esperando menos de algunos de los nombres que aparecen en su reparto. Un DiCaprio sobrio y efectivo como siempre que se encuentra con Scorsese (que creo que es el director que le ha sacado lo mejor de sí mismo), un Ben Kingsley demostrando su maestría como secundario de peso y un Mark Ruffalo que lleva un paso más allá el buen hacer que le vi en Zodiac no hace mucho. A eso, sumadle toda una ristra de secundarios a un nivel brillante en sus papeles de esquizofrénicos, paranoicos y demás pacientes del centro psiquiátrico (entre ellos, un Jackie Earle Haley que ya sorprendió en Watchmen como Rorschach).

Al final sale una película ambigua, típica en algunos sentidos, distinta en otros, con un par de interpretaciones personales (aunque ciertamente delimitada) y cuidada y muy trabajada, con una atmósfera impresionante, inmersiva y absorbente, plagada de tensión. Un tipo de cine que deleitará a algunos (está obteniendo críticas muy positivas) y que defraudará un poco a otros, aunque sin dejar indiferente a nadie. A mí, personalmente, me ha gustado bastante, pero os recomiendo decidir vosotros mismos si darle una oportunidad o no.

HISTORIAS DE SAN VALENTÍN: De amores y desamores

2010-02-14T22:18:00.003+01:00

Antes de comenzar, felicitar el día de San Valentín (aunque ya es un poco tarde) a todo aquel que no lo vea como una argucia comercial sacacuartos (que es lo que me parece a mí, y eso que me considero un romántico). A mí, aparte de un día más al lado de una persona maravillosa, me ha traído la "muerte" (ya he perdido la cuenta) de mi sobremesa. Por eso y por lo que el film del que hablaremos hoy da de sí, advierto de que esta opinión quizá sea algo más breve de lo habitual.

Y es que HISTORIAS DE SAN VALENTÍN no deja de ser una comedia romántica que aprovecha el tirón de las fechas en las que estamos (se estrenó este pasado viernes) para intentar asaltar las taquillas con éxito (cosa que no dudo que consiga, al menos en su primera semana, visto como estaba la sala ayer). Una película que difícilmente sabríamos si funcionaría en otras fechas, dado que no deja de explotar conceptos previsibles y trillados, pero al mismo tiempo se encuentra íntimamente ligada al 14 de febrero y lo que ese día significa para millones de personas.

Como película romántica coral que es (característica que abunda últimamente en el género), este largometraje nos presenta una serie de pequeñas historias en principio aisladas que, por un motivo o por otro, se acaban enlazando con la totalidad o parte del resto de tramas. Así, seguiremos a diversas parejas en diferentes franjas de edad, desde el amor primerizo en el instituto (o incluso en el colegio) hasta el amor sereno y armónico de la tercera edad, pasando por veinteañeros apasionados o treintañeros experimentados en estas lides. Por este hecho, es muy posible que la mayoría del público se pueda sentir identificado con alguno de los personajes, algo que siempre gusta en películas de este estilo.

La ventaja de esta clase de películas corales es que, al estar compuestas de pequeñas historias, el desarrollo es más dinámico y el público tiene menos lugar para el tedio, ya que tiene que prestar atención a diversos focos narrativos. Un buen ejemplo de ello es esta HISTORIAS DE SAN VALENTÍN, una cinta larga (2 horas casi exactas) que se muestra relativamente entretenida considerando su extenso metraje, aunque es cierto que cuenta con un par de puntos en los que el asunto decae. Sin embargo, las risas están aseguradas de forma casi homogénea por todo el film, habiendo algunos momentos ciertamente frescos de humor romántico (aunque no por ello es una comedia a tiempo completo, que conste).

Otra ventaja de hacer una cinta así es que puedes contar con un reparto lleno de nombres importantes, dado que cada personaje aparecerá menos tiempo en pantalla, por lo que es más fácil hacer coincidir fechas y atraer a los actores y actrices más ocupados. Buena prueba de ello es el elenco que consigue reunir esta obra (sin duda, el punto más atractivo del conjunto): tenemos jóvenes ídolos para adolescentes (y no tanto) como Taylor Lautner (Crepúsculo, Luna nueva) y Taylor Swift (joven cantante cercana al country); guapos y guapas como Jessica Alba, Ashton Kutcher, Bradley Cooper (Resacón en Las Vegas) o Patrick Dempsey; actores y actrices de corte más adulto pero asiduos a las pelis románticas o con humor como Jennifer Garner, Julia Roberts, Anne Hathaway, Queen Latifah y Jamie Foxx; gente proveniente de series como Topher Grace o Eric Dane; y, por último, veteranos de lujo como Shirley MacLaine. Como veis, una lista espectacular, por sus figurantes y por lo larga que es (y alguno me he dejado), con (a buen seguro) algún actor o actriz que os guste. Todos actúan en roles donde encajan y dan la talla, aunque quizá destaque sobre el conjunto Ashton Kutcher, con algo más de protagonismo y una credibilidad bastante alta.

Donde ya no es tan boyante HISTORIAS DE SAN VALENTÍN es en la originalidad. Con un principio y un final claramente inspirados por la italiana Manuale d'amore, una estructura que precisamente es calcada a ese tipo de cintas románticas europeas y muchos trazos de Love Actually (entre otras), acabamos con un cóctel con regusto a conocido y poco sorprendente. Puede que sea porque es difícil desmarcarse en un género tan trillado, o bien porque saben que, cuando las películas románticas entran en escena, nos gusta lo que ya conocemos.

Sea por una cosa o por otra, HISTORIAS DE SAN VALENTÍN acaba siendo un largometraje ideal para ir acompañados de nuestra pareja en estos días, entretenido (aunque un pelín largo) y con todos los ingredientes que se espera que tenga (amén de un listado de intérpretes alucinante). En su contra juegan la falta de originalidad y la ausencia de sorpresas, pero no nos debe extrañar. Y es que al final todos nos enamoramos alguna vez.

THE ROAD (LA CARRETERA): La adaptación fiel

2010-02-10T13:05:00.000+01:00

Pese a que el libro en el que se basa me dejó un tanto frío, no puedo negar que tenía unas ganas tremendas de ver la adaptación fílmica de THE ROAD (La Carretera, en nuestro país) desde que vi el primer tráiler. Tras algunos meses de espera (estaba prevista, en un principio, para estrenarse en nuestro país en noviembre del año pasado), este viernes día 5 se asomó por fin en las carteleras. Creo que, antes de empezar, lo mejor que se puede decir de esta cinta es que es casi 100% fiel a la novela original, siendo sus virtudes y sus defectos los mismos. Así, ya os aviso de que esta será una opinión breve, pero que podéis complementarla con la que hice del libro, pues esta vez sí que nos encontramos ante una película fiel al material en que se basa.

La historia es la misma que la de la novela, sin ápice alguno de cambio. En un futuro cuya fecha exacta desconocemos, el mundo empezó a cambiar: primero hubo un gran destello de luz y luego empezaron los temblores y terremotos. Como resultado, la mayoría de animales y plantas murieron, igual que el número de personas se vio drásticamente recortado. Frío intenso a más no poder, incendios por doquier, escasez de comida... son las señas de identidad de lo que ahora es el planeta Tierra. En esas condiciones, un padre (interpretado por Viggo Mortensen) y un hijo (Kodi Smit-McPhee) sobreviven como pueden, compartiendo amor y penurias y huyendo de aquello en lo que se han convertido la mayoría de personas sobrevivientes: seres más animales que humanos, carentes de piedad o compasión. ¿Conseguirán llegar a la costa y al sur, donde dicen que todo está mejor?

He cambiado la sinopsis para no ser repetitivo, pero es la misma historia, prácticamente punto por punto (sólo encontré un par de pequeñísimas variaciones), que presentaba la novela original. Un mundo apocalíptico no es una idea nueva, la verdad, pero la trama inicial se presenta relativamente interesante, al tiempo que se ve envuelta en el mejor aspecto de este film: su ambientación. La verdad, la esperaba ligeramente más oscura, pero es innegable que hace justicia a las pocas descripciones que aparecían en el texto. Sin abusar de efectos especiales, lo presenta todo de forma muy creíble y lóbrega, siendo lo que posiblemente más llame la atención a muchos en este largometraje. Absolutamente adecuada y sencillamente maravillosa. Un punto a favor.

Otro aspecto muy positivo de este conjunto es el elenco elegido. Aparecen poquísimos actores pero, aún así, encontramos a cuatro consagrados como Viggo Mortensen, Charlize Theron, Guy Pearce y Robert Duvall. Casi todo el tiempo asistiremos a la actuación de Mortensen y el chico, Kodi Smit-McPhee (en su segunda aparición en la gran pantalla), ambos a un nivel excelso, totalmente verídicos en unos roles que no eran sencillos de encarnar (atentos además a la caracterización física, que lo suyo debe haber costado). De Viggo ya no me sorprende este nivel, pero hay que admitir que el niño ha sido una sorpresa. Para los papeles secundarios (casi ínfimos en comparación al peso que tienen los dos protagonistas) han tenido el acierto de coger gente sobria y eficaz, destacando quizá Robert Duvall en otro de los papeles más complicados. Otro punto más.

Donde empieza a flojear el conjunto es en lo que podríamos llamar el ritmo de la obra, un aspecto que siempre me gusta tratar. Como en el libro, THE ROAD cuenta con un tempo roto, quebrado, con un par de picos de clímax pero muchísimas escenas tranquilas y en las que parece que no pasa gran cosa. Ahí radica el problema de ser tan fiel a la novela original y un arma de doble filo: aquella ya se prestaba a ser una adaptación fílmica interesante, pero obviamente contaba con muchos pasajes de poca acción y trascendencia. Por lo tanto, sus dos horas de duración se pueden hacer largas si uno espera demasiado movimiento: no es una obra peliculera, trata de ser realista y cruda.

Y hablando de crudeza, al final ha sido menor de la que me esperaba. Personalmente, pienso que un poco más de contundencia (la que sí se desprendía del libro) no le hubiera ido mal a esta película, teniendo en cuenta lo que ya hemos comentado de que cuenta con muchas escenas "vacías". Pero no sólo en la crudeza le falta un poco de "alma" a este largometraje: es cierto que evoca sentimientos (la voz en off del padre deja unas frases bonitas e inflexivas a más no poder), pero se queda lejos de lo que suponía la novela en este sentido. Supongo que, aún siendo fiel, no se pudo llegar al nivel de lirismo y sentimiento que Cormac McCarthy puso en la obra original.

Al final, tenemos una adaptación muy fiel al texto, pero precisamente por ese hecho arrastra una serie de características negativas a la hora de transportar una historia al cine. Cuenta con puntos positivos, por supuesto, pero al final me ha dejado la misma sensación que el libro: agridulce. En vuestras manos queda el darle una oportunidad o dejarla pasar.

Esas pequeñas cosas... Hoy, una negativa

2010-02-05T15:05:00.000+01:00

La verdad es que cuando "inventé" esta sección, sólo pensaba ir escribiendo de vez en cuando, sin regularidad ninguna, pequeñas cosas positivas, de esas que nos sacan una sonrisa y nos alegran un poco el día. Tras un cabreo que tuve ayer, he decidido también usarla para desahogarme un poco de esas "pequeñas" cosas negativas. Ya veis lo bipolar que puedo llegar a ser ^^'. Pero vamos allá con la situación que propició ese enfado (aunque también es cierto que ya, a estas alturas, me lo tomo con cierto humor).

Nuestro nombre y nuestros apellidos (o nuestro, dependiendo del país) nos identifican. Te pueden gustar más o menos, habiendo gente que se siente orgullosa de ellos y otros que sienten vergüenza de llevarlos, pero nos identifican ante los demás, nos dan una entidad única, nos distinguen de los otros. Es un legado que nuestros padres (u otros seres queridos cercanos) nos han dejado impuesto (aunque luego se pueda cambiar xD), una decisión personal que tomaron acorde a sus gustos. Conllevando esas cosas (y otras)... ¿no os enfada que os cambien el nombre o el apellido?

A mí sí, pero es que mi situación siempre ha sido complicada y no sé por qué. Mario Valera, mi nombre y mi primer apellido. ¿Os parecen complicados? Posiblemente no, pero os aseguro que para mucha gente son imposibles de pronunciar correctamente o de escribir. Mario, un nombre quizá no tan común como Antonio, Juan o David, pero bastante sencillito. Valera, un apellido fácil que ha tenido la desgracia de parecerse a Valero y Varela.

Y es que llevan cambiándome el apellido desde tiempos inmemoriales, por los otros dos apellidos justo arriba citados. Ya no sé si pensar que es porque hay gente que se confunde mucho leyendo o porque ya se pasa de todo. Pero el caso es que yo acabo teniendo tres apellidos, dependiendo de la persona que se dirija a mí xD. Hablé en una ocasión con un Valera que conocí (no era de la familia) y le pasaba lo mismo día sí y día también. Por favor, que me pongan el triapellido en el DNI xD.

Lo del apellido aún tiene un pase, vale. Es una letra por otra o una que cambia de sitio, puede pasar, ni yo ni nadie es perfecto. Lo del nombre ya me toca mucho las narices xD. Esto es ridículo pero ¿os imagináis la cantidad de veces que mi nombre ha sido sustituido por María en documentos escritos? Os puedo decir que han sido más de las deseables ^^'.

Cuando era pequeño, en los billetes de avión (solíamos viajar un mínimo de 2 veces al año) siempre me ponían María en lugar de Mario, siendo ya no sólo mi nombre, sino también mi sexo tergiversado. Eso supone un trauma para un niño, os lo digo yo xD. Ya aún hoy, con mi voz de hombre, algunas reservas en restaurantes las siguen poniendo a nombre de una tal María. No os imagináis lo embarazoso que es llegar al restaurante y tener un lío con el metre por culpa de quien se ha equivocado apuntando un nombre que suelo decir dos veces, con voz masculina y viril (xDDD). Un desastre.

Pero esta entrada viene a cuento del error de ayer. En un diploma que me expidieron por un curso que hice han puesto el nombre de Marcos junto a mis apellidos. No es la primera vez que me pasa tampoco, y eso ya me preocupa, porque no es una letra que cambia de sitio o se cambia por otra, ya es un nombre más distinto. A este paso, no os extrañe que me acabe llamando Miguel o Mateo, ya todo es posible.

En fin, que me lo tomo con humor pero, en el fondo, molesta. Creo que como me siga pasando voy a preguntar el nombre a quien haga el agravio y le cambiaré también el suyo xD. Recordad, puede parecer una tontería, pero nuestro nombre y nuestros apellidos nos identifican. Yo no conozco a ningún Marcos Valera ni a ninguna María Valera.

Recetas de cocina: Libritos de lomo

2010-02-02T13:30:00.000+01:00

Bueno, pues en el día de hoy me toca añadir una nueva receta para nuestro particular recetario. Sinceramente, si me paro a pensarlo, me sorprende un poco que estas entradas sobre cocina suelan tener un éxito relativamente alto (para los estándares del blog xD) en un sitio principalmente dedicado al cine. No os podéis imaginar lo que me alegra que me digáis que vais a probar de cocinar uno de estos platos o vuestras impresiones si lo habéis hecho ^^. En el día de hoy, como es habitual, os traigo una de esas recetas buenas y sencillas.

Libritos de lomo

Ayer mismo dudaba de si publicar esta receta o no, y el motivo de esa duda es su sencillez (no quiero tomaros por tontos poniendo recetas demasiado fáciles). Sin embargo, como me dijo Cris, ver las instrucciones publicadas en el blog puede daros alguna idea para una comida o cena en la que no sabéis que hacer y, además, si publiqué las recetas para la tortilla de patatas, la pasta a la boloñesa o el lomo a la sal (platos sencillos de hacer), por qué no iba a subir la que hoy nos ocupa.

En este caso, estamos hablando de la versión casera y reducida (en tamaño) del famoso Cordon (o gordon, según cada uno xD) blue, es decir, carne rebozada rellena de jamón york y queso. Desde mi punto de vista, una cena (o comida, según gustos) exquisita, que se puede acompañar tanto de ensalada como de patatas fritas, así como de arroz hervido si nos animamos a preparar también una salsa a la pimienta o roquefort. Muy sencillita de hacer, bastante rápida si sois dos en la cocina y, como con todas las que traigo, relativamente barata.

Ingredientes (para 4 personas):

-8 libritos de lomo de cerdo (es decir, filetes "abiertos" como si fueran un libro, en cualquier carnicería os los cortan así o, incluso, los podéis encontrar ya en bandejas)
-4 lonchas de jamón york
-8 lonchas de queso (para sándwich)
-Pan rallado
-Uno o dos huevos (para el rebozado)
-Sal
-Pimienta (opcional)

Imprescindible también contar con 16 palillos

Para empezar, preparamos los libritos abiertos sobre una bandeja o plato grande que nos permita manejarlos con espacio. El proceso para rellenar cada librito es el que sigue. Primero, cortamos las 4 lonchas de jamón york por la mitad. Cada mitad (8 en total) irá en un librito, poniendo la media loncha sobre una de las partes del libro abierto, con cuidado de que no sobresalga mucho. A continuación, doblamos una loncha de queso por la mitad y la ponemos encima del jamón york, que estará sobre el librito. Cerramos la otra cara del libro sobre la que tiene el relleno y, con cuidado de que no sobresalga lo de dentro, lo "sellamos" con dos palillos por la parte que queda abierta (atravesando cada palillo de forma que coja las dos partes de la carne). Sé que quizá es un poco complicado de explicar (una lástima no haber hecho fotos anoche sobre el proceso), pero seguro que le cogéis el truco enseguida.

Mientras tanto, si sois dos, se bate un huevo (o dos, si fuera necesario) y se le echa un puñadito de sal y, si queréis, pimienta. Se pone también en otro plato o bandeja pan rallado y ya se puede proceder a rebozar: primero mojamos bien el librito en el huevo y, después, lo rebozamos (al gusto, más o menos, según cada las preferencias personales) en el pan rallado. Así con cada uno de los libritos.

Una vez hecho esto, ponemos en una sartén cerca de un dedo de aceite (pensar que tiene que cubrir más o menos medio librito) y calentamos a fuego alto. Cuando el aceite esté bien caliente, freímos los libritos, primero por una cara y luego por la otra, hasta que los dejemos tan doraditos como deseemos. Tened cuidado de no sacarlos muy pronto, porque entonces el lomo podría no estar muy bien hecho. Lo que es muy probable que pase es que algo del queso se funda y se salga del librito. Tranquilos, yo nunca he conseguido que no me pase, por mucho que me empeñe en cerrarlos bien con los palillos xD.

Y hasta aquí las instrucciones que, como veis, no son complicadas (aunque ayuda gráfica hubiera venido muy bien). Por supuesto, avisadme en los comentarios si usáis otros rellenos y contadme que le soléis poner de guarnición ;). ¡Buen provecho!

UP IN THE AIR: El placer de volar

2010-01-28T13:07:00.000+01:00

Sin hacerme excesivas expectativas, pero debo admitir que llevaba meses esperando el estreno en nuestro país de UP IN THE AIR. Y es que, para querer verla, me bastó con saber que la dirigía Jason Reitman (quien ya me hizo disfrutar con Gracias por fumar y, en menor medida, con Juno), joven cineasta canadiense con un prometedor futuro por delante, si nos ceñimos a lo que nos ha enseñado hasta ahora. Justo unas semanas antes del estreno de la cinta, he ido leyendo que se ha hecho con varios premios, lo que me hizo presentarme ayer a la sala con una cierta precaución: ¿película sobrevalorada o justa merecedora?

Os sacaré pronto de la duda: justa merecedora. Pero empecemos por el principio, y ese principio nos lleva directamente a la historia que el film pone en liza. Acompañaremos a Ryan (interpretado por un buen George Clooney), de profesión "despide-gente". En efecto, nuestro protagonista se dedica a viajar por los Estados Unidos despidiendo a personas de sus trabajos. Auto-marginado de la sociedad (incluyendo a su familia), disfruta viajando, viviendo una vida de hoteles, libertad, lugares... hasta que una joven incorporación (Anna Kendrick) a la empresa para la que trabaja propondrá un sistema por videoconferencia para ahorrar gastos de viajes y dietas. A partir de entonces, Ryan asistirá al fin de su estilo de vida y de la coraza que lo cubre. ¿Aceptará los cambios?

Puede parecer un argumento sencillito, pero nos presenta una figura que, al menos a mí, me parece bastante interesante: la del eterno viajante, el solitario, el que no tiene vínculos con los demás. Por aquí, sin convertirse en una cinta en exceso compleja (aunque no por ello carente de cierta profundidad), se mueve el film, añadiendo unas ciertas dosis de enseñanza. Realmente te hace identificarte con la figura de Ryan, pues creo que la mayoría habremos pasado por algún momento de deseada soledad, de estimada autonomía propia.

¿Cuál es el objetivo de quien vive mayoritariamente solo, ocupándose de sí mismo? ¿Puede conseguir una vida disfrutable sin la compañía de personas cercanas? ¿Basta con vivir el día a día? Esas y otras preguntas nos pueden asaltar mientras seguimos el particular desmoronamiento del estilo de vida de Ryan, dicho sea de paso, interpretado de manera notable por el carismático George Clooney, que nos deleita fácilmente con su galería de gestos y miradas (tiene un par de momentos impagables xD).

A su vez, la película trata, no sustancialmente pero sí pretendidamente, un problema social de mucha actualidad: la pérdida del trabajo. No sorprende, por ser costumbre en las cintas de Reitman el tratar alguna problemática de actualidad (el tabaco y el poder de las multinacionales en Gracias por fumar, el embarazo adolescente en Juno), pero resulta más que apropiado en el momento en que vivimos. Ya digo que lo trata de forma ciertamente pasajera y con cierta acidez, pero es otra de las piezas que dispone en el tablero fílmico.

Y siendo una cinta de Reitman, no podía faltar ese sabor agridulce. La parte agria viene por la problemática ya citada en el párrafo anterior; la dulce, por los muchos momentos y situaciones en que nos conseguirá sacar una sonrisa o una carcajada, consiguiendo una película bastante divertida y amena, con unos diálogos cercanos a lo sobresaliente (aspecto que quizá se deba también a la novela original, obra de Walter Kirn). Si acaso, en esta mezcla entre comedia y drama, se nota un cierto desequilibrio, ya que la parte humorística encaja muy bien pero a la parte dramática le falta cierta contundencia.

Por lo demás, una música ligera pero acertada, una fotografía correcta y diversidad de paisajes y lugares para disfrute del viajero, añadido a dos secundarias de lujo. Vera Farmiga como la contrapartida femenina de Ryan y Anna Kendrick como la joven e inocente (de la vida) ayudante, ambas bordan sus papeles y nos hacen sentir que el largometraje no valdría ni la mitad sin ellas. El resto de secundarios, con menos presencia, consiguen actuaciones aceptables, con presencia de viejos conocidos del director (Jason Bateman o J. K. Simmons) o papeles breves pero reconocibles (como el veterano Sam Elliott o Zach Galifianakis).

En resumen, nos encontramos ante una película que, sin suponer un drama, introduce una problemática actual, una figura central interesante y resulta divertida y entretenida, con un humor muy apreciable. Buenos actores y un guión sin complicaciones pero ameno acaban de formar la mejor cinta que he visto estrenarse en lo que va de año (a falta de comprobar La cinta blanca) y la obra más redonda de este director (para mi gusto). Bastante recomendable.

Mis lecturas: 1984 (de George Orwell)

2010-01-22T18:07:00.001+01:00

Aunque no haya publicado más reseñas, en estos últimos 2 o 3 meses habré leído cerca de media docena de libros, de distinta índole y condición, pero todos ellos con algo en común: eran obras que llevaba tiempo queriendo leer, de esas que me parecía obligado disfrutar algún día. Sin duda, de todas ellas, 1984 es la que más me ha impresionado y, en consecuencia, la que más me ha gustado. Una novela que debería estar entre las lecturas obligatorias de los institutos (y no muchas de las medianías que están), un libro que alguna vez en la vida hay que abrir y leer.

Mi primer "contacto" (aunque de manera inconsciente) con esta obra fue hace ya bastantes años, cuando posiblemente tendría la mitad de edad que ahora. En nuestro viaje de camino al colegio, mi padre y yo pasábamos por un polígono industrial. Pues bien, en dicho polígono, en una pared de una de sus naves, estaba pintada la siguiente afirmación: "Orwell tenía razón, 1984 es realidad". Por supuesto, yo no entendí esta oración hasta que más tarde, alguno de mis profesores (de Lengua y literatura o de Filosofía, no lo recuerdo) me habló de George Orwell y, por mi cuenta, indagué sobre su obra.

Puede que sonase un tanto exagerada la proclama del grafitero anónimo, pero es evidente la similitud de nuestra sociedad actual (y es de esperar que también la futura) con el grueso de ideas que se muestran en la novela de Orwell. De cosas como esta hablaremos en esta reseña. Sin embargo, antes, me gustaría agradecer a Okubo de El Lagarto Hipotético el empujón que me dio para leerla gracias a esta entrada. Después de tantos años, si al final me animé a echarle un vistazo fue por su artículo. Pedirle perdón también a él por anticipado (y a vosotros, lectores) por las similitudes que mi reseña pueda tener con la suya. Al fin y al cabo, veo que la obra nos ha causado las mismas impresiones ^^.

El autor

Lo he citado varias veces en lo que va de reseña, pero puede que muchos de vosotros no estéis familiarizados con su nombre. Eric Arthur Blair es el nombre real de George Orwell (que no es más que un seudónimo), escritor, periodista y, porqué no decirlo, hombre comprometido con sus ideales. Nació en la India británica en 1903, y se conoce que fue un estudiante prodigio tanto de niño como de joven. Sin embargo, la precaria situación económica de su familia le impidió seguir los estudios en la universidad, lo que le llevó a pasar por un sinfín de trabajos, además de por experiencias difíciles como la indigencia. Afín a la izquierda (en términos políticos), Orwell era un hombre comprometido por la causa, llegando a participar en la Guerra Civil Española en el bando republicano (hecho que destaco quizá por ser la circunstancia que puedan tener más presente los lectores), escribiendo después Homenaje a Cataluña.

Periodista y ensayista para empresas como la famosa BBC, Orwell es más conocido por su labor como escritor, especialmente por sus dos últimos libros: Rebelión en la granja (1945, novela corta que un servidor ha podido disfrutar) y 1984 (editada en 1949 y que recibe el título de alterar las dos últimas cifras del año 1948, cuando Orwell la terminó de escribir). En ellas, como es habitual en su obra, critica a los totalitarismos políticos, con especial presencia en ocasiones del comunismo soviético extremo perpetrado por Stalin. Esta crítica (o sátira, depende) le valió muchas complicaciones a la hora de publicar sus obras. Como dato final, destacar que murió joven, en 1950, aquejado de una tuberculosis de la que renqueaba desde su juventud como indigente en París y Londres.

Antes de pasar a hablar del libro, me gustaría resaltar un último hecho: fijaos en la importancia de la obra de Orwell, hasta tal punto de que se utiliza el adjetivo orwelliano/a para referirse a situaciones, hechos o entes que se asemejan a lo visto en sus novelas. Esto no suele pasar muchas veces (con ejemplos como dantesco/a o kafkiano/a).

La obra

La novela se desarrolla en un hipotético y futuro 1984 (recordemos en que fecha se publicó), aunque ninguno de los personajes pueda afirmar que ese sea el año en el que se encuentran. El mundo se encuentra dividido en tres grandes potencias en constante pugna unas con otras, aunque todas con un sistema de gobierno totalitario: Oceanía y su IngSoc (deformación del Socialismo Inglés), Eurasia y su neobolchevismo y Asia oriental y su "adoración de la muerte" o "ausencia del yo". En Oceanía, concretamente en Londres (lugar donde se desarrolla la acción), Winston Smith, nuestro protagonista, vive acosado por las telepantallas (que registran casi todo lo que hacen los ciudadanos), los micrófonos, el Partido Único y el Gran Hermano, ente y representación de los valores del partido.

En esta sociedad donde no se puede hacer nada sin temor a ser descubierto, donde no se puede pensar distinto a lo que se inculca, Winston trabaja en el Ministerio de la Verdad (uno de los cuatro ministerios de nombre hipócrita que pueblan Londres), lugar donde se destruyen documentos no convenientes para el Partido y donde se reescriben noticias, hechos y textos para adaptarlos a las ideas y predicciones del Gran Hermano. Pero Winston ha alcanzado a odiar el Partido y al Gran Hermano. Cansado de tanta opresión y la ausencia de libertad, comenzará a escribir un diario personal, para más tarde iniciar una relación amorosa con otra miembro del Partido. ¿Hacia dónde le llevarán estas decisiones, estos actos de rebeldía?

La verdad es que es difícil hablar de la trama de 1984 sin decir más de la cuenta, a la vez que es complicado tratar las ideas inherentes a la obra sin destripar el argumento. Por esto, ruego que me perdonéis si soy poco preciso o demasiado aclarador, pero es que esta obra tiene tal magnitud ideológica que no se puede hablar de ella a la ligera. En gran medida, en ese hecho reside parte de su atractivo.

Y es que, más importante que la historia de Winston Smith, son las circunstancias que la rodean, la sociedad en la que sucede, el universo terriblemente oscuro que nos presenta. En estas circunstancias, esta sociedad, este universo, Orwell vacía toda su crítica (y sátira) a los regímenes totalitarios, a la vez que expresa su temor a que, en un futuro, ocurran cosas tan horribles como la manipulación del pensamiento, el control de los medios de masas, la unidad absoluta intelectual y política, etc. Y no es por ser pesimista, pero ya vemos que la pintada no iba tan desencaminada: ¿acaso en 2010 nuestra sociedad, nuestra forma de vivir, no guarda similitudes con lo escrito hace 60 años por Orwell?

Esta y otras preguntas y digresiones filosóficas son las que nos pueden asaltar durante y después de leer 1984, desde luego una obra que hace a uno reflexionar y espabilarse, que falta nos hace en este mundo. Podría poner decenas de ejemplos, pero tampoco quiero chafaros la historia del libro y el disfrute que podáis obtener de ella. Sin embargo, especial mención haré al idioma que quieren implementar en la sociedad distópica (por eso de que es utópica pero no deseable) de la novela: la neolengua, una deformación del inglés, eliminando palabras a montones para, mediante la reducción del vocabulario, limitar el pensamiento.

Pero no penséis que 1984 se limita a ofrecer una crítica feroz envuelta en una ambientación lograda y atractiva (aún en su oscuridad). Presenta secuencias realmente impactantes, momentos en los que nos tendrá con el corazón en un puño y escenas cotidianas (para la sociedad de la obra) deliciosamente narradas. Frases (como ya pasó con Rebelión en la granja) que son como una patada llena de sinceridad. Crudeza, pero bien manejada. No es raro soltar alguna sonrisa o carcajada amargas mientras se lee este libro.

Dividida en tres partes, que a su vez constan de varios capítulos de longitud variable, 1984 supone una lectura absorbente, de esas que hacen que leamos a marchas forzadas, ansiosos por saber qué pasará con los personajes y, porqué no decirlo, por conocer nuevos horrores a cargo del Partido Único. Estilísticamente, no se pueden poner pegas: Orwell (al menos lo que yo le he leído) era claro y contaba con la suficiente habilidad como para que leerle no sea menos que una delicia. Destacar en este punto lo atractivo de la forma empleada, introduciéndonos en una especie de pensamiento-monólogo centrado en la figura de Winston, pero que es muy rico al hacernos saber de toda su realidad y lo que le rodea. Magnífico.

Y por hoy, me parece que ya está bien, porque todo el tiempo que leáis esta reseña no estaréis leyendo el libro que la ocupa. Recomiendo también pegarle un vistazo a la entrada que escribió Okubo en su día, para completar la impresión sobre 1984, mucho más completa y autorizada que la mía. Por mi parte, afirmar que la novela que hoy hemos tratado es una obra maestra, una de esas lecturas que, además de entretener, nos hacen ir más allá. Un libro maduro y sencillo, a la par que sincero y auténtico, de esos que no se olvidan tras disfrutarlos. No hagáis como yo (que han pasado años desde que conocí su existencia): si os ha llamado la atención esta reseña o la de Okubo, no lo dudéis y haceros con la novela. La disfrutaréis, palabra.

P.D.: Lamento un poco el desorden o la inexactitud en esta reseña, pero no es fácil hablar como es debido de esta obra.

SHERLOCK HOLMES: Un Ritchie descafeinado

2010-01-16T16:40:00.000+01:00

Pues sí, mis queridos lectores: ayer me fui de estreno (nocturno, para más señas) para comprobar de primera mano si las críticas positivas que había leído sobre SHERLOCK HOLMES eran acertadas. Antes de nada, decir que me refiero a la película que se estrenó ayer mismo en las salas de cine españolas, inspirada por los famosos personajes de Sir Arthur Conan Doyle, aunque más bien basada en una línea de cómics más o menos reciente sobre ellos. Por este motivo, puede que los más incondicionales de las novelas originales encuentren bastantes licencias en el film.

Si os digo la verdad, yo no soy uno de esos incondicionales. Nunca he leído (error que quizá deba subsanarse) nada del señor Doyle y conozco a los personajes como iconos, pero no por haber compartido tiempo de entretenimiento con ellos. Por ello, además del atractivo que me suponía ver a personajes tan carismáticos y populares en la gran pantalla, mi mayor interés por el largometraje residía en su director: Guy Ritchie. Me declaro (y últimamente van...) admirador profundo del trabajo del cineasta británico, capaz de deleitarme como pocos con obras como Snatch, cerdos y diamantes o Rocknrolla. Por eso, puede que mi enfoque sea un tanto limitado, así que ruego que me perdonéis.

Pero empecemos hablando de la película en sí misma y dejemos a Ritchie para más adelante (en todo caso, el título debiera daros una idea de lo que me ha parecido en esta ocasión). El film nos presenta al conocidísimo detective Sherlock Holmes (interpretado en la cinta que nos ocupa por Robert Downey Jr.), acompañado de su inseparable amigo, el doctor Watson (Jude Law), en la resolución de unos crímenes que mezclan ritos sectarios con magia negra. Cuando logran detener al culpable, Lord Blackwood (Mark Strong), éste es ejecutado, no sin antes advertir a Holmes del mal superior que en breve se cernirá sobre el mundo. Poco después, un testigo afirmará haber visto salir a Blackwood de su tumba, resucitado, con lo que empezará el juego para nuestros dos protagonistas.

Ahí tenemos, pues, el misterio que nuestros héroes deberán resolver por el bien no sólo de Inglaterra, sino por el de todo el mundo. Es cierto que hay momentos de investigación y pesquisas, pero no os esperéis una cinta de demasiado suspense: aún manteniendo sus dotes deductivas, Sherlock vivirá más peleas y momentos trepidantes que indagaciones. Desde luego, no resulta un mal enfoque si lo que se pretende es obtener una película palomitera y entretenida, accesible para cualquier clase de público.

Y, francamente, consigue su objetivo, no de forma brillante, pero sí holgadamente: durante las dos horas (casi justas) que dura el metraje, asistiremos a enfrentamientos, persecuciones, huidas, explosiones, averiguaciones y momentos de humor, en un equilibrio bastante bien logrado. No es el culmen de la diversión, pero entretiene bien gracias a un ritmo pausado cuando debe serlo y más acelerado cuando hay que dar más. Quizá por esto, por tender a ser un blockbuster, su guión resulta bastante predecible y ciertamente insulso.

En ese punto es donde debería haber entrado Ritchie, poniendo su sello personal y elevando el listón de diálogos y trama un poco más. A priori, la mezcla entre Sherlock Holmes y el director británico prometía algo explosivo: al final se ha quedado en un cóctel descafeinado, una cinta que podría haber hecho cualquier cineasta experimentado en trabajos palomiteros y ya está. Puede que las presiones por parte de la Warner le hayan podido al bueno de Guy. Lo cierto es que a veces se percibe su mano, pero menos de lo que se debiera. Triunfará en taquilla, pero no satisfará como toca a los fans de Ritchie (como es mi caso).

Donde sí muestra su mejor cara el film es en los apartados productivos. Cuenta con una ambientación genial, donde se representa un Londres del siglo XIX oscuro cuando debe serlo y más luciente cuando es necesario. A quien le guste la época victoriana, disfrutará en este sentido. Además, la música (compuesta por Hans Zimmer) cuenta con un par de composiciones notables, de esas pegadizas que acompañan bien a la acción. El vestuario más que correcto, la fotografía acertada y los actores a buen nivel, aunque sus papeles tampoco sean de una exigencia dramática elevada. Destacar en este sentido a Jude Law como un Watson que en bastantes ocasiones se merienda a Sherlock (desde el punto de vista interpretativo). Alerta también a los gestos y caras de Robert Downey Jr.

En resumen, lo que he dicho antes: un blockbuster palomitero, con presencia de acción y humor, un film que funcionará de manera positiva en taquilla y que, seguramente, satisfará al público medio y tendrá una secuela. Sin embargo, creo que tanto los fans de Sherlock (el de Doyle) como los de Ritchie, se verán ligeramente defraudados. Recomendable, pero sabiendo y aceptando lo que ofrece.

TODOS ESTÁN BIEN: O a lo mejor no tanto

2010-01-12T14:50:00.000+01:00

Seguro que lo dije hace no mucho en la crítica de Algo pasa en Hollywood, pero no me importa repetirlo: para mí, Robert De Niro es uno de esos actores "eficacia probada" (como los productos de limpieza), pues no hay película en la que aparezca él a la que eche un ojo y me decepcione. Admito, como no, que sus mejores tiempos (Taxi Driver, Toro salvaje y toda su colección de films mafiosos xD) ya pasaron, pero es evidente el esfuerzo que ha hecho por reformarse, por alcanzar la polivalencia para no pasar al olvido y seguir al pie del cañón.

Con esa admiración que siento por su trabajo, es inevitable que, a cada cinta suya que estrenan, yo vaya al cine para verla. En esta ocasión, con un poquito de retraso (se estrenó el primero de mes), fui a deleitarme con TODOS ESTÁN BIEN, largometraje de cuya existencia me enteré hará unas pocas semanas, precisamente cuando fui a ver Algo pasa en Hollywood, en forma de un tráiler que poco me indicó sobre la naturaleza del film.

Pudiéramos pensar que es una comedia, pero no creo que TODOS ESTÁN BIEN tenga cabida en ese género. Es verdad que cuenta con un puñado de momentos que nos harán soltar alguna carcajada (normalmente por los gestos o frases de Frank, el personaje que interpreta De Niro), pero esta obra encaja mucho mejor en el perfil de "un drama ligero", de esos en los que se nota el sentimiento y las emociones pero sin llegar a ser tan duro como para entristecer al espectador. No es que le falte nobleza, sino que pretende ser así.

Argumentalmente, no es una auténtica maravilla, pero sabe obtener el equilibrio suficiente entre una cierta previsibilidad y la sorpresa. Se nos cuenta la historia de Frank Goode (caracterizado, como he dicho antes, por Robert De Niro), antiguo operador de cable telefónico, ahora jubilado y que recientemente se ha quedado viudo. Aburrido por la soledad y la monotonía, su máximo afán es juntar a sus hijos para comer, pero éstos siempre le dan alguna excusa para esquivar la invitación. Cansado de la situación, Frank decide coger las riendas y visitar a cada uno de ellos, recorriendo para ello medio país.

Es inevitable verle un cierto parecido con el propósito habitual de las road movies, pero tan solo es una ligera traza que le otorga un punto de frescura. Lo principal será ver como Frank interactúa con unos hijos que le guardan las distancias (y que no están tan bien como cabría pensar por el título) y le engañan, mientras vamos descubriendo retazos de su pasado. En este aspecto, TODOS ESTÁN BIEN guarda una cierta intención de denuncia social (con muchos matices), haciendo visible la situación de muchas personas mayores en Estados Unidos (y en tantos otros países), olvidados por y alejados de sus hijos, viviendo vidas solitarias y tristes. Quizá por aquí sea por donde más consigue tocar la fibra.

A niveles productivos, se reviste de una sencillez (no confundir con simplicidad) agradable y relajada, con una música nada resultona pero acertada y algunos momentos en los que la fotografía se haya a muy buen nivel. Uno de sus atractivos consiste en contar con un elenco con mucho potencial (la guapísima Kate Beckinsale, Sam Rockwell y la simpática Drew Barrymore), aunque es una lástima que los cuatro (contando también a Robert) no compartan más escenas juntos. Sin embargo, cada uno por su lado, consiguen un buen resultado en sus roles.

Al final, TODOS ESTÁN BIEN me ha dejado una sensación bastante positiva, similar a la que me causó Buscando a Eric, con la que guarda algunas similitudes en lo referente a su sencillez y al trato de la situación social. Puede que no llegue al notable nivel del film citado, pero no hay duda de que TODOS ESTÁN BIEN supone una buena opción para quien quiera disfrutar de una cinta sin artificios pero interesante y amena. Y para los fans de De Niro, claro está ;).

LOVE HAPPENS: A medias

2010-01-08T17:17:00.001+01:00

A estas alturas, no creo que nadie se sorprenda en exceso si afirmamos que el cine de género romántico (ya sea con un toque de comedia o sin él) está bastante estancado en unas fórmulas reiterativas, salvo alguna honrosa excepción que sale de vez en cuando. Quizá esté demasiado trillado como para que salgan ideas nuevas y aprovechables o quizá sea mucho más rentable volver una y otra vez a los mismos arquetipos. En esa tesitura, de vez en cuando alguna película romántica europea nos sorprende con algo fresco, original (véase ejemplos como las dos partes de Manuale d'amore o Ex).

El caso que hoy nos ocupa, LOVE HAPPENS, intenta (no sé si a propósito o no) beber de ese estilo europeo, pero lo cierto es que tampoco se separa de las fórmulas mil veces vistas, con lo que se acaba quedando en tierra de nadie. Una lástima, porque cuenta con un inicio prometedor y un par de buenas ideas, pero veamos por qué se va diluyendo este film.

Para empezar, LOVE HAPPENS nos pretende contar una historia habitual en el género, pero un tanto inspirada para que no nos parezca más de lo mismo. Burke (interpretado por Aaron Eckhart) perdió a su mujer en un accidente de coches hace tres años y decidió escribir un libro para intentar ayudar a la gente a superar las pérdidas de sus seres queridos. Ahora goza de cierto éxito y dirige una serie de seminarios para llevar a la práctica lo que cuenta en el papel. Sin embargo, se ha centrado tanto en ese aspecto, que ha dejado de lado cosas como la familia, las amistades o, porqué no, el amor. En esas circunstancias, decidirá probar suerte con una florista, Eloise (Jennifer Aniston), cuya particular actitud lo tiene intrigado.

Como veis, no es el colmo de la originalidad, pero cuenta con el acierto de presentárnosla de una forma distinta, distribuyendo la trama en capítulos (heredado del estilo europeo actual) y metiendo un par de toques a lo Amelie, que hacen prometer una película romántica interesante. Sin embargo, que nadie la compare con la excelente cinta francesa: ese par de pinceladas que he citado no se acaban de desarrollar como es debido, mientras que lo de los capítulos dura bien poco, dando la sensación de ser un quiero y no puedo.

Otro punto por donde podría resultar un film interesante reside en el hecho de que al principio se enfoca el trabajo de Burke en sus seminarios, con lo que podemos ver varios métodos de ayuda a superar pérdidas dolorosas. Lo cierto es que también se podría haber explotado más esta idea, pues sin llegar a ser totalmente creíble, sí es un aspecto que se empieza a tratar de manera interesante. Como todo en esta cinta, es otro elemento que se acaba quedando a medias y se diluye en otro problema de mayor calado.

Y ese punto negativo no es otro que el ritmo que se ha aplicado a la cinta. Realmente tranquila en sus inicios (lo que no es tampoco malo), explota en un nudo poco hilvanado y acaba con un final demasiado precipitado. Sinceramente, da la sensación de que, con unos 20 minutos más de metraje (dura poco más de hora y media), se podría haber solucionado este aspecto, entramando todo de forma más coherente y sin llegar a aburrir. A esa precipitación se suma la poca fuerza y valor emocional de las escenas clave, con lo que el largometraje acaba quedando vacío, vano.

Como no podía ser de otra manera, siendo una película romántica americana debía contar con una pareja protagonista de cierto calado. En esta ocasión, como ya he dicho antes, Aaron Eckhart y Jennifer Aniston encarnan a los dos personajes principales. Lo que en un principio parece una pareja atractiva, acaba demostrando muy poca química en pantalla, pese a que ninguno de los dos actúa mal. Otra declaración de intenciones en otro aspecto que se queda en poca cosa.

Al final, no se puede decir que LOVE HAPPENS sea una mala obra pero, desde luego, tampoco es buena. Como en cada uno de sus apartados individuales, se queda a medio camino, mostrando buenas ideas y propósitos pero no sabiéndolos llevar a cabo como es debido. Mejor optar por el alquiler de una de las películas citadas en este artículo, la verdad ;).

SOLOMON KANE: Experimento fallido

2010-01-06T17:36:00.001+01:00

Arrastrado por su madre, un servidor acudió ayer al cine para ver, in situ, SOLOMON KANE, film que se estrenó el primero de este mes. Con un tráiler que no prometía demasiado (aunque tampoco auguraba un largometraje mediocre), esperaba que el personaje nacido de la mente creativa de Robert E. Howard (autor también de Conan, el bárbaro) deparase una película entretenida, plagada de acción y con un argumento ligero. Al final, malos inicios (de año) cinéfilos, pero veamos por qué.

La verdad, no sé en qué se habrán inspirado para esta producción (pues los créditos sólo dicen que está basada en el personaje de Robert E. Howard). Obviamente, no es uno de los personajes ficticios más reconocidos por el público medio, lejos de la popularidad de Conan, aunque parece ser que hace un par de años el sello de cómics Dark Horse le dio algo de cancha con un puñado de historietas cortas. Así pues, no puedo afirmar en términos de fidelidad como han trabajado con esta película.

Lo que sí puedo decir es que, este pilar clave de la obra, el protagonista, hace aguas por todos lados en su paso al cine. En el film se nos cuenta como Solomon Kane, un despiadado cazador de tesoros (por llamarlo de algún modo), es acechado continuamente por el diablo, hasta tal punto que decide cambiar de vida para dedicarse a la paz y a la oración en las dependencias de una iglesia. Echado de allí por los sacerdotes, emprende un camino de peregrino sin mayores aspiraciones, hasta que deba retomar el camino de la violencia para redimirse por una promesa que hace. Vamos, bastante típico.

El caso es que, si tenemos en cuenta lo poco conocido del personaje para la inmensa mayoría, un actor nada popular (ligado siempre a papeles secundarios y de poco lucimiento) encarnándolo y una historia plana, malos ingredientes son los que presenta. Y lo sorprendente es que se sostenga con relativa soltura hasta bien pasada la mitad del metraje, haciéndose ameno, aunque sin excesos. Eso sí, si os atrevéis con ella, esperad un despropósito de final, increíblemente poco aprovechado.

Así pues, con esas discretas expectativas, mal vamos. A nivel de producción, mezcla luces y sombras. Luces cuando vemos algunos escenarios o paisajes bien recreados, o un vestuario interesante. Sombras cuando, en los mismos aspectos, presenta todo lo contrario: poca verosimilitud. Y es que hay veces que esta SOLOMON KANE parece una de las típicas películas de sábado o domingo por la tarde (ya sabéis a que me refiero) en términos técnicos. Llama la atención lo irregular que puede llegar a ser en este sentido.

Al final queda una cinta que puede haceros pasar el rato, pero que tiene cosas de film mediocre. Con un principio interesante, se va perdiendo mientras aleja al espectador de toda inmersión en lo que ve. No llega a ser tan desesperante como para arrepentirse de haber pagado la entrada pero, desde luego, no llega al nivel medio que se debe exigir en estos tiempos. Bastante floja y, desde luego, pasable.

P.D.: Y si me preguntáis por la acción, poco abundante y sólo correcta, con algunos enfoques de cámara incomprensibles.
P.D. 2: Por cierto, cuenta con la aparición del veterano Max von Sydow, aunque mucho me temo que en un papel que no le hace honor alguno.

Lobo en el lodo recibe el premio ¡Porque tu blog es delicioso!

2010-01-04T13:49:00.000+01:00

Un saludo a todos y todas. En el día de hoy, me enorgullezco de poder decir que Lobo en el lodo añade un nuevo galardón a sus repletas (es broma, es broma xD) vitrinas, gracias a la fantástica compañera Dids, administradora de ese excelente sitio que es El 8º Pasajero (aquí podéis ver la entrada en la que lo entrega). Nunca me cansaré de decirlo, pero estos premios, aunque a algunos les puedan parecer una tontería, llevan inherentes todo el cariño que nos tenemos unos bloggers a otros, con lo que yo siempre me alegro de recibir uno y también de concederlo. En esta ocasión, agradecer de corazón a Dids que se haya acordado de mí para el galardón, porque fue una de las primeras en visitar este humilde blog con frecuencia y porque siempre es agradable al máximo en el trato y la atención. Aprovecho también para recomendaros la visita a su sitio, El 8º Pasajero, sobretodo si os gustan las series ;).

A continuación, siguiendo las normas del premio, procederé a re-entregárselo a 5 compañeros. En esta ocasión, he decidido escoger a 5 sitios a los que, o bien nunca se lo he concedido pese a que se lo merecían, o bien son muy recientes pero ya se han ganado mi afecto. Me gustaría premiar a más compañeros, pero 5 tienen que ser. Decir también que no debéis sentir los premiados la obligación de hacer una entrada y entregarlo a otros compañeros si no os apetece, eso ya va con cada uno. Este tipo de galardones bloggeros debería ser más una satisfacción que una obligación, así que haced lo que queráis con él ;). Vamos allá con los 5 elegidos:

-Closto, de Chapel of the heretics, un blog que, en poco tiempo, se ha sabido ganar mi cariño por sus contenidos y la simpatía de su autor. Ah, y por ese diseño entre Castlevaniesco y siniestro xD.
-HVN, Ignatius y sCr.LR, de From Music, de los que me debo disculpar por no comentar demasiado, pese a lo mucho que me gusta poder visitar un blog que trate el mundo de la música. Eso sí, decirles que, aunque no esté muy puesto con los géneros de los que suelen hablar, un vistazo siempre pego a su sitio ;).
-Onetwothree e Iván, de I TOLD YOU SO!!, donde es un gustazo para un servidor poder debatir de manera sana sobre las películas que se van estrenando ;).
-Crowley, de TENGO BOCA Y NO PUEDO GRITAR, un sitio que, pese a que últimamente no me prodigue mucho con los comentarios, me consigue encandilar gracias al criterio y la sinceridad de su autor, y a su amor por el cine.
-Y por último, pero no menos importante, WiiDo, de WiiDo 6..., compañero de fatigas peliculeras y series diversas. Espero que este premio (el primero que recibe, si no me equivoco) le anime a seguir adelante con su excelente trabajo cinéfilo.

Pues esos son mis elegidos. Mi enhorabuena a los 5 y espero que en este año que acaba de empezar nos sigan deleitando con la calidad a la que nos tienen acostumbrados en sus escritos ;).

Feliz año nuevo y cambio de rumbo

2010-01-02T12:50:00.000+01:00

¡Feliz año 2010, amigos/as!

Quizá debería estar escribiendo una de esas entradas llenas de propósitos para el año que recién ha comenzado, de propósitos que, como dice la tradición, luego no se cumplirán (y, si no, echadle un vistazo a la que hice el año pasado: me parece que sólo he cumplido uno o dos de los varios que me hice xD). Como no quiero perder el tiempo, ni haceros perderlo a vosotros, sólo voy a hablaros de un cambio que voy a instaurar en el blog.

Si os fijáis, las dos últimas entradas (aquí y aquí) han llevado el título de opiniones y no de críticas. ¿A qué se debe eso? Me explico: puede que su definición en el diccionario no sea tan distinta, pero para mí suponen dos maneras bien diferenciadas de hablar de una película. Así, en principio, abandono las críticas (más objetivas, más largas, más frías) por las opiniones (más personales, algo más breves). Creo que a nadie le supondrá un gran trauma, pues sé que a algunos les gustará este cambio y, al resto, no creo que les moleste, ya que nadie se ha quejado con las dos anteriores.

Que nadie piense que voy a dejar de hablar de las películas que vaya viendo, porque no es así. Lo que pasa es que dejo de lado la estructura habitual de mis críticas, su "gravedad" (entendido como manera de escribirlas) y su excesiva extensión (cosa que ya me habían comentado alguna que otra vez); para optar por otra manera de escribir, más espontánea, más libre en cuanto a forma y en la que me pueda permitir ser más personal (siempre intentando mantener un cierto criterio, que conste). A fin de cuentas, no soy un crítico: ni cobro por esto ni tengo los conocimientos suficientes para analizar fríamente una película. Como todo, si no gusta, se puede volver a las críticas, pero no es mi intención.

Por lo demás, espero que hayáis tenido una buena entrada de año (yo me lié con los cuartos, como siempre ^^u) y que las expectativas que guardéis para este 2010 que acaba de empezar sean las mejores. Por mi parte, desear que sigamos juntos en esta andadura bloggera, que Lobo en el lodo os siga pareciendo una lectura digna de vuestro tiempo y que nos veamos también en vuestros respectivos blogs mediante los comentarios o lo que tengáis pensado.

¡Un saludo!

Opinión de BIENVENIDOS A ZOMBIELAND

2009-12-31T19:06:00.001+01:00

Estrenada la semana pasada (precisamente el día 25, viernes), ayer por la noche al fin le di una oportunidad a Bienvenidos a Zombieland, cinta de la que es difícil que oigáis a alguien decir algo malo. Se llevó el premio del público este año en Sitges y, sinceramente, no me extraña ni una cosa (lo del premio) ni la otra (lo de que nadie la ponga a parir). Vamos a ver el por qué de esa sensación.

Bienvenidos a Zombieland es el primer trabajo del director Ruben Fleischer y, visto lo visto, no será el último, pues el público y la crítica han respondido de maravilla (tanto, que ya se habla de posibles secuelas). Acompañándole, si exceptuamos el elenco protagonista, se encuentran una serie de nombres poco conocidos pero no por ello malos, destacando David Sardy (21 Blackjack), quien ya me pareció interesante en su anterior trabajo y me lo ha vuelto a parecer ahora, con unas composiciones muy acertadas para el film del que hablamos, además de alguna que otra canción ligeramente conocida.

Pero no son los nombres lo que destaca en Zombieland, sino lo que se ha conseguido con ella: un film que sólo podríamos definir como comedia de acción, regado con un buen chorro de serie B (se nota la inspiración por todas partes, sin que por eso nos parezca un plagio). Lo que aparentemente es una historia regularcilla, se destapa como un notable guión cuando estamos manos a la obra, gracias, sobretodo, al carisma y cariño que se le coge a cada uno de los personajes con cierto peso en la trama.

Así, comenzaremos el viaje con Columbus (interpretado por el joven Jesse Eisenberg, recientemente visto en Adventureland), el típico chico que se encerraba día sí y día también para jugar al ordenador, antes de que el planeta se viera atestado por un virus que convierte a la gente en zombies. Gracias a un par de decenas de reglas, Columbus ha sobrevivido, mientras sigue buscando su ciudad natal para ver si sus padres siguen vivos. Pronto se encontrará con Tallahassee (Woody Harrelson), un auténtico tipo duro cuyo mayor deseo a corto plazo es encontrar un pastelito sin caducar, con quien compartirá viaje hasta que sean estafados por dos hermanas, Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin, la niña de Pequeña Miss Sunshine).

No me adentro más en el argumento, pero os aseguro que, aún siendo simple y bastante previsible, sabe explotar bien las ideas con las que cuenta para conseguir una cinta tremendamente divertida, apoyada por un adecuado metraje de no más de hora y media en lo que significa su justa duración, de no ser porque deja con ganas de más.

Lo que no debería engañaros es ver el término acción relacionado con Zombieland. Sí, hay algunas escenas de acción y un tanto de gore, pero en absoluto son elementos predominantes en el largometraje. El auténtico peso de la cinta lo llevan los actores principales (los cuatro cumplen a la perfección, cada uno en su rol) y, especialmente, el sentido del humor que impera, divertido y gracioso por sí mismo, con situaciones ridículas pero factibles dentro del universo ficticio que supone la obra, además de unos diálogos tronchantes. Por si fuera poco, la risa también se encuentra en los pequeños detalles (un zombie ardiendo, las expresiones de Woody Harrelson, la manera de presentar las reglas de Columbus...).

En resumen, Bienvenidos a Zombieland es una propuesta interesantísima y disfrutable al máximo, mejor acompañado. Una comedia que sabe ser un soplo de aire fresco y que cuenta con unas ideas y unos actores de nivel, al tiempo que se ríe y parodia un género tan manido como éste. Sinceramente, nunca los zombies me parecieron tan divertidos. Muy recomendada, sabiendo lo que se va a ver.

P.D.: ¡Feliz año nuevo si leéis esto después de las 12! ;)

Opinión de BUSCANDO A ERIC

2009-12-28T15:13:00.000+01:00

No sé si a algunos de vosotros os pasará (supongo que sí), pero a mí me sucede algo muy curioso (o quizá no tanto) con algunas películas: las veo y soy consciente de que no son obras maestras, de que tienen algunos fallos, pero me parecen tan sencillamente brillantes, se me hacen tan de querer, que no puedo ser objetivo del todo con ellas. Eso mismo sentí anoche durante (y después de) el visionado de Buscando a Eric.

Os voy a ser sinceros: no fui al cine a verla en su momento (se estrenó a finales de noviembre) y me arrepiento muchísimo. No la vi en mala calidad, nada de eso: la película habría merecido que pagase la entrada, por eso tendría que haberlo hecho. Al final se me pasaron las fechas y el film desapareció rápidamente de cartelera (como siempre que hay un bombón de estos poco comerciales y que duran tan poco). Al menos, los grandes cines ya no lo tienen en sus taquillas, que yo sepa. Habrá que redimirse comprando el DVD o el BluRay, así de claro.

Y es que Buscando a Eric la iba a tener que ver tarde o temprano, por dos motivos. El primero es que la ha dirigido Ken Loach, ese director británico del que tan bien había oído hablar y del que no había visto nada hasta la fecha. Otro error más en mi cuenta. Según había leído, es un hombre que sabe fotografiar bien la sociedad, concretamente la llamada clase media británica, con sus penurias y singularidades. El film que hoy nos ocupa, aunque aporta un tanto de fantasía y otro tanto de hilaridad, no deja de ser un retrato sobre las personas, especialmente sobre sus miedos y cobardías. Una obra que ensalza los valores del amor, la amistad y la familia.

Así pues, acompañaremos a Eric Bishop (interpretado por un sensacional Steve Evets), un hombre ya en la cincuentena y con problemas psicológicos. Después de un hecho impactante para él (reencontrarse con su primera mujer después de casi 30 años), provoca un accidente de tráfico y es hospitalizado. Una vez recuperado, Eric debe enfrentarse de nuevo a su paupérrima vida, con unos hijos que no le respetan ni le ayudan, una casa patas arriba, un trabajo monótono y la fría sombra de la soledad. Sus amigos intentarán ayudarle, pero alguien distinto será quien más haga por él: Eric Cantona (interpretado por él mismo), su ídolo.

Y ese es el segundo motivo por el cual quería ver la cinta: la aparición (y no sólo como un cameo, sino con el peso de un secundario normal) de Eric Cantona, polémico futbolista francés que destacó en la primera mitad de los 90 con la camiseta del Manchester United. Por mi edad, no le he visto jugar en directo con criterio, pero sí he leído y visto mucho sobre él como para tenerle en muy buena consideración. Todo un ídolo, tan brillante como temperamental (es el de la patada kung fu, busquen ustedes mismos por YouTube).

En el film, como ya he dicho, se interpreta a sí mismo, en forma de visiones del protagonista, un completo fan de Cantona. Sorprende por sus buenas maneras, aunque no es de extrañar: Cantona no hace de nadie salvo de sí mismo, con toda la naturalidad y genio que le caracteriza, incluido su cuello de la camisa alzado xD. No es necesario que os guste el fútbol ni admiréis a este ex-futbolista para gozar de la película, pero es cierto que eso le da un punto adicional. Por supuesto, durante la obra salen algunos de sus goles o jugadas más importantes, aunque se limitan a un par de minutos de metraje y no molestarán a nadie.

Pero si por algo le recomendaría Buscando a Eric a cualquiera es por su guión, a cargo de Paul Laverty, escritor habitual de Ken Loach. Si hay que englobar al film dentro de algo, me atrevería a decir que es una tragicomedia, aunque sin abusar de los momentos excesivamente dramáticos. Lo curioso es que consigue hacernos reír (a menudos) o emocionarnos con naturalidad, sin que nada quede forzado ni sea exagerado, sólo quizá un poco hilarante. Es en esa sencillez donde radica su valor. Si a eso acompañamos unos diálogos excelentes, llenos de reflexiones y frases que se clavan, nos sale un apartado destacable en este sentido.

En resumen, Buscando a Eric cuenta con unos ingredientes envidiables: una actuación principal portentosa, un secundario con un tremendo carisma, un guión maravilloso a la par que natural y un director que sabe lo que hace. Podría haber dicho más sobre el largometraje, pero creo que todos deberíais darle una oportunidad y verlo por vosotros mismos. Es una de esas veces en las que el cine puede ser brillante, a pesar de su sencillez.

Recetas de cocina: Salchichas con cerveza

2009-12-17T18:02:00.000+01:00

Un día más, otra receta de cocina para la sección. El plato que hoy os presentaré lo he comido numerosas veces, siempre cocinado por mi madre, pero el otro día me tocó a mí hacer la comida y me dejó las indicaciones (muy sencillas, ya veréis) para realizar esta sabrosa receta. Al ser un plato que estoy seguro de que muchas madres (o abuelas) tendrán en su recetario, quedáis invitados a exponer vuestras propias versiones ;).

Salchichas con cerveza

La comida que hoy os presentaré es un ejemplo excepcional de como cocinar bien, fácil y barato. A mí personalmente me encanta el sabor que tiene esta receta, y ya veréis que es tan sencilla de hacer (no creo que esta sea una entrada muy extensa ^^u) y pide tan pocos ingredientes, que ojalá más de uno os animéis a probar. Antes de nada, como es habitual, unas recomendaciones: la cantidad que os voy a poner es un poco escasa, pero es porque en casa siempre la acompañamos con algo, preferiblemente algo de arroz hervido, una buena ensalada o un plato de sopa (que en esta estación del año bien que viene). Tanto para comer como para cenar, pero ojo: que no falte el pan para mojar, aunque no suele quedar demasiado líquida la salsa.

Ingredientes (para 3 personas):

-8 o 9 salchichas frescas (es decir, de carnicería, longanizas como se suele decir en algunos sitios, nada de frankfurts)
-Un botellín o una lata de cerveza (con alcohol o sin alcohol, no importa demasiado)
-Una cebolla (o media si es grande)
-Azúcar (opcional)

Sé que soy pesado, pero ya veréis como en pocos pasos conseguimos un buen plato. Para empezar, pelaremos y cortaremos la cebolla, pero no buscamos picarla, sino dejarla en trozos relativamente grandes o tiras, según el gusto de cada uno. Al mismo tiempo, calentamos una sartén (que sea honda y grande, que nos tendrá que caber todo aquí) con abundante aceite, a fuego medio-fuerte.

Una vez esté bien caliente el aceite, echamos la cebolla a la sartén e, inmediatamente, bajamos a fuego lento. Este será uno de los pasos más importantes. Debemos pochar la cebolla, de forma que quede doradita y blandita, por lo que la tendremos el tiempo que haga falta con un fuego débil, removiéndola casi constantemente, para que no se pegue ni se queme. Como truquito opcional, podemos echarle un poquito de azúcar a la cebolla, para que pierda su acidez inherente.

Cuando la cebolla ya esté pochada, subimos a fuego medio y ponemos las salchichas que tengamos directamente en la sartén (mejor si antes las hemos pinchado un par de veces cada una con un tenedor). Las marcamos un poquito y, acto seguido, vertemos la cerveza: más o menos unos 20 cl., es decir, casi todo el botellín menos un trago o algo más de media lata.

Ahora, a fuego medio, se trata de ir removiendo para que las salchichas se hagan (como si se estuvieran cociendo en la cerveza) y la cerveza pierda su alcohol o su sabor fuerte. Es cuestión de que hierva y vayamos colocando las salchichas bien cada tanto tiempo, para que se hagan por dentro como es debido. Como veis, no le añadimos sal ni ninguna otra especia, pero es que no las necesita por el propio sabor que le dará la cerveza.

Si no sabéis cuando está bien la cerveza, basta con probarla de vez en cuando y apagar el fuego cuando notemos que las salchichas están bien hechas y el sabor no es fuerte ni alcoholizado.

Y con eso, tenemos un estupendo y sabroso segundo que, a mí al menos, me gusta muchísimo. A ver si alguno os animáis a hacerla y dejáis vuestras impresiones (o vuestra forma de realizar la receta si la conocíais) ;).

Crítica de ALGO PASA EN HOLLYWOOD

2009-12-14T00:12:00.002+01:00

No sé si lo habré dicho alguna vez en el blog, pero me encanta Robert De Niro. Reconozco que es un actor que ya pasó su mejor época hace tiempo, pero siempre me parece solvente, aporta (para mí) un plus especial a las películas en las que aparece. Vamos, que es un intérprete que me empuja a ir al cine y pagar la entrada. Una vez dicho esto, era de esperar que me dirigiera sin demora a ver Algo pasa en Hollywood, su último trabajo estrenado en España.

Si os digo la verdad, me enteré por pura casualidad de este estreno. Ni había visto ningún tráiler ni había leído prácticamente nada sobre el film por la red. Si no llega a ser por mis típicos repasos semanales a los próximos estrenos, ni me entero de la existencia de esta película. Bueno, debo admitir que hace unos días vi un cartel en un cine de por aquí, pero estaba tan escondido que dudo que muchos reparasen en él. Con esto os quiero decir que fui prácticamente a ciegas a ver la obra.

En ella, Robert De Niro interpreta a Ben, un afamado productor de películas de Hollywood obsesionado con el poder y el reconocimiento. Vive por y para su trabajo, lo que le ha deparado dos matrimonios fallidos y una relación demasiado intermitente con sus hijos. De momento, parecía que estaba en la cumbre de su oficio, emborrachado de éxito. Sin embargo, un montón de problemas le acecharán al mismo tiempo y harán tambalearse seriamente su posición: una de sus ex-mujeres, la mala recepción de su último preestreno, un director rebelde y hasta el mismísimo Bruce Willis. ¿Mantendrá Ben el tipo ante esta situación?

Algo pasa en Hollywood pretende ser una sátira en clave de humor del mundillo del cine, más concretamente del americano. No os voy a engañar: sé que existen otras películas que han compartido esta misma propuesta, pero estoy casi seguro de que no he visto ninguna antes. El caso que hoy nos ocupa consigue su propósito a medias. Por una parte, se trata de una burla completamente detectable y fácilmente comprensible, que no da lugar al equívoco y conduce al espectador por donde quiere. Por otra, le falta algo de mordiente, de acidez, para poder resultar contundente.

Aceptando este hecho, nos queda una cinta bien resuelta, aunque para nada memorable. Cuenta con un guión sencillo y bastante previsible, no obstante resulta entretenido y contiene una variedad de situaciones apreciable como para no cansar al público. Quizá falle un poco el ritmo, demasiado irregular durante la hora y 40 minutos que dura el film, mezclando escenas potentes con otras bastante pasables. Digamos que no es una película demasiado equilibrada, sino más bien rebelde.

Por lo que muchos os podéis sentir atraídos es por su reparto, y no me extraña: está plagado de nombres famosos que corresponden a actores y actrices reconocidos por su eficacia. La voz cantante la lleva Robert De Niro (con muchísimo más peso que el resto), sobrio aunque sin demasiado brillo. Lo mismo se puede decir de secundarios como Robin Wright Penn o Stanley Tucci: cumplen bien con su rol, pero sin alardes. Otros como Sean Penn o Kristen Stewart tienen un par de apariciones casi testimoniales que poco podemos valorar, mientras que Bruce Willis cuenta con algo más de presencia (y una escena divertidísima), aunque más de paso que otra cosa. Por encima de todos acaban destacando John Turturro (eficacia probada para escenas de humor) y Michael Wincott, que deparan las mejores secuencias del film.

Al final nos queda una cinta pasable, que llama mucho la atención por el número y nombre de estrellas que incorpora más que por la calidad que realmente atesora. Entretenida para pasar el rato, aunque tampoco os perdéis nada si la dejáis correr. Sólo recomendable si interesa mucho el tema o gusta alguno de los intérpretes que aparecen (como fue mi caso).

Pasen y vean: Chapel of the heretics

2009-12-10T14:55:00.000+01:00

Vale, debo admitirlo: he camuflado el propósito de esta entrada variando el título (no quiero ser repetitivo con respecto al último artículo). Lo que no cambia, para nada, es la intención que subyace: presentaros otro de mis blogs predilectos, uno de esos que son visita obligada cuando hago el repaso o cuando se puede y que, además, cuenta con un administrador que se ha hecho de querer por estos parajes lodosos por su simpatía y buen trato. Es verdad que no me gusta hacer entradas de Páginas amigas tan seguidas, pero siempre es buen momento para intentar dar a conocer a un compañero. En el caso que hoy nos ocupa, no sé cómo no se me cae la cara de vergüenza por no tenerlo ya en la sección ^^u.

Chapel of the heretics se llama esta bitácora, dirigida por el compañero Closto, distinguido por su buen hacer a la hora de escribir entradas de calidad y por su atención para con los otros bloggers (además de por su humor xD). En su sitio predominan los videojuegos, aunque también se atreve con otras temáticas como, por ejemplo, la música o la sociedad. En muchas de sus entradas se da a conocer, contando pequeñas anécdotas o trayectorias, algo que a mí me interesa mucho personalmente (tomad, como ejemplo, la sección Toda una vida). Con un diseño sencillo (como a mí me gusta), pero bien combinado con ese fondo negro y destacando la cabecera dedicada a Castlevania (me encanta ^^). Además de por este detalle, por cosas como su Aria of sorrow o sus títulos (ambas cosas en la columna derecha del blog) se nota su gran afición a la saga vampírica de Konami, una cosa que me llamó muchísimo la atención en las primeras ocasiones en que lo visité :). En fin, dejo de hablar yo y os invito a visitarlo vosotros mismos, porque estoy seguro de que no os arrepentiréis.

Nueva página amiga: WiiDo 6...

2009-12-05T14:39:00.000+01:00

Un saludo, mis estimados lectores. En el día de hoy me propongo añadir una nueva página amiga a la lista, que sabéis que es algo que siempre me complace hacer. Sin embargo, en esta ocasión, hay algo distinto a lo habitual. Siempre que he sumado un nuevo blog a la sección, se trataba de gente que he conocido gracias a la bloggosfera, gente maravillosa a la que no tengo la suerte de conocer físicamente. Hoy, añado el primer blog amigo que administra alguien que sí conozco personalmente. Se trata, nada más y nada menos que de WiiDo, compañero en la oficina donde he llevado a cabo las prácticas.

Su blog, WiiDo 6..., se centra principalmente en una temática que creo que gusta mucho por estos lares: el cine y las series de televisión. No os dejéis llevar por la sencillez de su diseño (aunque ya sabéis que un servidor prefiere lo poco cargado, sin duda), pues todavía está probando plantillas y añadiendo elementos. Donde de verdad tenéis que prestar atención es en sus escritos: críticas de cine breves pero certeras, acompañadas de acertadísimos símiles y ejemplos. Pocas veces se me verá estar tan de acuerdo con la opinión cinéfila de alguien, además de que WiiDo tiene mucha más base en el séptimo arte que yo. Desde luego, un blog a tener en cuenta y al que os recomiendo encarecidamente echarle un vistazo.

Crítica de PLANET 51

2009-12-02T20:32:00.000+01:00

Mal que nos pese, hay que admitirlo: no se suelen ver muchas producciones españolas (aunque esta sea una co-producción junto a Estados Unidos y Reino Unido) de animación digital. Si buscamos precedentes, creo que ninguna ha tenido tanta atención mediática como esta PLANET 51, que se estrenó el pasado viernes 27 de noviembre con un objetivo cumplido: que prácticamente todo el país hubiera visto algún tráiler, póster o lo que fuera. Desde luego, apoyo no les habrá faltado a los chicos de Ilion (entre los que se encuentran gente que trabajo en el popular videojuego Commandos), pero... ¿habrán logrado cumplir las expectativas creadas?

El Planeta 51 es un mundo tranquilo, poblado con simpáticos seres verdosos de aspecto semi-humanoide que viven en una eterna década de los 50. El joven Lem está viendo cumplidos sus dos grandes sueños: ha sido contratado como ayudante en el observatorio (donde podrá dar rienda suelta a su pasión por la astronomía) y está muy cerca de declararse a Neera, su vecina, porque se acaba de enterar de que ella está loca por él. Sin embargo, todo cambiará con el aterrizaje de un "alienígena": la población autóctona se verá sumida en el caos propio de una invasión y Lem no tendrá más remedio que ayudar al extranjero... aunque para ello tenga que perder todo lo que ha conseguido.

Argumentalmente debo decir que me sentía bastante atraído por PLANET 51 gracias a lo principal de su propuesta: no es un extraterrestre al uso el que llega a la Tierra (típico cliché), sino un humano el que llega a un planeta desconocido (y habitado) y es tomado por el invasor. Parecía una premisa prometedora, pero mucho me temo que el guión ha quedado muy lejos de aprovecharla bien, cargándose el factor sorpresa en pocos minutos y resultando demasiado previsible para la inmensa mayoría de espectadores.

Y es raro, porque ha sido realizado por Joe Stillman, guionista habitual de la saga Shrek, pero que parece que aquí no ha conseguido dar con la tecla. Si bien la trama cuenta con numerosos guiños (tanto a otras producciones como a la época de los 50), los gags y situaciones graciosas escasean en demasía (salvo al principio, donde un par pueden sorprender) y juegan su baza a prácticamente un solo personaje: el pequeño robot de reconocimiento, Rover, que toma algunas ideas de Wall-E y se muestra divertido en casi todo momento. Los demás personajes, tópicos bastante manidos, unidos a situaciones más que trilladas. Lo dicho, terriblemente previsible y, para su desgracia, carece del punto "adulto" del que sí gozan la mayoría de producciones del estilo: esas concesiones a los padres o hermanos mayores que acompañan a los más pequeños.

Demasiado infantil, aunque sea éste el público al que va principalmente orientada y, en esta ocasión, demasiado simple. Sencillez que se ve extendida a los propios escenarios donde se desarrolla la acción, bastante vacíos, parcos en elementos, desangelados y ciertamente sosos. Ningún lugar escapa del tópico y rompe por originalidad. El aspecto musical tampoco es demasiado original, pero al menos se adapta bien a lo que se le presupone y hace disfrutar a más de uno: melodías de corte muy cincuentero para quien guste del estilo de esa década. Uno de los puntos fuertes del film.

Para finalizar, no podemos dejar de hablar del apartado visual. Obviando la falta de elementos en los escenarios, la animación es más que sólida, teniéndole poco que envidiar a los estudios estadounidenses, aunque sin llegar al grado de detalle y calidad que se ha podido comprobar en obras como la ya citada Wall-E o en algunos aspectos de Monstruos contra Alienígenas o Madagascar 2. Es loable el resultado conseguido pues, aunque no suponga un punto álgido en la técnica, seguro que se ha contado con menos recursos y se ha tenido que trabajar a fondo (como ya he leído por ahí, utilizando técnicas propias) para conseguirlo. Como he dicho, no desentona en absoluto frente a otras producciones extranjeras. Ojo a los créditos, que me han encantado.

Al final, PLANET 51 es el film curioso, donde comprobar hasta donde pueden llegar una producción patria de este corte. Con un nivel técnico que cumple a la perfección (salvo algún pequeño bache), es una lástima que otros aspectos cinéfilos la rebajen a ser una película de animación más, que no pasa del suficiente alto. Todavía queda mucho por hacer para alcanzar el nivel demostrado por Pixar y Dreamworks, auténticas reinas en este ámbito.

Recetas de cocina: Quiche lorraine

2009-11-29T23:18:00.001+01:00

Apurando ya lo poco que me queda de este fin de semana y con la resaca del Barça-Madrid todavía muy reciente, aprovecho para publicar la receta de un plato que he hecho un par de veces esta semana. Primero fue hace unos días, con la intención de recordar como se hacía (haría un par de años o más que no la cocinaba). Luego, ayer mismo, para podérmela llevar como aperitivo para el partido. Como es habitual, ya digo que he adaptado un poco el plato a mis gustos, aunque con las quiches pasa como con las pizzas: las puedes hacer prácticamente de lo que quieras. Si a alguno/a os gusta y la hacéis, quedáis invitados a dejar vuestras variantes en los comentarios ^^.

Quiche lorraine

Pese a que se puede tomar como comida o cena, creo que la finalidad de la quiche en cualquiera de sus variedades es servir de almuerzo o aperitivo, según el caso. Sin embargo, no es un entrante ni la mitad de recurrido que otros mucho más famosos en nuestra cultura culinaria como las croquetas o la tortilla de patatas. Supongo que influye el hecho de que no sea algo típico de aquí (creo que tiene su origen en Francia y Alemania) o que no se ha asentado demasiado en el imaginario colectivo. No obstante, es una opción estupenda cuando tenéis que llevar algo de picar a un sitio (como ha sido mi caso) y queréis ser algo originales. Y lo mejor, a la mayoría de la gente le suele gustar mucho.

Como he dicho antes, la receta que hoy os voy a explicar ha sido adaptada por mí en base a varias fórmulas. La quiche lorraine se suele reconocer por llevar bacon (como la mía) o, a veces, jamón york. Mucha gente le pone también cebolla (como haremos hoy) y algunos no le ponen queso o sólo se lo ponen por encima a modo de gratinado. Repitiendo de nuevo algo de antes, la quiche permite tantas variantes y tantas opciones en cuanto a su composición, que se amolda muy bien a los gustos de cada uno. Como consejo, tomarla como aperitivo o como almuerzo, pues puede ser bastante pesada como cena. Si hay que acompañarla con algo, mejor con una ligera ensalada ;).

Ingredientes (para que piquen unas 8 personas, para cenar 4):

-Una placa de masa brisa (o masa quebrada), congelada o fresca, es indiferente
-100 gr. de bacon troceado
-Media cebolla
-3 huevos
-Un vaso de leche
-75 gr. de queso rallado
-Sal
-Avecrem (opcional)

Se aconseja hacer la quiche, como mínimo, una hora u hora y media antes de tomarla, mejor incluso si va a pasar un día, porque está (a mí gusto y por norma general) bastante más buena fría que caliente. El consejo es que, una vez hecha, la dejéis reposar un par de horas (mínimo) a temperatura ambiente, para luego meterla a la nevera hasta su consumición.

Para empezar, tendréis que forrar un recipiente apto para horno y ciertamente hondo con la masa brisa o quebrada. Si es congelada, es necesario tenerla unas horas fuera del congelador, para que se deshiele. Si es fresca, no hace falta tomar ningún tipo de medida. Es aconsejable "amasarla" un poco antes de trabajar con ella, por eso de dejarla más moldeable. Veréis que muchas de las masas que podáis comprar hechas llevan un papel de horno: utilizadlo, pues así evitaréis que se pegue al molde. Primero ponéis el papel en el molde y, luego, lo forráis con la masa (también por las paredes del recipiente), de forma que os quede una especie de tartaleta que ocupe el suelo y los lados del utensilio. Enganchadlo bien a las paredes sobretodo, porque tiende a bajar. Ahora, cubrís con papel de aluminio por encima y la metéis (sin nada del relleno) al horno (que ya habréis precalentado) a temperatura media (termostato 5 o unos 180º, sólo por abajo) durante unos 5 o 10 minutos. Una vez hayan pasado, retiráis el papel de aluminio y la dejáis a la misma temperatura otros 5 minutos. Entonces, ya podréis sacarla.

Mientras la masa se cuece, podéis encargaros del relleno. Para ello, picaréis (muy fina) media cebolla. Se pone una sartén a fuego medio con abundante aceite y, una vez que esté caliente, se baja a fuego lento y se vierte la cebolla. Más que de hacerla, se trata de pocharla, de ahí el usar bastante aceite y tener el fuego a baja intensidad. Vais dando vueltas de forma regular, hasta que la veáis tierna. Recordar que podéis echarle una pizca de azúcar para que pierda parte de su acidez. Una vez esté blandita, incorporáis el bacon troceado, no es necesario poner más aceite. Cuando esté bien doradito, apagáis el fuego y retiráis.

Por otro lado, podéis batir los tres huevos en un recipiente hondo. Cuando estén bien batidos, incorporáis el vaso de leche y seguís removiendo, hasta que la mezcla se haga uniforme. Entonces añadís el queso rallado (de la variedad que más os guste, no hay problema), aunque recomiendo no poner más de unos 75 gramos. Vais removiendo y apelmazando, con el objetivo de que se mezcle bien con el huevo y la leche. Cuando esté, añadís un puñadito de sal y unos trocitos pequeños de avecrem (si queréis, ni media pastilla), procurando dejarlos lo más finos posible. Removéis bien todo.

Ahora, añadís el bacon y la cebolla hechos con la mezcla que tenemos y todo, a la tartaleta que tendréis en el molde (fuera del horno). Repartís bien la mezcla para que no se acumule el bacon en una parte de la quiche y ya la podéis meter en el horno (a idéntica temperatura que antes). Lo de ahora, más que un tiempo fijo, es ir mirando y tenerla en el horno hasta que cuaje. Para ello, podéis usar un tenedor para pincharla y ver si ya está hecha. Cuando salga "limpio" y no esté la mezcla líquida, es señal de que ya está. Yo pongo el horno sólo por abajo, si bien podéis rematar al final con un par de minutos por arriba, para que dore. Eso ya va al gusto.

Una vez la notéis cuajada, ya se trata de sacarla y reservarla al menos un par de horitas. El resultado tiene que ser algo como esto:

Esta es la que hice ayer y me he llevado al partido. Debo decir que ha triunfado ^^.

Espero que os animéis a hacerla (es muy fácil, en serio) y que os guste mucho. Por supuesto, estaré encantado de oír vuestras impresiones en los comentarios ;).

Mis lecturas: El testamento maya (de Steve Alten)

2009-11-26T22:39:00.000+01:00

Un saludo a todos, lectores y lectoras. Como ya comenté hace algunas entradas, estoy pasando por un periodo en el que puedo disfrutar de la lectura como hace tiempo que no lo hacía. He tenido la oportunidad (y la he aprovechado bien) de leer varias novelas en estas últimas semanas, pero hoy os voy a hablar de la última que he concluido (quizá algún día el resto tengan su oportunidad, porque lo merecen). Se trata de El testamento maya, obra escrita por Steve Alten.

No sé si a alguno os sonará el título, o si incluso habréis tenido la ocasión de leerla. A mi me sonaba ligeramente, pero por su temática (2012, fin del mundo, profecías mayas...) nunca la habría leído, la verdad. Ya sabéis que no me van mucho las obras apocalípticas, y tampoco me siento atraído por la polémica entorno a 2012 y los mayas. Sin embargo, un compañero de las prácticas me "retó" a leérmela (me la prestó él) y, como lector orgulloso que soy, piqué xD. No puedo decir que el libro me haya disgustado pero, desde luego, tampoco ha dejado en mí la mejor de las impresiones. Pero antes de hablar de ello, como siempre, os presento al autor.

El autor

Como ya es costumbre en esta sección, si bien el título de la novela me sonaba mínimamente, desconocía completamente el del autor, Steve Alten. Por lo que leo en la Wikipedia, es un escritor estadounidense que actualmente tiene 50 años y especializado en el género de la ciencia ficción (como bien demuestra la obra que hoy nos ocupa). Por lo visto, está especializado en escribir libros que se venden como churros (vamos, best-sellers en toda regla), destacando dos series: Megalodon, que cuenta con cuatro novelas y otra más en proceso; y Domain, trilogía de la que forma parte El testamento maya y de la que hasta el momento sólo han aparecido sus dos primeras partes (siendo la que tratamos hoy datada de 2001 y la segunda, La resurrección maya de 2004). Según he leído, lo han criticado bastante por ser un escritor demasiado comercial y mal documentado en muchos casos, mientras que otros lo defienden por la calidad de su obra. De eso hablaremos más tarde. Como curiosidad graciosa, fue (o es) el promotor de una especie de movimiento "Adopta a un escritor", para promover la lectura entre los jóvenes que no la practican.

La obra

Julius Gabriel, un inquieto arqueólogo, pasó toda su vida dedicándose a estudiar las antiguas profecías mayas, así como los lugares más sorprendentes de la Tierra (Stonehenge, Nazca, las pirámides de Giza...), con el objetivo de desentrañar el misterio en torno a varias pistas que hacían intuir el fin de la humanidad en 2012. Primero junto a su esposa y luego junto a su hijo, Julius arriesgó todo, incluida su reputación y su credibilidad, para alertar a la raza humana del peligro que amenazaba el planeta. Sin embargo, nadie le creyó, y fue motivo de las más grandes burlas. Ahora, ya difunto, su hijo Michael defiende sus mismas teorías, sólo que dentro del hospital psiquiátrico en el que lleva 11 años internado, diagnosticado de esquizofrenia paranoide. Dominique, una joven becaria, será trasladada al lugar con objetivo de culminar su formación, asignándole a Michael Gabriel como paciente. Pronto se verá sorprendida por él, replanteándose su diagnóstico y entrando de lleno en las ideas apocalípticas que Julius dejó escritas en su diario...

Argumentalmente, no merece la pena entrar en más detalles, pues sería privar a posibles futuros lectores del auténtico pilar básico de la obra: el descubrir la verdad en torno al misterio y desvelar los enigmas de las profecías mayas. Sólo diré un par de cosas. En primer lugar, imagino que al que le guste el tema sobre 2012 y el fin del mundo, le atraerá la obra. Es sorprendente ver como el autor entreteje datos reales con ficción, mientras los personajes exponen teorías y vamos asistiendo al desarrollo de las mismas. Incluso alguien ajeno a toda esa temática y a quien no le agrada demasiado, se vio positivamente sorprendido por como se maneja la historia en ese aspecto.

En segundo lugar, decir que trata ese elemento desde un punto de vista propio de la ciencia ficción. Si no gusta el género, difícilmente se podrá digerir adecuadamente la lectura, pues respira (y despide) ese estilo en todas sus hojas. De hecho, el realismo aplicado en algunos hechos, en las descripciones, contrasta brutalmente con lo ficticio de muchos pasajes, donde típicamente te podrás llegar a preguntar en qué andaba pensando el autor para escribir según qué cosas. Parece que Steve Alten tenga el síndrome de Hideo Kojima xD (para quienes gusten de los videojuegos): empieza en plan realista y medianamente lógico, pero luego se empieza a desmadrar y todo resulta bastante peliculero e inverosímil. Supongo que deben ser cosas de best-sellers.

Si gustan la temática y el género (o al menos no se les tiene aversión) y se le concede una oportunidad a la novela, pronto se descubrirá que es una lectura tremendamente adictiva... durante sus primeras 200 páginas. En el nudo de la trama, donde se debería haber dado un auténtico do de pecho, la obra se pierde un poco y se convierte en algo demasiado tedioso y sosón como para incitar a seguir leyendo. Demasiado defecto si tenemos en cuenta que estamos hablando de cerca de 300 páginas. Luego sí, durante las 100 últimas recupera muy bien el interés, aunque puede ser más debido a lo trepidante e incluso acelerado de su final que a otra cosa. Por supuesto, y no descubro nada teniendo en cuenta que es la primera parte de una trilogía, el final queda bastante abierto.

Al margen del prometedor comienzo, lo que más interesante me ha parecido de la novela es su estructura. Dividida en capítulos, como es habitual, aunque distinto a lo acostumbrado. Me explico: dependiendo del momento, la obra llega a desarrollar 2 o 3 tramas "importantes" al mismo tiempo, con lo que no nos está contando sólo una historia, sino varias que hace avanzar al mismo tiempo. Organizadas en días, los capítulos se suelen dividir en pequeñas secciones, y en cada una se explica algo de cada trama individual. Al final, se tiene una idea de conjunto que me ha gustado bastante. Además, algunos capítulos son extractos del diario de Julius Gabriel, donde el arqueólogo nos explica sus teorías apocalípticas y los hechos científico-astronómicos con los que se relaciona. Muy interesantes estos pasajes.

Para acabar, hablemos un poco de estilo. Basándome en este libro, puedo extraer algo en claro: Steve Alten es un escritor de best-seller y, como tal (en mi opinión), posee unos rasgos típicos y unos defectos pronunciados. Entre esos rasgos se encuentra el gusto por la teatralidad, así como una prosa que, si bien contiene algunos tecnicismos, no es excesivamente compleja de entender. Como defectos pronunciados, podemos decir que muchas veces se pierde en descripciones demasiado largas y, paradójicamente, poco claras, de esas que abstraen al lector más que atraparlo. Otros defectos achacables son lo lejos que queda de auténticos maestros de la escritura y, cómo no, lo tópico de sus personajes principales e, incluso, situaciones. Sobre la documentación para la novela, no me atrevo a pronunciarme mucho: me han dicho que los lugares que describe los trata de maravilla, pero que no es demasiado riguroso a la hora de explicar ciertos hechos. Ahí supongo que ya entra el gusto de cada uno.

Personalmente, pienso que El testamento maya es la típica obra que pasa por la cabeza del lector asiduo sin pena ni gloria. Es cierto que cuenta con una estructura narrativa interesante, una trama poderosamente atractiva si gusta la temática y un comienzo realmente adictivo que se extiende durante 200 páginas. Pero no es menos cierto que huele demasiado a best-seller, achacando los defectos más típicos de estos libros, así como cuenta con muchas páginas insulsas hacia la mitad de la novela, lo cual puede echar a muchos para atrás. Creo que sólo la puedo recomendar si interesa el tema 2012-fin del mundo o bien si uno se ve con fuerzas de enfrentarse a 300 páginas de tedio intermedio.

Crítica de LUNA NUEVA

2009-11-23T20:44:00.001+01:00

A estas alturas de la película, dudo mucho que alguno de los que seguís este blog no esté al tanto del auténtico fenómeno de masas en el que se ha convertido eso que se empeñan en llamar "la saga Crepúsculo". Arropada por la fama de los libros y empujada por el éxito (al menos económico y para parte del público) de su primera adaptación cinematográfica, la maquinaria de marketing se puso en marcha desde hace meses para promocionar esta secuela fílmica, para delicia de los fans. Como era de esperar, el largometraje está cosechando dinero a espuertas, además de críticas dispares.

Como algunos sabréis, un servidor ha leído con gusto los 4 libros que componen la serie literaria, además de haberse visto positivamente sorprendido por su primera incursión en el cine. Pese a ello, creo que tengo el suficiente criterio como para poder juzgar objetivamente estas obras, reconociendo sus fallos, pero alejándome a su vez del fenómeno anti-fan. Con esto, quiero decir que espero no asistir en los comentarios de esta crítica a la típica discusión sobre si Crepúsculo "es para quinceañeras" o no. Confío en el buen juicio que demostráis siempre los habituales y espero que también haga uso de él quien se viera interesado en aportar su opinión. Recordemos una cosa que digo muchas veces: cada uno disfruta con lo que le gusta y no por ello es mejor o peor. Y, sin ser más pesado, doy paso a la crítica xD.

Bella (interpretada por Kristen Stewart) ha alcanzado la mayoría de edad y, pese a sus reticencias, la familia vampírica de los Cullen quiere dar una fiesta en su honor. Cuando abre uno de los regalos, la joven se corta y Jasper (Jackson Rathbone), el más recientemente vegetariano de la familia, no puede soportar el olor de su sangre, lanzándose desesperado por beber el fluido vital de la chica. Gracias a la intervención del aquelarre, la situación se salda sin mayores problemas, pero Edward (Robert Pattinson), pareja de Bella, toma una decisión: es hora de cambiar de lugar, dejando a Bella atrás por (piensa él) su propio bien. Destrozada por la ruptura, pasan los meses sin que salga de un estado terrible de apatía, hasta que su mejor amigo, Jacob (Taylor Lautner), empieza a conseguir animarla...

Como podéis ver, el argumento se encamina a lo que se conoce típicamente por "triángulo amoroso". No hay más misterio, la historia muestra la desesperanza de una ruptura dramática y el resurgir de conocer (o, mejor dicho, conocer mejor) a una nueva persona. Para los que la primera parte les pareció ñoña y estúpida, decir que con esta secuela se van a aterrorizar todavía más. Para el resto, advertir que esta vez se han pasado de la raya: es fiel al libro, pero el film toma un aire de telenovela que no se lo sacude de encima nadie, habiendo momentos ciertamente bochornosos a causa de la conjunción desacertada entre planos y sintonías más propias de cualquier serial nocivo que de un largometraje que se proyecte en cines. Ni yo pude reprimir alguna risa de vez en cuando, dado lo ridículo de algunas escenas.

Tampoco es que el material original (la novela) diera para mucho más: sin lugar a dudas, Luna nueva (en formato literario) es la peor de las cuatro partes de las que se compone la saga. Demasiado introspectiva, demasiado pasiva, demasiado lenta... vicios que tenía la obra original y que, en su fidelidad, ha heredado la producción cinéfila. Quizá aquí se ha echado en falta un poco de riesgo por parte del director, Chris Weitz (quien ya fastidió la adaptación a la gran pantalla de un libro de mucha calidad como es Luces del norte, conocido como La brújula dorada). Quizá algo de variedad, un poco de libertad creativa le hubiera venido bien, por eso de paliar los defectos citados.

Pero, sin duda, el más grande de sus vicios (de nuevo, heredado de la novela) es su tempo: muy tedioso durante la mayor parte de la cinta, sólo se anima con el giro final cuando quedan 20 minutos, además de en algún momento aislado. Antes, situaciones que gustarán a los fans, pero demasiado estáticas y aburridas como para encajar bien en formato fílmico. Olvidaos de todo lo que sabéis sobre la estructura de una obra narrativa (inicio-nudo-desenlace) y su desarrollo: LUNA NUEVA se entretiene hasta la saciedad en eso de inicio y luego corre como una loca hacia el nudo-desenlace, de difícil digestión. Como el libro, vamos (sí, insisto mucho en ello).

A niveles productivos, tenemos una cara y tenemos una cruz, si comparamos con la anterior película. Lo positivo: se deja notar el mayor presupuesto del que ha gozado esta secuela, con unos efectos (elegidos en su justa medida) que están a años luz de la anterior, además de un par de escenas de acción (lástima que no haya alguna más) bastante notables y que hacen augurar un buen nivel en este sentido para la tercera entrega. Por contra, pierde la atmósfera indie y absorbente de la primera cinta, notándose más comercial. Aparte, los lobos y los vampiros se empiezan a ver demasiado... raros, ya sabréis por qué los que la veais.

Para acabar, hablemos un poco de la actuación. Casi todo el peso del film se centra en el triángulo protagonista, por lo que es difícil alabar a algunos secundarios, aunque luego lo haré. Kristen Stewart, una actriz joven e interesante (a mi parecer), peca de artificiosidad, como si su rol estuviera demasiado forzado como para sorprender. Lo mismo puedo decir de Robert Pattinson, poco expresivo (no sólo por el papel) y, en mi opinión, bastante perdido. Gana protagonismo Taylor Lautner (que casi no salía en la primera), pero demuestra lo que ya se intuía: está bastante limitado para las situaciones dramáticas o que requieran un buen nivel intrepretativo. Los secundarios, poco recurrentes, sí están bastante mejor: destaco a Ashley Greene (guapísima, además de jovial en su papel de Alice), a Billy Burke (de lo mejor de ambas películas) como Charlie, padre de Bella, y a Peter Facinelli, que parece que nació para interpretar a Carlisle, soberbio lo poco que aparece. Mención especial también para el (actorazo) Michael Sheen, que demuestra siempre su calidad, ocupe el rol que ocupe.

Poco más que decir. Una película de suficiente, muy limitada por las carencias que ya mostraba la novela y que no ha sabido encontrar soluciones para ello. Pese a ello, tiene algunas cosas buenas, que servirán para la tercera parte, aunque en la balanza ocupan mucho menos espacio que las negativas. Supongo que excelente para los fans y odiada por los antifans, a un servidor le ha dejado muy, muy frío (cosa que ya me esperaba, por otra parte). Abstenerse si no casáis con la temática o con el enfoque.

Esas pequeñas cosas...

2009-11-21T12:50:00.002+01:00

Hoy (tras comprobar que el disco duro de mi sobremesa ha decidido morir), contrariamente a lo que hago los sábados por la mañana (quedarme en casa), he decidido salir a dar una vuelta, empujado por un par de cosas que tenía que hacer. Ni corto ni perezoso, he cogido el coche (el transporte público más cercano a mi casa está a media hora andando, y pasa a intervalos de una o dos horas, además de que cualquier población con tiendas está a 10-15 minutos en coche, mínimo) y me he plantado en uno de esos grandes centros comerciales, ya que tenía que hacer un ingreso bancario y, que yo supiera, sólo la pequeña sucursal de ese lugar estaría abierta en sábado por la mañana.

Después de hacer mi ingreso, la chica que me atendía ha estado más de 5 minutos intentando convencerme de abrir una cuenta con ellos, pese a mis educadas negativas. Como uno suele ser cortés, he aguantando el tirón, pero menuda pesadez xD. Supongo que será su trabajo, pero un no es un no, en cualquier situación. Luego, he sido absorbido por la marabunta de gente que circulaba por el centro comercial a esas horas, teniendo que multiplicar mi tiempo de compra a causa de lo intransitable de los pasillos. Tenía que haberlo supuesto al ver el párking a rebosar de coches ^^u.

A la vuelta a casa, por una de esas casualidades de la vida, he decidido pasar por el kiosko para comprar una revista. Al salir, cojo el coche y me encamino para mi hogar, ligeramente hastiado por la gran cantidad de coches y personas que circulan por las calles a estas horas. Sin embargo, he visto algo en un paso de peatones que me ha hecho sonreír.

Al parar para darle paso a las personas que estaban esperando, veo que éstas no se movían. Se trataba de una madre (sobre la treintena, con la indumentaria de cajera de un supermercado) y su hija (entre 3 y 5 años, supongo, soy muy malo con las edades de los niños). La niña llevaba una mochila con ruedas, y se mostraba obstinada en hacerla rodar bien, pues la llevaba de lado y parece que eso le disgustaba. No he podido evitar sonreír ampliamente al contemplar la escena, mientras esperaba que pasaran. La madre sonreía y me miraba disculpándose, mientras la hija seguía en sus trece intentando hacer rodar bien la cartera. Hace ya más de media hora de eso y todavía sonrío al recordar la situación.

Ya veis, cualquier mínima cosa, aparentemente sin importancia y sin valor, puede convertir un día normalito en un buen día. Y todo gracias a la obstinación de una ricura de niña pequeña xD.

P.D.: ¿Alguien sabe por qué no puedo dejar una línea de espacio entre párrafos, por mucho que lo intente? Creo que mi portátil y Blogger no se llevan nada bien xD.

Recetas de cocina: Croquetas de pollo

2009-11-15T11:54:00.000+01:00

Uf, ahora que me fijo, casi 3 largos meses nos separan de la última receta de cocina que publiqué. ¿Está llegando mi recetario a su fin? Posiblemente no, pero es evidente que mis recetas más socorridas ya han sido publicadas y que ya no cocino tanto como antes, por lo que es normal que la publicación de recetas se vea resentida. Sin embargo, hoy os traigo las instrucciones para realizar un nuevo plato, muy conocido por todos y, creo, valorado por la mayoría como una auténtica delicia si sale bien. Vamos allá:

Croquetas de pollo

La verdad es que las croquetas pre-cocinadas (las congeladas, las de bolsa) no me gustan demasiado, exceptuando alguna marca que consigue que sean algo más buenas. Eso sí, si me pones delante unas buenas croquetas caseras... habrás ganado mi estómago sin ningún tipo de oposición. Adoro las croquetas caseras, sean de lo que sean, tanto de pollo como de jamón o cocido. Para mi desgracia, no he contado con gente de mi entorno que supiera (o quisiera xD) hacerlas, así que, hace unos meses, Cris (a ella también le encantan) y yo decidimos liarnos la manta a la cabeza y aprender por nosotros mismos a hacerlas (las de pollo, con otras no hemos probado xD). Quizá no sea la receta tradicional, habrá algunos que digáis que las croquetas no se hacen así, pero a mí me gusta mucho como nos salen. Como siempre, acepto otras formas de hacerlas y posibles sugerencias mediante los comentarios ;).

Antes de empezar, como es habitual en un servidor, os hablaré un poco de como tomar el plato y de como acompañarlo. Personalmente, pienso que las croquetas son válidas a todas horas (también como tapa, por supuesto), aunque yo prefiero disfrutarlas por la noche, para cenar, cuando seguramente la mayoría estamos ya más relajados y tranquilos. Para acompañar, unas patatas fritas o una buena ensalada son las mejores opciones, aunque hay muchas más, a gusto del consumidor. Para finalizar, huelga decir que es una receta que no pide demasiados ingredientes y no nos saldrá muy cara.

Ingredientes (para 4 personas):

-3 pechugas (o cerca de medio kilo) de pollo picadas
-Sal
-Pimienta (opcional)
-Albahaca (opcional)
-Hierbabuena (opcional)
-Orégano (opcional)

Para la bechamel:
-Medio litro de leche
-Media cebolla (o una entera si es pequeña)
-5 cucharadas de aceite
-4 cucharadas de harina
-Pimienta

Para el rebozado:
-Un huevo
-Pan rallado

Las especias opcionales son, más que nada, para dotar al pollo de un mejor sabor, aunque son del todo prescindibles o, incluso, intercambiables por otras que os gusten más ;).

Contrariamente a lo que mucha gente cree, las croquetas no conllevan muchísimo tiempo de trabajo, aunque sí requieren algunas horas (un par, como mínimo, aunque si son más, mejor) de reposo antes del rebozado, para que se compacte la mezcla y sea más fácil trabajar luego con ellas. Así, con dos o más personas en la cocina se realizará realmente rápido, por el reparto de tareas. Vamos a ello.

Para empezar, cogemos una sartén en la que apreciemos que nos cabe todo el pollo y echamos bastante aceite, poniéndola después en la cocina a un fuego medio. Cuando el aceite esté caliente, echamos el pollo picado (podría ser también a taquitos, aquí cada uno decide) y lo vamos cocinando, sin olvidarnos de añadir sal (algo más que de costumbre, porque luego se mezcla con la "sosa" bechamel) y las especias que decidamos incluir. Aquí lo recomendable es ir poniendo sal y especias poco a poco, hasta que consigamos el punto de gusto que deseemos. Una vez el pollo esté listo, lo echamos en una fuente o recipiente medianamente grande. Si consideramos que los trozos son demasiado grandes, lo podemos desmigar con una paleta o, mismamente, con las manos limpias, por supuesto.

Por otro lado, podemos ir preparando la bechamel. Para ello, rallaremos la cebolla (o la picaremos, como prefiramos), para añadirla en un cazo donde tengamos puestas a fuego medio las 5 cucharadas (justas xD) de aceite. Vamos removiendo la cebolla hasta que se dore, momento en el cual añadiremos al cazo las 4 cucharadas de harina, así a palo seco. Removemos constantemente y, cuando la masa que se forma obtenga un color entre marrón y amarillo fuerte, vertiremos 250 ml de leche. Bajamos a fuego medio-lento y removemos despacio y de forma regular, constantemente. Cuando empiece a espesar, vamos añadiendo más leche, poco a poco, hasta que hayamos puesto otros 250 ml. Como siempre, el truco está en remover despacio, de forma uniforme, con paciencia, hasta que toda la mezcla espese al gusto. No olvidéis añadir pimienta, sal o nuez moscada si os gusta.

Una vez hecha la salsa (también podéis consultar la receta de la lasaña, es la misma bechamel), la incorporamos a la fuente donde está el pollo y mezclamos, de manera que todo quede bien repartido. Ahora es donde debemos dejar reposar esta mezcla durante un par de horas (como mínimo), primero fuera de la nevera hasta que se enfríe y luego dentro del frigorífico.

Cuando haya pasado el tiempo de reposo, podemos afrontar los últimos pasos: rebozar y freír. El rebozado no tiene mucho misterio, aunque sí un truco. Si creéis que la masa es poco consistente y que no lograréis darle la forma sin que se destroce, podéis rebozar primero en un poquito de harina, para que gane en solidez. Si no, directamente podéis empaparla en huevo batido y, después, en pan rallado (más o menos, a gusto de cada uno). Por supuesto, eso lo haréis con la forma de croqueta (o la que queráis y podáis xD) dada, no con toda la mezcla ;). Una vez rebozadas, las freís en abundante aceite hirviendo y listas para comer ^^.

Espero vuestras sugerencias u otras formas de hacer las croquetas en los comentarios, pues de aquí podemos aprender mucho todos ;).

Crítica de JULIE Y JULIA

2009-11-09T22:32:00.000+01:00

Este último viernes, día 6 de noviembre, se estrenaba JULIE Y JULIA, el último trabajo hasta el momento de la popular (de manera merecida, debo añadir) y veterana actriz Meryl Streep. En esta ocasión, se acompaña de una emergente actriz, Amy Adams, para protagonizar un film en clave de cocina basado en dos historias reales. No demasiado publicitada, si olvidamos un tráiler que se empezó a proyectar hace un par de semanas (y en el que se intuían un par de buenos momentos), a un servidor le sorprendió ligeramente encontrarse una sala de cine bastante llena. Veamos si la ocasión bien lo merecía...

Julie Powell (interpretada por Amy Adams) está a punto de cumplir 30 años y parece que no consigue encontrar su lugar en el mundo. Escritora frustrada, se dedica a atender las impertinentes llamadas de los ciudadanos a un organismo público, un trabajo que la desgasta y la hunde en la monotonía. Admiradora ferviente de Julia Child (Meryl Streep), una cocinera que se hizo famosa en los años 50 por su simpatía y habilidad, decide retarse a sí misma: a lo largo de un año, cocinará todas las recetas (más de 500) que se hallan en el famoso libro de la chef, mientras cuenta la experiencia en un blog. ¿Lo conseguirá?

A grandes rasgos, esa es la trama base de JULIE Y JULIA, una historia basada en el argumento de un libro que, a su vez, narra unos sucesos basados en hechos reales. Así pues, este film es una adaptación en toda regla de una novela y, como siempre, es difícil evaluar el resultado conseguido si se desconoce la obra original. Sin embargo, como película, podemos extraer algunas conclusiones. Una de las peores cosas que le pueden pasar a una historia es que no llegue al espectador, que le deje indiferente. Mucho me temo que esta cinta adolece de ese mal: por algún motivo, acaba siendo algo impersonal, quedando lejos de causar alguna reacción duradera en el público, como si la interrelación entre la obra y el respetable fuera muy ligera. Cuando a un argumento le pasa esto, sólo le suele quedar una alternativa: entretener.

Y mucho me temo que JULIE Y JULIA entretiene, pero no tanto como debiera, quizá debido a su ritmo, monótono e incapaz de conseguir momentos culmen, pues su desarrollo parece el de una producción regular y sólida, pero totalmente incapaz de dar el do de pecho en los momentos en los que debería darlo. Es como si su particular tempo fuera una línea casi recta, donde los escasos picos son muy poco pronunciados, es decir, tiene un par de secuencias en las que se tendría que haber puesto más carne en el asador (usando un término relacionado con la cocina xD). Mucho me temo que por estos dos aspectos (historia impersonal y ritmo monótono) se fastidia una buena idea.

Porque buenas intenciones tiene. En lugar de contarnos una sola historia, el largometraje pone en liza dos tramas, cada una en un momento temporal distinto. Así, por una parte, veremos como Julia Child (la cocinera) lucha en los 50 por entrar en una academia de cocina y, después, por lograr sacar a flote su libro de recetas. Por otra parte, Julie Powell (la bloggera xD) intenta cumplir su particular reto, a la vez que aprende de las vivencias que han llegado a sus oídos en esta década de la chef. Ambas historias se intentan salpimentar con toques de humor, algunos buenos, pero escasos a todas luces. Tampoco creo que se pueda considerar un drama, pues no consigue prácticamente ninguna clase de efecto sobre el espectador. Lo dicho, al final queda bastante impersonal.

Por último, tenemos un reparto de lujo pero, en mi opinión, bastante desaprovechado. Meryl Streep está sensacional, como siempre, pero quizá llegue un momento en el que canse su excesiva gesticulación y se le atisbe un poquito de sobreactuación. Amy Adams está correcta, sin fisuras, pero demasiado plana en los momentos dramáticos. A buen nivel se encuentran varios secundarios, con Chris Messina (como el marido de Julie) y Stanley Tucci (como el marido de Julia) a la cabeza, pero sus papeles son tan pequeños comparados con los de las dos protagonistas que, al final, lucen menos de lo que debieran.

En resumen, nos encontramos con un film insípido (siguiendo con términos culinarios), con algunas ideas interesantes en la teoría pero bastante mal llevadas a la práctica, que destaca por su reparto, pero no por sus actuaciones. Una película bastante olvidable, suficiente, pero rápidamente digerible por un espectador al que mantiene bastante impasible durante las dos horas que dura. Poco recomendable, aún teniendo en cuenta el escaso nivel global del resto de películas ahora en cartelera.

Horas bajas

2009-11-07T12:34:00.002+01:00

Un saludo mis estimados (y, últimamente, desatendidos por mi parte) lectores/as. Cuando empecé con este blog, nunca pensé que iba a llegar a alguna situación que me tuviera dos semanas sin actualizar absolutamente nada. No en vano, el mes pasado fue el de menor actividad en Lobo en el lodo por mi parte (5 entradas, el registro mensual más bajo). Ni siquiera en épocas pasadas de exámenes actualicé tan poco ^^u.

Como la mayoría sabréis, ando bastante ocupadillo con el tema de las prácticas laborales, además de que no quiero dejar de lado mi vida social (que sí, que la tengo xD) y otras aficiones que me gustan y llevaba un tiempo sin practicar de forma habitual (principalmente la lectura). Sin embargo, también se han juntado un par de circunstancias: la primera es que no tengo demasiadas ganas de escribir algo relativamente extenso (después de pasar 8 horas al día en las prácticas con el PC, leyendo y escribiendo todo el tiempo prácticamente); la segunda, que no he tenido nada de lo que hablar aquí. Desde mi última entrada, no he ido al cine, y apenas he visto alguna película en casa.

Eso no quiere decir que haya estado totalmente inactivo en la bloggosfera. Hace un tiempo entré a formar parte del equipo de El blog del Jugópata, sitio dirigido por mi buen amigo Dagarin. Allí publico principalmente (de momento, que conste) alguna noticia de vez en cuando, con cosas que me llamen la atención. Así, si tenéis ganas de leerme y os gustan los videojuegos, os invito a pasaros por el blog y pegar un vistazo.

Para los que prefiráis leerme en términos cinéfilos o literarios, no temáis xD. Actualmente estoy inmerso en la lectura de un par de libros (hacía mucho que no leía más de una cosa al mismo tiempo) que bien merecerán sus correspondientes reseñas en Lobo en el lodo. Además, quiero ver algunas películas que están en cartelera y de las que escribiré mi opinión cuando llegue el momento. Por último, cada fin de semana me paso por los blogs habituales y dejo algún que otro comentario, así que tampoco estoy desaparecido del todo ^^.

Con poco más que decir por el momento, me despido, más tranquilo por haber dado noticias mías xD.

Crítica de (500) DÍAS JUNTOS

2009-10-24T15:56:00.000+02:00

Ayer, 23 de octubre, se estrenó en las salas de cine españolas (500) DÍAS JUNTOS o, en su versión original, 500 days of Summer, un título mucho más acertado y acorde con la trama de la película (luego entenderéis por qué). Si os soy sincero, desconocía el film hasta hace unas semanas, cuando mi novia me lo dio a conocer. Sabiendo que pocas películas llaman poderosamente su atención, pensé que sería interesante, y los trailers (también tremendamente equivocados, luego lo explico) acabaron de atraerme lo suficiente como para darle una oportunidad. Os recomiendo seguir leyendo, pues probablemente esta crítica os quite algunos prejuicios sobre este film.

Tom (interpretado por Joseph Gordon-Levitt) es un chico que, desde pequeño, piensa que no puede encontrar la felicidad. Anclado en un trabajo que no le hace sentirse realizado, pasa día tras día de su existencia sin pena ni gloria. Sin embargo, todo cambiará cuando conozca a Summer (Zooey Deschanel), la nueva ayudante de su jefe, una chica aparentemente normal pero que consigue despertar el interés de los hombres con quienes se cruza. Pese a que ella no cree en el amor, ambos comenzarán una relación que les hará madurar... aunque no necesariamente de la forma que ellos creían.

Creo que no os engaño si os digo que la mayoría de las personas que estábamos en la sala de cine ayer por la tarde (más de las que yo pensaba, la verdad, pese a la importante publicidad que ha obtenido por televisión esta producción) esperábamos otra cosa totalmente distinta a la que vimos. Supongo que lo mismo os pasaría a muchos si fuerais a verla: por los trailers televisivos (que abundan, y en horarios de bastante audiencia), parece que nos encontramos ante una típica comedia romántica al uso. Antes de seguir con esta crítica, hago un llamamiento: no os dejéis engañar por esos anuncios, la película NO es una comedia romántica llena de chistes habituales. Imagino que a los espabilados señores que se encargan del marketing les interesa venderla como tal, para ganar en taquilla, pero (y como he leído por la red) (500) DÍAS JUNTOS no merece que tengáis esa percepción tan burda de ella.

Una vez sabemos lo que no es, expliquemos lo que sí es. Alejada del género de la comedia, esta cinta es una película sobre el amor, con alguna pincelada de humor, pero sólo el punto justo para sacar alguna risita aislada al espectador. De esta forma, se quedaría en la clasificación de los films románticos, a secas, sin el componente de comedia tan típico. Pero no os dejéis llevar (de nuevo) por alguna suposición equivocada: tampoco es una de esas obras lacrimógenas y plagadas de momentos dramáticos para buscar la pena del público. Estamos ante un largometraje tímidamente valiente.

Y es que su argumento puede parecer sencillo, típico, demasiado manido y trillado una y otra vez, tanto que ya no nos puede producir ninguna clase de interés. Pero tiene mérito. (500) DÍAS JUNTOS, en una época donde vamos al cine para "escapar" de la realidad mediante la ficción, nos da una buena dosis de realidad anónima, de una historia que le podría pasar a cualquiera (y a buen seguro que muchos se sentirán identificados) y que es tónica habitual en las relaciones de pareja de la vida real. Creo que en ningún momento propone una situación poco creíble ni demasiado ficticia, sino que opta por una visión cotidiana, cercana, algo positiva (pero sin ingenuidad ni artificio) de lo que es el amor y, por supuesto, el desamor.

Montada de forma poco habitual, su desarrollo salta hacia detrás y hacia delante constantemente (sin que por ello sea difícil seguirle el hilo), mostrándonos varios días en esa relación entre sus protagonistas, con una realización simpática y desenfadada para la transición entre escenas. Durante hora y media asistiremos al visionado de días mejores y otros peores, de momentos alegres y de otros horribles, de esperanzas y desilusiones. Lo que pasa en la vida real, sin tapujos, llegando a su punto álgido mediante un excelente monólogo del protagonista, del que la sociedad en general (como mecanismo) debería aprender. Una crítica algo tímida (de ahí lo que he dicho antes de "película tímidamente valiente"), pero que rompe con la concepción de la inmensa parte del género romántico. Y todo eso sin ser maleducada, ni arisca. Así, de esa manera, lo que parecía imposible (que la realidad fuera más interesante que muchas ficciones), no lo es, consiguiendo una cinta entretenida y, hasta cierto punto, didáctica y distinta.

Acompañando a esa trama y a esa propuesta, están una fotografía bastante buena, un montaje original (con algún que otro toque de videoclip, género anterior del director, Marc Webb) y una música reconocible e interesante. Como guinda (y qué guinda), una pareja protagonista que borda sus respectivos papeles, haciéndose perfectamente creíbles y enormemente queridos por el público, acompañados de unos secundarios que no es que desmerezcan, pero que se ven absorbidos por la calidad que desprenden las actuaciones tanto de Joseph (10 razones para odiarte) como de Zooey (Di que sí).

En resumen, una pequeña y apetecible revolución dentro del género romántico, una cinta notable que deja muy buen sabor de boca y sabe ganarse al respetable durante la hora y media que dura. Un ejemplo de que buscar otros caminos a veces puede ser la mejor opción y de que las apariencias (por sus trailers) engañan. Muy recomendable si os gusta el género romántico sin artificio y si queréis ver una película un tanto personal. Seguro que os sentís reflejados en sus protagonistas, por un lado o por otro.

Una de opiniones: LA CRUDA REALIDAD y SI LA COSA FUNCIONA

2009-10-17T18:54:00.000+02:00

Un fin de semana más, una ración más de mis reseñas personales sobre las películas en cartelera que he podido ver a lo largo de los cinco días de entre semana. En esta ocasión, se trata de una cinta que se estrenó hace un par de semanas (Si la cosa funciona) y otra que lo hizo ayer mismo (La cruda realidad). Desde un prisma distinto, ambas abogan por la risa y un tono de comedia para presentarnos sus particulares propuestas. Sin más dilación (mi tiempo apremia últimamente), vamos a ponernos en faena con ellas.

Si la cosa funciona

Whatever works en su título original, es el último trabajo dirigido por el singular Woody Allen hasta la fecha, lo que ya debería dar a más de uno una idea sobre lo que se puede encontrar de optar por su visionado. Entre sus particularidades, cuenta con el regreso del rodaje a Nueva York, después de que el director realizase sus últimas películas lejos de su ciudad-musa (Scoop, Cassandra's Dream y Vicky Cristina Barcelona). Además, es protagonizada por Larry David (conocido actor de series televisivas) y Evan Rachel Wood, joven pero curtida actriz. Con estos mimbres, Woody Allen nos presenta un largometraje que pudiera tener muchas similitudes con su persona y su vida.

Boris Yellnikoff (interpretado por Larry David) es un hombre ya mayor que se considera a sí mismo un auténtico genio, con una visión privilegiada y una inteligencia superior a lo habitual. Detesta prácticamente a todo el resto de la raza humana (a la que considera una especie fallida), además de tener extrañas manías y sufrir ataques de ansiedad de tanto en tanto. En uno de sus últimos ataques, intentó suicidarse, sin éxito, así que su mujer ha decidido dejarle y él se ha ido a vivir solo a Nueva York. Allí conocerá a Melodie (Evan Rachel Wood), una guapa pero simple joven que ha escapado de casa para descubrir mundo. Entre ellos empezará una poco común relación.

Premio al que, sin mucho esfuerzo, encuentre algunos paralelismos entre el personaje de Boris y la persona de Woody Allen, cosa que no creo que sea demasiado difícil. Con un argumento más bien sencillo, el director nos propone un ejercicio de crítica social y entretenimiento, conducido por un personaje inteligente, tanto que parece estar por encima de los demás y que es idóneo para contar esta historia. Sin duda, Larry David está sobrio en su papel, adecuado, y acaba siendo de lo mejor del film, aparte de la mayor fuente de sonrisas que vayáis a encontrar en él.

Para ello, contaremos con sus frases puntuales (como respuesta a una situación argumental) o con sus monólogos, en los que pretende interactuar directamente con el espectador, quedando el desarrollo como "congelado" y estableciendo un vínculo con el público, como pretendiendo su respuesta, reflexión o participación. Mucho me temo que, en algunas ocasiones, no se trata más que de palabrería superflua, que no lleva al aludido a ningún tipo de pensamiento o reacción. Un recurso usado en su medida justa, pero quizá falto de algo en su ejecución, según mi parecer.

El resto del metraje lo completan alocadas historias de amor, diálogos rápidos y (en ocasiones) ingeniosos e hilarantes y una colección de personajes que conseguirán nuestra simpatía fácilmente. Destaca su corta duración (casi no llega a la hora y media), poco habitual en estos días, pero que le sienta como anillo al dedo para no desgastarse y no aburrir al personal.

Pese a ello, nos encontramos ante una obra de suficiente, relativamente entretenida y que sabe disimular muy bien sus carencias apoyándose en una duración más que ajustada, que no cansa demasiado al espectador. En el otro lado de la balanza, se trata de una producción irregular, no especialmente brillante y que, ni mucho menos, destacará entre la filmografía del popular director. Recomiendo sopesar bien si gastarse el dinero o no en la entrada porque, si bien se deja ver, no es ninguna maravilla y puede resultar demasiado justita para algunos.

La cruda realidad

Siendo sincero, un soplo de aire fresco, una de esas comedias (como lo fue Resacón en las Vegas hace unos meses) que, sin llegar a ser una obra cumbre en el género (cosa harto complicada), consigue divertir, entretener y hacer reír con facilidad, sin abusar en demasía de los tópicos y chascarrillos habituales. Proyectada para hace un mes, es una lástima que haya tardado tanto en llegar, pero al fin lo ha hecho.

Abby (interpretada por Katherine Heigl) es productora de televisión, una de esas mujeres acostumbradas al éxito a base de disciplina, rectitud, esfuerzo, sacrificio y poco lugar a la improvisación. Mike (Gerard Butler) es su polo opuesto: descarado, maleducado, poco planificador y mujeriego. Pese a ello, la cadena de televisión donde trabaja Abby ve un filón en él y decide contratarlo como presentador, pese al odio que le profesa la productora. Con una visión poco favorable del amor, Mike irá abriéndose a Abby, al tiempo que la enseña a "cazar" a Colin (Eric Winter), el típico chico diez: guapo, triunfador, inteligente y cariñoso.

A grandes rasgos, esa es la historia que nos propone LA CRUDA REALIDAD, el típico triángulo amoroso en el que cada esquina es diametralmente opuesta a las demás. Pese a lo manido de la trama, acierta en el desarrollo de personajes, haciendo a cada uno de los dos protagonistas (Abby y Mike) perfectamente reconocibles, definidos y hasta carismáticos, con una dedicación mayor de lo que suele ser habitual en otras comedias. Ellos serán realmente los que hagan disfrutar al espectador, más allá de una historia sencilla y ya vista.

Y es que este film cuenta con, posiblemente, la mejor pareja protagonista de comedia que he podido ver a lo largo del año. Especialmente disfrutable Gerard Butler en su papel de pícaro y descarado, que moverá el motor de la cinta incansablemente, con ingeniosas actuaciones y comentarios que harán a más de uno romper a reír a carcajadas sin remedio (hacia tiempo que no veía a una sala de cine reírse tanto como ayer, cuando vi esta película). Este film, lejos de abusar de gags típicos, los reinventa, dándoles un nuevo sentido y conllevando sorpresas en clave de humor que se agradecen en un panorama tan trillado.

Pero no todo podía ser perfecto en esta comedia, ni mucho menos. Como ya he dicho antes, lo tópico de su trama juega en su contra, haciéndola bastante previsible en su desarrollo y conclusión. Además, hay que admitir que la cinta pierde fuelle tras la primera hora, de forma que lo achaca sensiblemente, aunque siga rindiendo a buen nivel.

Sin embargo, ni eso la consigue alejar de ser una de las mejores comedias americanas del año, bastante cerquita del nivel que mostró la anteriormente citada Resacón en las Vegas. Una apuesta segura si se quiere disfrutar de humor sin complicaciones, pero más fresco de lo habitual, y todo un ejemplo de cómo aprovechar a una carismática pareja de actores en buenos papeles humorísticos. De bien alto.

Mis lecturas: La carretera (de Cormac McCarthy)

2009-10-15T22:43:00.000+02:00

Un saludo a todos, mis estimados lectores. En el día de hoy os traigo la reseña de la última obra literaria que he tenido la oportunidad de leer (en mi escaso tiempo libre ^^u): La carretera, de Cormac McCarthy. Si os soy sincero, hace un tiempo que sabía de la existencia de este libro, pero no me atraía excesivamente. Quizá porque se trata de una historia apocalíptica, de esas que, la verdad, no me apetece leer nunca. Cris (que fue quien me lo descubrió) me había interesado por su propuesta (que veremos más adelante), pero no despertaba en mí la atención suficiente como para enfrascarme en sus páginas.

Sin embargo, algo me hizo cambiar de opinión. No sé si estaréis al tanto, pero La carretera ha sido adaptada recientemente al cine, con el gran Viggo Mortensen como protagonista. Los pocos que han podido echarle un ojo hablan maravillas de ella. Para el resto de los mortales (españoles), febrero es nuestra fecha señalada. Estaba prevista para noviembre, pero desconozco los motivos de su retraso. El caso es que fue ver el tráiler (brillante) hace unas semanas y decidir leer el libro antes de que la estrenasen. Esa atmósfera, esa frialdad, esa crudeza... llamaron mi atención lo suficiente como para animarme a darle una oportunidad a la obra original. Sobre ella vamos a hablar en los párrafos siguientes pero, antes, conozcamos un poco más a su autor.

El autor

Debo admitir que nunca antes (hasta hace unos meses) había oído el nombre de Cormac McCarthy, lo que habla muy mal de mí, pues según tengo entendido es un novelista contemporáneo de prestigio, ganador de varios premios (entre ellos, el Pulitzer en el año 2007, precisamente por la obra que hoy nos ocupa). Por lo visto, este hombre ha tenido una vida un tanto peculiar. Nacido en 1933 en Estados Unidos, a los 20 años de edad se alistó en las Fuerzas Armadas durante varios años. Tras ello, se dedicó a la literatura y viajó por Europa. Es curioso, pero en toda su vida sólo ha concedido una entrevista, en la que declaró que odia hablar de literatura. Cuenta con varias novelas en su haber, pero creo que no me equivoco al afirmar que esta última (data de 2006) es su obra más famosa. Al no haberle leído antes, no podría asegurarlo, pero el estilo que muestra (al menos en este libro) es bastante singular. Por supuesto, ahora lo trataremos más detenidamente.

La obra

En un futuro no muy lejano, la Tierra se encuentra completamente sumida en el caos y la desesperanza: los grandes incendios arrasan bosques enteros a su paso, los terremotos y las violentas tormentas están a la orden del día, el aire es prácticamente irrespirable, los animales mueren... y la raza humana se ha visto mermada numéricamente de forma drástica, con los pocos hombres y mujeres que quedan convertidos en seres egoístas, violentos, fríos e impasibles, capaces de las mayores atrocidades que se puedan imaginar. En esta tesitura, un padre viaja con su hijo a través de la carretera, en busca de la costa y del sur del país, donde esperan encontrar una vida mejor. Acompañados sólo por un carrito con sus cosas, pasando penurias, casi siempre sin alimento, siempre en peligro, sin ayuda... ¿conseguirán su objetivo?

Esa es la propuesta argumental que pone en liza La carretera, una historia de marcado carácter apocalíptico y oscuro, llena de desdichas y dificultades para sus protagonistas... pero a la vez esperanzadora y ciertamente tierna, con un padre y un hijo luchando contra los elementos y contra todo en general, solamente guiados por una esperanza quizá vana y un amor mutuo inquebrantable. Puede que no se ambiente en un mundo especialmente original, pero sí resulta un argumento atractivo de inicio, con capacidad suficiente para sorprender en más de una ocasión y mantener al lector en vilo.

Sin embargo, no es una historia al uso, y en esto se debe hacer especial hincapié porque puede no agradar a más de uno. Más que tratarse de la narración de la epopeya de los dos protagonistas, se trata de una especie de diario sin ningún tipo de periodicidad, donde se cuentan las acciones cotidianas de ambos personajes en tercera persona, como si les estuviéramos siguiendo por su periplo. Para que os hagáis una mejor idea de esto, os cuento su principal inconveniente: todo se cuenta con cierto detalle (incluso las comidas o las noches en vela), pero son tantos pequeños hechos de supervivencia habitual (para los protagonistas) que no parece que pase nada realmente grande ni importante, salvo en unas pocas y contadas ocasiones. Esto, al lector impaciente o amante de historias dinámicas, puede darle la sensación de que no pasa nada, de que lleva páginas leyendo y ningún suceso realmente determinante ocurre. He ahí uno de sus hándicaps más importantes y que hay que saber superar para disfrutar de la obra.

Por otro lado, el estilo empleado tampoco es nada convencional. Para empezar, La carretera no se divide en capítulos ni en secciones ni en nada parecido. Todo está distribuido del tirón, únicamente separado por párrafos que en ningún caso superan una página de longitud. Así, el lector decide donde pausar su lectura sin ninguna clase de guía ni señal, algo que no se achaca demasiado a la larga.

Donde sí podemos encontrar algunas dificultades es en otros aspectos estilísticos. Los diálogos, por ejemplo, suelen consistir en un intercambio rápido y breve de líneas cortas, no separadas por guiones y con señalizaciones entremezcladas con lo que se dice, lo que puede resultar un poco caótico (a veces es difícil saber quién dice cada cosa). Tampoco es que abunden demasiado, pues la voz cantante la llevan las descripciones de los hechos (ya que las descripciones de lugares no son muy extensas ni tienen gran peso, aunque sí se muestran suficientes). En este tipo de explicaciones es donde más de uno puede perder la calma: montones de acciones amontonadas, muchas veces sin la separación de comas o con la repetición de conjunciones o fórmulas, como si todo fuera "vomitado" por el autor. Sabemos que es algo pretendido, pero a más de uno puede darle la sensación de "poco profesional". No es la primera vez que me encontraba con una obra de estas características, pero sé que a muchos se les atragantaría y por eso lo comento de forma tan vehemente.

¿Y dónde está realmente el punto fuerte de La carretera? En sus sensaciones, en la grandeza de algunos de sus pasajes. Cormac McCarthy se destapa como un auténtico genio a la hora de tenernos en tensión, temiendo por sus personajes, rezando para que encuentren comida o refugio, suspirando aliviados cuando consiguen que algo les salga bien o vitoreando cuando tienen un golpe de suerte. Es el tipo de novela que, más que leer, vives y sufres. Y eso se agradece mucho en estos tiempos, porque no es fácil conseguirlo.

Además, tiene más de una secuencia donde es capaz de dejar al lector completamente alucinado, sorprendido por la enorme crudeza que puede desprender en ocasiones. Y es que ya os digo que no es una obra fácil de leer ni de digerir, pues contiene escenas no violentas, pero sí macabras, ciertamente desagradables y repulsivas. A mí personalmente me ha gustado que tenga ese punto, pero a más de uno le puede disgustar fácilmente. No es apta para estómagos sensibles.

Al final, nos queda una novela breve (algo más de 200 páginas, pero con grandes espaciados y que se lee en pocos días, incluso dedicándole algún rato aislado), pero intensa a más no poder. Con escenas y secuencias sencillamente grandiosas junto a otras poco recordables, en una mezcla bastante irregular. Sinceramente, es una obra difícil, no por su comprensión, sino por lo crudo de su mensaje y lo particular de su apuesta a nivel de estilo. Si os llama la atención, no lo dudéis. Si no, mejor dejarla pasar. A mí, personalmente, me ha dejado una sensación agridulce.

Crítica de MOON

2009-10-11T14:08:00.000+02:00

Sin hacer ruido, como si quisiera pasar de puntillas, se estrenó MOON este pasado viernes 9 de octubre. Discreta, si la comparamos con el amplio puñado de películas mediáticas que se nos presenta año tras año. No demasiada información, no demasiadas imágenes, pocas críticas sobre ella (para bien o para mal). Parece ser de esas películas que están condenadas a sobrevivir poco más de una o dos semanas en las carteleras de los grandes cines. Sin embargo, un servidor no la olvidará, como lo que es: uno de los mejores films que se han estrenado en lo que va de año. Anímate a descubrirlo en este artículo.

En un futuro no demasiado lejano, una nueva forma de energía ha permitido prescindir de las fuentes energéticas agotables y contaminantes: se trata del calor producido en la cara oculta de la Luna por la acción del Sol. Sam Bell (interpretado por Sam Rockwell) es un astronauta que lleva casi tres años en una base lunar, completamente solo de no ser por la presencia de Gerty (a quien, en la versión original, ponía su voz Kevin Spacey), un robot asistente que le ayuda en todo lo posible. La misión de Sam es controlar que todo esté en orden, enviando las valijas de energía a la Tierra cuando pertoque. Hastiado, el astronauta está cansado de su trabajo y deseoso de volver a casa, cosa que ocurrirá en pocas semanas. Sin embargo, un terrible descubrimiento pondrá su mundo personal del revés...

Debo admitirlo: he dudado si contar algo más del argumento o dejaros con la intriga. A riesgo de que esta crítica quede un poco coja, he optado por la segunda opción: el guión es uno de los puntos fuertes de esta cinta, y no creo que yo deba destripároslo, ni aunque sea un poco. Y es que, ya desde los primeros minutos, MOON se muestra sorprendente y dispuesta a aplicar un par de giros argumentales bien logrados, de esos que enganchan al espectador sin remisión y le obligan a prestar atención, dejándolo anonadado ante la pantalla. Por este motivo, aunque sea una obra un pelín lenta, no se llega a acusar en casi ningún momento (excepto quizá al principio, antes de que todo despegue): uno está lo suficientemente a gusto como para no pensar en el tiempo, cosa que pocas películas consiguen.

Pero es que MOON no es una más de esas producciones que asedian las salas de cine semana tras semana. MOON es distinta, particular, no entra en el juego. Siendo sincero, no parece un film de esta década, ni siquiera de la anterior (de la que, a mi parecer, sólo se puede comparar con la más que notable Gattaca). Debemos transportarnos al cine de ciencia ficción (más concretamente de temática espacial) de los años 70 u 80 para encontrar algo similar de forma natural. Quizá esa nostalgia, ese sabor a clásico, ese minimalismo, con la ausencia de efectos impresionantes o técnicas de cámara sofisticadas, es lo que hace tan especial a este largometraje.

Y si he hablado de minimalismo es porque la película se envuelve en él por los cuatro costados. En un ejercicio de inteligencia poco habitual en la actualidad, el director debutante Duncan Jones (hijo del famoso artista David Bowie) ha optado por la sencillez y la sobriedad para realizar su ópera prima. No sé si ha sido por falta de inversión económica o por gusto, pero ha sido la decisión acertada, el plus y el toque de personalidad que la cinta necesitaba. Pocos actores y prácticamente desconocidos (el más reconocible, Kevin Spacey, sólo presta su voz, mientras que Sam Rockwell, si bien es veterano en este mundillo, no es excesivamente mediático), pocos escenarios, pocos personajes, poco artificio... y, sin embargo, consiguen tantísimo.

Pocas veces se habrá visto aprovechar tan bien unos recursos escasos para conseguir un rendimiento óptimo, os lo aseguro. La cinta hace gala de una gran contención (incluso en algunas grandiosas escenas), se muestra discreta, tranquila, pero todo en ella destila encanto y buen gusto. Desde una música sencilla pero atrayente hasta unos paisajes simples pero muy funcionales, pasando por un buen vestuario, una bonita fotografía y unos pocos actores que rinden muy bien, destacando el protagonista (y otro más, que no quiero desvelar), que conduce el film de forma acertada casi en solitario (además de otro intérprete más que no quiero desvelar por motivos argumentales), en un esfuerzo representativo notable.

Al final, aparecen los créditos sobre fondo negro y se encienden las luces, pero no cabe duda: has asistido al visionado de una buena película, una muy buena película. Un debut casi sin fisuras (si descontamos la lentitud de los primeros compases) para un director joven y prometedor, con muchas posibilidades de hacerse un nombre en el futuro si sigue con productos de esta calidad. Desde luego, yo he disfrutado enormemente. Si queréis algo especial, MOON debería ser vuestra opción. Una cosa más: daros prisa si os interesa, pues no creo que dure mucho en cartelera. A veces, los gustos comerciales no casan del todo con la calidad...

Novedades y opiniones: ¡EL SOPLÓN! y [REC]2

2009-10-04T19:07:00.000+02:00

Pese a lo que algunos estaréis pensando, las prácticas no han sido la razón de mi ausencia de la red de redes durante toda esta semana. El pasado sábado una pastilla de memoria RAM se fue al garete (se notaba que ya tocaba que le pasara algo al PC xD) y me ha privado de poder usar mi máquina durante estos días. Sin embargo, ayer por la mañana pude recuperarlo y ponerme un poco al día (vaya, uno falta una semana por la blogosfera y se pierde un montón de cosas). Habría actualizado algo durante esta semana de haber tenido el ordenador, así que ahora me tocará hacer algo de escritura automática y comentaros las últimas novedades bloggeras para mí, a parte de la opinión que tengo sobre un par de películas que he visto recientemente. Vamos allá.

En primer lugar, me complace el anunciaros que un servidor ha "firmado" (xD) una nueva colaboración. Desde hace un par de semanas colaboro con el compañero Dagarin en su sitio, El blog del jugópata, una de las primeras Páginas amigas que añadí y un blog al que le tengo un especial cariño y que me sirvió de fuerte inspiración para empezar con Lobo en el lodo. Por si alguien no está al tanto, comentar que se trata de un sitio dedicado a los videojuegos (aunque a veces se haga algo de off topic), en el que se aúnan noticias, análisis e impresiones, y artículos de opinión de una calidad importante. Sé que iba a retomar el tema de los videojuegos para mi blog, pero al final no será así: todo lo que escriba sobre ese tema irá a parar al sitio de Dagarin. Ya sabéis que a mí no me va eso de publicar el mismo artículo en dos sitios. Lo que sí creo que haré es crear una especie de "sección" en la columna derecha de Lobo en el lodo, añadiendo enlaces a los artículos más importantes que escriba en El blog del jugópata.

Mi colaboración allí, en principio, se basará en la inclusión de noticias sobre DS y Wii, un hueco poco cubierto por el autor, y que yo conozco bastante bien. Además, me animaré con artículos de opinión de vez en cuando, mucho más personales y espero que interesantes. Para muestra, os dejo con los dos que he escrito hasta el momento: uno sobre DSi y otro sobre el tema de la distribución digital y las microtransacciones en los juegos deportivos. Espero que os gusten.

Además, supongo que quizá alguien se haya percatado de que he añadido un nuevo banner en la columna derecha. Se trata del logo y enlace al Foro de los Jugópatas, foros unidos al blog anteriormente citado y de muy reciente creación. De momento somos muy poquitos los que andamos por allí, pero esperamos que la cosa vaya hacia delante y os vayáis animando a participar en ellos. Os garantizo buen ambiente e interesantes y sanas discusiones. Además, tenéis el aliciente de encontraros algo insólito: a un servidor ejerciendo de moderador en unos foros, lo nunca visto (qué estaré haciendo con mi vida ^^U). Cuidado conmigo, porque puedo ser bastantes duro xD. Bromas aparte, os recomiendo la visita y os invito a participar ;).

Y ahora, vamos con las opiniones sobre las dos películas, breves pero espero que útiles para posibles espectadores. Ambas están actualmente en cartelera y son de lo más destacable que se ha estrenado estados dos últimas semanas, aunque debo decir que no han cumplido mis expectativas de calidad.

¡EL SOPLÓN!

En un principio, no tenía pensado ver el fruto de la última unión (recordemos que ya colaboraron en la saga Ocean's) de Matt Damon con el director Steven Soderbergh. Tras haber visto el tráiler, la propuesta no me llamaba lo suficiente la atención como para darle una oportunidad. Sin embargo, a base de bombardearme con él, la publicidad obró su milagro: decidí echarle un vistazo a ver si merecía la pena. Y mucho me temo que, pese a encontrarme un film aceptable, muy lejos queda de ser una buena película. Me explico.

¡EL SOPLÓN! nos propone seguir la historia de un importante ejecutivo de una poderosa empresa, Marc Whitacre (Matt Damon), que de repente se ve obligado a ejercer de espía para el FBI, debido a las numerosas prácticas ilegales (de momento no demostrables) que está ejerciendo su compañía. Se trata de una historia basada en hechos reales, pero a la que han querido añadir un cierto componente humorístico (imagino) para hacerla más atractiva de cara al público.

El problema es que, pese a poseer dos o tres buenos gags y despertar algunas carcajadas, la cinta no consigue la complicidad necesaria por parte del espectador, debido a lo poco que entra en el campo de la comedia. Prefiere conseguir las risas mediante la presentación de una trama aparentemente seria, aunque plagada de hilaridad, falta de lógica y presencia de mucho absurdo. No son malas bazas para una comedia un tanto distinta (algo así a lo que proponía la notable Quemar después de leer), pero no alcanza lo exigible como para entretener como pretende. Al final, queda una cinta que se hace demasiado larga (pese a durar poco más de hora y media) y algo aburrida en general, incapaz de dar lo mejor de sí misma.

Por el camino, quedan algunos puntos positivos, aunque no consiguen salvar al film de ser sólo suficiente. Con esos puntos me refiero al uso interesante y divertido del monólogo interior del protagonista, a la aparición de algunas líneas de diálogo brillantes, al acompañamiento de una música simpática, que parodia géneros como el western y los largometrajes de espías, o a la correcta actuación de los secundarios (bastante desconocidos en general). Pese a ello, es escasamente recomendable y mucho menos quedará varios días en el recuerdo del espectador.

[REC]2

Otra película que no tenía pensado ver pero que, por empuje de los amigos, acabé visionando. Y eso que [REC] (la primera, no vi el remake americano) me pareció una cinta competente dentro de su género, un cierto soplo de aire fresco y un buen trabajo patrio. Sin embargo, ya intuía yo (y con toda la razón del mundo) que esta secuela no sería más que un producto comercial, con ánimo de hacer billetes y que me quitaría el buen sabor de boca que me dejó la original. Lo que no me esperaba es que cayera tan bajo y se notasen tanto sus carencias.

Argumentalmente, nos propone volver a ese bloque de pisos infectado por algún misterioso mal (ya veréis, ya), situando el comienzo justo 15 minutos después del final de la primera entrega. Un grupo de GEOs del estado entran junto a un misterioso personaje en el edificio, con la intención de encontrar supervivientes y documentar bien todo lo que ha pasado allí. No os quiero contar más, porque si os atrevéis a verla, quiero que "disfrutéis" la desagradable sorpresa que nos guarda la trama, para mi gusto cargándose todo el buen trabajo en ese sentido de la precuela. Ojo, el siguiente párrafo (sólo ese) tiene un par de spoilers.

Perdiendo su identidad de forma notable en el aspecto argumental, derivando en una especie de versión cachonda de El Exorcista (uy, vaya, se me escapó), ya me asqueó por completo. Cuando a media cinta dejan el desarrollo en manos de unos niñatos (no se me ocurre otra forma de llamarlo) y sus peripecias... ahí ya me arrepentí directamente de estar en la sala del cine. Supongo que los señores directores habrán querido tirar un poco de gancho comercial para jóvenes (como si su película de por sí no lo fuera bastante ya) y meter un toque adolescente estúpido fue lo mejor que se les ocurrió. Un error importante, la verdad.

Al margen, nos encontramos con una cinta que tiene un par de puntos débiles notables, para tratarse del género que se trata: el primero es lo confuso en algunas escenas de la "cámara documental", que quizá haga ganar algo de realismo a las secuencias violentas o de acción, pero que se carga (desde mi punto de vista) la espectacularidad y la claridad de lo que vemos. El segundo punto en su contra es lo previsible y poco aterrador de los sustos que encontraremos, mucho mejor conseguidos en la primera parte. De hecho, algunos sustos de aquella repiten ahora, en una muestra importante de falta de originalidad. De los actores, prefiero ni hablar: muy sobreactuados, demasiado como para no causar otra cosa que no sea gracia, en lugar de transmitirnos la tensión que debieran. Y es que, como he leído por ahí, si cuando vas a ver una película de terror (o cercana), lo único que consigue son carcajadas... mal vamos.

Como puntos a favor, contamos con el uso de más de una cámara, lo cual le añade algo más de interés y juego a este elemento, además de una superior (sólo por momentos) realización de la cinta en general. Además, el uso de la luz es bastante correcto. Lo siento, pero no se me ocurren más cosas buenas que decir de este producto excesivamente comercial que, para mi gusto, es poco continuista respecto a una buena primera parte y se mete en terrenos que no le favorecen nada, cargándose toda la tensión que mostraba [REC]. Para mí, no supone una mejora de lo anterior (sino más bien una regresión importante), ni siquiera un punto de vista interesante y distinto. Simplemente supone un film insuficiente, que echa por tierra el buen trabajo anterior por las simples ganas de hacer dinero. Alguien debería reflexionar sobre ello, aunque supongo que el éxito que será en taquilla no les dejará ver más allá.

Opinión de 12 TRAMPAS

2009-09-25T00:33:00.000+02:00

Siguiendo con la buena costumbre de escribir una opinión breve (que no una crítica) de vez en cuando, hoy me he animado a traeros mi valoración subjetiva sobre 12 TRAMPAS, el último largometraje que se ha producido bajo el sello fílmico de la WWE. Para quienes no estén muy al tanto, decir que la WWE es una de las más importantes empresas del panorama de la lucha libre internacional (por no decir la más importante o, al menos, la que más dinero mueve hoy en día), contando en nómina con muchos de los luchadores más reconocidos por el público.

Entre ellos, se encuentra John Cena, varias veces campeón y uno de los showman que más controversia genera entre los espectadores: unos le aman y otros le odian. Hace un par de años se intentó convertirlo en un nuevo Hulk Hogan, aunque hay que decir que, aún siendo famoso, no ha llegado a las cotas del legendario luchador. Sin embargo, sí le ha valido para participar en películas, siendo la que hoy nos ocupa la segunda en la que aparece (tras la regularcilla Persecución Extrema, en versión original The Marine). Como hace un tiempo (tampoco tanto) me aficioné bastante a la lucha libre, siempre estoy atento por si algún luchador sale en algún film, y decidí pegarle un ojo a esta 12 TRAMPAS a ver qué ofrecía y si mejoraba las prestaciones de la primera cinta que protagonizó Cena.

En esta ocasión se nos cuenta la historia de Danny Fisher (interpretado por John Cena), un policía que consigue una de las detenciones más importantes de los últimos años al capturar a un peligroso terrorista, Miles Jackson (Aidan Gillen). Sin embargo, antes de ir a prisión Miles culpa a Danny de la muerte de su novia (que fue atropellada por accidente), cosa que afectará la conciencia del agente de la ley. Un año más tarde, Danny ha sido ascendido, al igual que su compañero (Hank, Brian J. White), pero el primero todavía se encuentra turbado por la defunción de la novia del terrorista. Un día, Molly (Ashley Scott), novia de Danny, es raptada por Miles (que se ha fugado), quien también vuela por los aires la casa y el coche del policía. Ahora, por vengaza, Miles Jackson quiere que Fisher vaya superando pruebas si quiere salvar a sus seres queridos...

Argumentalmente hay que reconocer que no tiene del todo mala pinta, pues presenta el recurso de la superación de diversos retos o pruebas para ir avanzando en la trama. Sin embargo, todo se desmorona cuando, a medida que la cinta avanza, vemos que las pruebas son desafíos sin pies ni cabeza, demasiado convenientes como para resultar creíbles y posibles (aún dentro del universo de la historia) y sin excesivo interés de cara al espectador. Así, poco a poco, la sorpresa inicial irá decayendo y tornándose en un cierto aburrimiento inquietante, al cual no ayuda que la película peque de demasiado larga para lo que es (1 hora y 45 minutos bastante mal llevados). Para colmo, el final es malo con avaricia xD.

Personalmente pensaba que 12 TRAMPAS podría cumplir medianamente bien como cinta de acción. Sí y no. Sí si lo que se busca es una sucesión de secuencias trepidantes, persecuciones, situaciones límite, carreras a contrarreloj y demás. No si lo que se quiere es un film de mamporros y tiros pues, para mí sorpresa, carece absolutamente de estos componentes. Digamos que, entre Thai Dragon y La Roca se quedaría más cerca de la segunda, aunque salvando las distancias (mucho) con estos dos exponentes del género.

Si os gustan las pelis donde el protagonista corre de un lado a otro como pollo sin cabeza, ésta os encantará.

Al final queda un regustillo bastante amargo a "típica película de los sábados por la tarde en Tele5 o Antena 3", sinceramente. Una obra que no fuerza demasiado la máquina en cuanto a tareas productivas y puesta en escena, quedándose en aceptable y poco más en este sentido. Los diálogos y las situaciones tampoco ayudan demasiado, pareciendo absurdas en muchos casos y completamente ridículas. Por el mismo camino van las actuaciones, con gente poco conocida en general y tampoco nada brillantes. Una lástima, pues tampoco hace falta tanto para montar algo aceptable dentro del cine de acción.

En resumen, 12 TRAMPAS empieza de forma prometedora, pero va cayendo en un pozo sin fondo a medida que se desarrolla la trama. El resto de elementos no acompañan demasiado, excepto alguna escena medianamente interesante, así que es poco recomendable, a no ser que se sea muy fan de John Cena. Una película que, tristemente, se queda en insuficiente. Avisados quedáis.

Crítica de MALDITOS BASTARDOS

2009-09-22T00:34:00.000+02:00

Al fin, el pasado 18 de septiembre, los Bastardos hicieron acto de aparición en las salas de cine de nuestro país. A buen seguro, los fans de Tarantino (entre los que me incluyo) estarían comiéndose las uñas; mientras que sus detractores (que también los tiene) estarían con la caña preparada. Y es que este hombre no deja a nadie indiferente: o se lo ama o se lo odia, no suele haber término medio. Algo así creo que pasará con MALDITOS BASTARDOS: muy posiblemente esté destinada a gustar mucho o a gustar bastante poco, dependiendo de cada uno. Sigue leyendo si quieres saber más.

Érase una vez... en una Francia ocupada por los nazis... Con esa frase empieza este particular "cuento". La historia nos sitúa en un universo paralelo, en la década de los 40, en plena Segunda Guerra Mundial. Hans Landa (interpretado por Christoph Waltz), cargo del ejército nazi apodado "El Cazajudíos", se dedica a revisar las granjas francesas, en busca de familias judías ocultas. En una de sus visitas, acaba con la vida de una familia entera, a excepción de la hija, Shosanna (Mélanie Laurent). Tres años más tarde, Shosanna prepara su venganza personal contra los que tanto le arrebataron, aprovechando el estreno de la última película de tono nazi. Por otro lado, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) y sus Bastardos, un grupo de soldados americanos judíos, se dedican a sembrar el terror en las filas alemanas con métodos extremadamente violentos...

La peor pesadilla de los nazis: el teniente Aldo Raine y el "Oso judío"

Antes he dicho que con Tarantino no existe término medio; pues bien, yo amo su cine desmesuradamente. Desde que vi Pulp Fiction pienso que es el mejor director de cine actual y he visto todas y cada una de sus cintas (la mayoría varias veces), a excepción de su primera (y según dicen, pésima) obra. El tito Quentin nunca me ha decepcionado, nunca. Alguna película puede parecerme más floja que sus dos mejores films (para mi gusto, la citada Pulp Fiction y Reservoir Dogs), pero todas, como mínimo, me parecen muy buenas. Con esto quiero decir que será inevitable durante esta crítica que muestre mi pasión por el cineasta. También os anuncio que la valoración final de los Bastardos será muy alta. Sin embargo, intentaré ser objetivo al desglosaros un poco lo que supone este largometraje, para que os podáis hacer una idea de a lo que os atenéis si decidís acercaros al cine a verla.

Primero, conviene decir lo que NO es MALDITOS BASTARDOS. No se trata de una película violenta ni demasiado gore (teniendo en cuenta a lo que nos tiene acostumbrados Tarantino), aunque sí es cierto que estos ingredientes tienen una moderada presencia en el cóctel. Aunque pueda parecerlo, no se puede clasificar dentro del cine bélico, pues no encaja en el género de ninguna manera. Tampoco es un largometraje que se centre en los Bastardos y su teniente, algo que ha parecido sorprender a algunos compañeros. Hago hincapié en esos tres puntos porque no quiero que os llevéis una impresión equivocada del film. Ahora, a hablar de lo que SÍ es MALDITOS BASTARDOS.

Como suele ser habitual en el cine de Quentin Tarantino, nos encontramos ante una película coral, en la que aparecen bastantes personajes y varias historias que, de una forma u otra, encajan hasta completar un todo algo singular. Así pues, los Bastardos sólo son una pequeña parte de esa unidad, aunque den nombre al film. Posiblemente se trate más la historia de venganza de Shosanna, y la mayoría de hechos giren en torno a esa trama. Organizada en 5 capítulos de extensión variable, asistiremos al visionado de diversos fragmentos, hasta llegar a un desenlace múltiple y cohesionado que cerrará el argumento.

Muy en la línea de lo que nos tiene acostumbrados, a veces da la sensación de que, para Quentin, la historia es sólo un recurso más para mostrar lo que de verdad le gusta: diálogos memorables, alguna secuencia explosiva, muchísimas referencias al mundo del cine, algunos fetichismos, personajes carismáticos... De todo eso y más hay en la cinta de los Bastardos. Las líneas de guión quizá no sean las mejores del director, pero es evidente que llevan su sello personal y están muy por encima de la media. Tenemos alguna secuencia de acción (breves y escasas, pero encajan bien). Las referencias abundan, especialmente al cine americano de hace varias décadas, centrándose en el del oeste (atentos a las melodías que suenan a veces xD) o bélico. Sus fetichismos y constantes no fallan, por ejemplo, los pies femeninos y los zapatos.

Los personajes ya son caso aparte. Siempre me pregunto cómo Quentin consigue en la misma cinta tener varios personajes muy carismáticos, perfectamente definidos, llamativos y que se meten enseguida al público en el bolsillo. Empezando por el teniente Aldo Raine (con un Brad Pitt genial en algunas escenas, simplemente hilarante), siguiendo por el Oso Judío (brillante también Eli Roth), Hugo Stiglitz (adecuado Til Schweiger), Bridget von Hammersmark (excelente Diane Kruger)... hasta llegar al mejor personaje y la mejor actuación (pero buena de verdad): el coronel Hans Landa, con un pletórico Christoph Waltz, que da toda una lección de conversación y gestualización.

A partir de ahora, este hombre debería ser un ejemplo de actuación sublime.

Además, la producción cuenta con sus propias particularidades, que le otorgan más personalidad si cabe al típico estilo Tarantino. No será difícil notar un aire visual a películas de hace unas décadas, con unos tonos más apagados y la casi total ausencia de elaborados efectos especiales o técnicas más modernas (excepto un poco de cámara lenta). La música ensalza esa sensación de tradicional o artesano, con melodías de características cuarenteras y que, a veces, encajarían a la perfección en un western. Además, como curiosidad, la película ha sido grabada (y doblada) en varios idiomas: alemán, francés, italiano e inglés (supongo, en este caso español). Esto hace que buena parte del metraje haya que echar un ojo a los subtítulos, pero la ayuda a ganar en autenticidad. Para nada molesto.

Al final, nos queda una película made in Tarantino. Siento hablar tanto del cineasta, pero es que cualquiera que lo conozca y vea esta obra admitirá que se nota a la legua que es él quien la ha dirigido, pues su estilo está presente por doquier. Por eso, es garantía de pasar dos horas y media entretenidísimas, de esas que se te pasan volando y sin que te des cuenta alguna. Como de costumbre, al final suele quedar un fantástico sabor de boca, la sensación de haber visto un film que, si bien no es del agrado de todos, ha sido mimado y detallado hasta el extremo. Quentin hace el cine que a él le gusta, y quizá por eso sea buen director. Luego podrá gustar al espectador o no.

En resumen, MALDITOS BASTARDOS es una cinta de extremos: depende mucho de si te gusta el cine del director o no. Para los que sean fans, ya saben que se encontrarán. Para los que no, es más de lo mismo. Para los que no lo conozcan, que prueben y se decanten de un lado u otro. Quizá no sea la mejor película de Tarantino, pero está muy por encima de la muy criticada Death Proof. En mi caso particular, la recomiendo encarecidamente, una de las mejores del año, y una obra de excelente.

(Sí, he vuelto a cambiar el sistema de valoración, adoptando de nuevo el antiguo. Me parecía desacertado, para mí (después de probar), valorar las películas con un número, así que lo volveré a hacer en una escala de calificativos, donde se puede desde suspender hasta ser excelente o una obra maestra)

Páginas amigas: Immanent God Blues y vidsworld

2009-09-16T20:13:00.000+02:00

Un saludo a todos y todas. Hoy tengo un batiburrillo de asuntos bloggeros que tratar, así que he decidido agruparlos todos bajo la misma entrada. Principalmente, me complazco de poder añadir a mi lista de Páginas amigas a dos nuevos blogs que tienen cosas en común: en ambos se tratan los videojuegos y el cine (entre otras cosas) y cuentan con unos administradores muy agradables al trato, la verdad. Sin embargo, vamos por partes.

En primer lugar, debo decir que es más que probable que comience otro periodo de poca actividad en Lobo en el lodo. Tras haberme pasado el verano libre de casi toda responsabilidad y actualizando a buen ritmo, servidor cree que va a bajar el ritmo durante un largo tiempo, pero no por gusto, sino por obligación. A partir de mañana mismo (snif, snif) empiezo las prácticas de empresa y trabajaré (o vaguearé, ya veremos) 8 horas diarias en horario partido, para más complicación. En fin de semana seguro que actualizaré algo (críticas, seguramente), pero entre semana lo veo más difícil, debido a que no quiero dejar de lado mis demás aficiones (que bastante tienen ya), responsabilidades familiares y sociales y otros proyectos que me traigo entre manos. También puede que pierda algo de presencia en vuestros blogs, aunque intentaré que sea mínimo. La situación se extenderá cerca de 3 meses y luego, ya veremos qué pasará. Claro, que lo mismo estoy siendo demasiado negativo y luego me veis por aquí actualizando como siempre, quién sabe. No obstante, prefiero tomarme lo de bloggear con más calma ahora que obligaciones más importantes para mi futuro ocuparán gran parte de mi tiempo.

Por otro lado, he agregado un banner (el primero que pongo a un sitio externo, creo) en la columna derecha, justo entre el listado de páginas amigas y las etiquetas. Se trata de un simpático gif animado que os enlazará directamente a los Foros de Otakufreaks, lugar que un servidor visita a menudo últimamente. Si os gustan los foros, os recomiendo la visita, pues ahora están despegando (tras un tiempo algo paradillos) y somos varios los que andamos por allí dando la brasa xD. Se puede hablar de videojuegos, cine, cómic, literatura... y cualquier tema que os podáis imaginar. Importante que hay buen rollo y bastante camaradería, siendo muchos bloggers y compañeros. Además, si os gustan los latigazos (una forma de saludo/afecto bastante extendida por allí), encontraréis vuestro paraíso xD. Las gracias se las tenéis que dar al compañero Roy Ramker por montarlos y a Pandora (espero no equivocarme) por haber hecho un banner tan gracioso ^^.

En cuanto a las Páginas amigas prometidas, allá vamos. La primera es Immanent God Blues, capitaneada por el simpático Xesu, un tipo agradable y atento, dispuesto siempre a dar réplica en los comentarios de sus entradas (algo que yo valoro bastante, todo sea dicho). Con un diseño funcional pero vistoso (para mi gusto), nos habla de todo aquello que le gusta: videojuegos, cine, manganime... en unos artículos bien redactados y de lo más interesante. Quizá no haga una crítica de una película o trate un videojuego nada más salir, pero siempre es un gustazo leer sus entradas. Os lo recomiendo encarecidamente.

El segundo sitio que se ha ganado (qué exigente estoy xD) entrar en la sección es vidsworld. En este blog, el compañero Vids (quien también forma parte del equipo de La Gran N) nos habla principalmente de videojuegos nintenderos, aunque también hay sitio para tratar otros temas como el cine. Os recomiendo la visita si no lo conocéis ya para ser testigos de sus buenísimos artículos, muchos de los cuales tratan el presente de la compañía japonesa de videojuegos. Destaca también por su buen sentido del humor y la amabilidad (al menos yo no tengo queja ;P) de la que hace gala. Otra que recomiendo visitar.

Y bueno, eso es todo, amigos. Espero que hayáis podido soportar este tocho y le deis una oportunidad a los sitios de los que he hablado ^^.

Crítica de DISTRICT 9

2009-09-13T22:53:00.000+02:00

Este viernes, 11 de septiembre, se estrenó en las salas de cine de nuestro país DISTRICT 9 (sí, no se sabe por qué no han traducido el título, con lo fácil que era xD). Envuelta en una expectación tremenda, de esa que sólo pueden generar unas pocas cintas al año, nos llega la ópera prima (al menos, en cuanto a largometrajes se refiere) del prometedor director Neill Blomkamp, avalado por el famoso cineasta Peter Jackson en las tareas de productor. Según algunos, "el estreno del año"; para otros, "la mejor película de ciencia ficción desde Blade Runner" (uf..). La realidad nos demuestra una cosa: ni tanto ni tan poco.

Hace unas décadas, una enorme nave nodriza alienígena quedó suspendida sobre la ciudad sudafricana de Johannesburgo. Cuando las clases dirigentes decidieron actuar, tras unos días sin que pasara nada, se encontraron un millón de extraterrestres en precarias condiciones en su interior. Alojados (más bien recluidos y vigilados) en el distrito 9, una amplia zona sobre la que se encuentra suspendida la nave, los "bichos" (como son llamados despectivamente) chocan continuamente con la cultura humana, por la diferencia notable entre especies. Ahora, las tiranteces entre la población sudafricana y los seres de otro planeta son insostenibles, y se ha decidido trasladar a los extraterrestres a otra zona. Sin embargo, no todo son buenas intenciones por parte de la raza humana...

A la hora de criticar DISTRICT 9, os aseguro que no es fácil. Por una parte, hay que tener en cuenta la extraordinaria repercusión que ha tenido este film, todas las expectativas que se han levantado a su alrededor. Por otra, que es una ópera prima, primera incursión de un prometedor cineasta en el mundo de la dirección, con un presupuesto muy inferior a las grandes propuestas del género que nos llegan año tras año. Sin embargo, creo que lo más coherente es trasladaros un intento de opinión objetiva, de lo que ha supuesto para mí esta producción sobre la que tanto se ha hablado en internet.

Podemos empezar por lo evidente: su apartado formal. Es elogiable y encomiable hacer referencia a su apartado visual, desde la óptica de que se trata de un largometraje que ha contado con 10 veces menos presupuesto que "grandes" como Transformers 2. Podría parecer que parte en desventaja, pero nada más lejos de la realidad: el titánico (supongo) esfuerzo que han puesto en esta cinta consigue que, en cuanto a efectos y presencia, se encuentre al nivel de las producciones de altos vuelos. Una increíble labor de optimización de recursos que debería ser ejemplar. Pocas cosas (alguna, pero pocas) hay en DISTRICT 9 que chirríen o resulten demasiado ficticias. Se ha luchado por una cohesión y un realismo totalmente conseguidos. Ni un pero en este aspecto.

Relativo a esto, nos encontramos con uno de los puntos más originales y frescos de esta obra. Hay mucha gente a la que le disgusta el desarrollo "documental" o el "cámara en mano" de films como REC, Cloverfield o Paintball. DISTRICT 9 opta por una solución intermedia, poco frecuente en el cine más comercial y que le sigue aportando esa personalidad tan marcada de ese tipo de cintas: mezcla lo documental (presentando diversos vídeos de archivo, emisiones de noticias, grabaciones de cámaras de seguridad...) con lo cinéfilo (secuencias habituales), logrando un cóctel tan medido y equilibrado que es muy difícil que no guste a alguien, ya sea amante o detractor de este tipo de filmación. Palabra.

Como largometraje de ciencia ficción, más concretamente de alienígenas, satisface y agrada. Partiendo de lo original de su propuesta (de la que hablaremos un poco más abajo), consigue una primera mitad fresca, novedosa, interesante; que contrasta con una segunda mitad bastante más típica y previsible dentro de los cánones del género, aunque no por ello mala. Aunque si algo destaca en este apartado es la tesitura en la que nos mete, dándole un giro de tuerca a lo habitual: alejándose del abuso de la acción o de lo típico en las películas de extraterrestres, ésta nos presenta un tema de fondo, una constante que nos habla de racismo, hostilidad, miedo e intereses económicos (como casi todo en este mundo). Un elemento bien añadido, que no se sobreexplota y que nos puede hacer pensar un poquito en cosas que nunca hubiéramos cavilado viendo una cinta de este tipo. Aparte, quien quiera algo de acción (sin pasarse) y armas increíbles (ojito al guiño a los amantes de los mechas o robots grandes) va a tener su ración correspondiente.

Argumentalmente, lo que os he puesto al principio de la crítica sólo era un mínimo esbozo (no hay que estropear ninguna posible sorpresa) de todo lo que pasa en DISTRICT 9. El largometraje cuenta con un par de giros de trama bastante interesantes y prometedores, aunque se desinfla hacia el final haciéndose bastante previsible y, en cierto sentido, demasiado típica (no sé si hubo alguna presión a este nivel). Lo que no se puede negar es que, al menos al principio, lucha todo lo posible contra los estereotipos establecidos: los seres no llegan a Estados Unidos, sino a Sudáfrica; no son hostiles ni amigables, parece que les da un poco igual; ni invaden ni se van; coexisten... Cositas nuevas que sientan bien. A nivel de ritmo, puede que se haga pelín (sólo un pelín) larguilla de más, teniendo en cuenta que sólo dura una hora y tres cuartos, lo cual no es mucho para lo que estamos acostumbrados a ver. Quizá un poco de recorte en alguna escena le hubiera venido de maravilla.

A nivel de actuación, es difícil evaluarla, porque DISTRICT 9 no cuenta con interpretaciones muy extensas (exceptuando el protagonista y el antagonista, quizá). Predominan más los "bichos", de aspecto langostinoide (a mi parecer), amantes de la comida de gatos y bien recreados en general, creíbles y hasta carismáticos, cada uno con su propia personalidad, pese a lo similar de su aspecto. Os llegaréis a encariñar de ellos. En cuanto a los humanos, la mayoría desconocidos para el gran público (y para el no tan gran). Pequeñas apariciones a buen nivel, destacando, cómo no, Shartlo Copley en el papel principal. Buena actuación por su parte, aunque no tan excelente como había oído. Eso sí, regala escenas de una habilidad interpretativa alta.

En resumen, DISTRICT 9 es una magnífica propuesta dentro de la ciencia ficción, una película que demuestra una calidad excelente con un presupuesto minúsculo en comparación con otras obras y contando con ideas frescas y positivas. No exenta de algún que otro defecto, se trata de una apuesta segura ahora mismo. Quizá no sea el estreno del año (en mi opinión) y quede algún escalón por debajo de la mítica Blade Runner, pero es muy difícil que no guste. Neill Blomkamp ha comenzado con buen pie. Recomendada.

Valoración: 4 / 5

Crítica de ¿QUÉ LES PASA A LOS HOMBRES?

2009-09-11T13:19:00.002+02:00

¿QUÉ LES PASA A LOS HOMBRES? se estrenó el pasado 3 de septiembre, vio y venció, siendo la película más taquillera del fin de semana con mucha diferencia (aunque tampoco es que tuviera excesiva competencia, a decir verdad). Nada extraño si atenemos a que se trata de una típica comedia romántica que cuenta con Ben Affleck, Jennifer Aniston, Drew Barrymore y Scarlett Johansson en su reparto, entre otros populares actores. Un momento... ¿dije típica comedia romántica antes? Borrad eso de vuestros pensamientos antes de seguir leyendo. Descubre por qué este film se desmarca de todo lo que conocemos como "típica comedia romántica".

Esta película, realmente, no cuenta con una trama al uso, sino que bebe de las fuentes de la comedia romántica italiana de los últimos tiempos (con casos como Manuale d'amore o Ex) y presenta un conjunto de pequeñas historias, todas independientes pero conectadas entre sí por algún nexo común. Así, partimos de Gigi (interpretada por Ginnifer Goodwin), una romántica empedernida e inocente, que fracasa con todas sus citas para ir conociendo las demás tramas: Neil (Ben Affleck) y Beth (Jennifer Aniston), una pareja que llevan 7 años juntos pero no casados, porque él no cree en el matrimonio pese a lo mucho que a ella le gustaría; Janine (Jennifer Connelly) y Ben (Bradley Cooper), casados desde hace años pero estancados, sin manera aparente de salvar su relación; así, Ben acudirá a Anna (Scarlett Johansson), una bella joven que juega con los sentimientos de Conor (Kevin Connolly) a voluntad y cuya amiga Mary (Drew Barrymore) acumula un fracaso tras otro en las relaciones por internet. De fondo, Alex (Justin Long) ayudará a Gigi, cobrando cada vez más importancia para ésta.

Tras ese croquis, quizá complicado y lioso, os aseguro que se esconde un argumento múltiple sencillo, fácil de seguir sin problemas pese a los diversos personajes presentes, posiblemente por el buen trabajo a la hora de caracterizarlos a todos y dotarlos de un carisma y una personalidad propios y bien definidos. Por contra, mientras que los caracteres se hacen de querer casi desde el primer momento, la historia (en general, englobando todas las pequeñas tramas) es bastante simple y, sobretodo, previsible, a pesar de buscar finales más realistas que efectistas (aunque al fin y al cabo caiga en los tópicos), en su primer alejamiento de lo habitual en el género. Además, peca de hacerse un poco larga, pues notaremos la sobra de alguna que otra escena en sus 2 horas de metraje.

A la hora de la verdad, ¿QUÉ LES PASA A LOS HOMBRES? no se podría englobar (en mi opinión) en la clasificación de comedia romántica, simplemente porque no lo es. Corresponde más bien a la película romántica tipo (aunque multi-historia), centrada en el amor y las relaciones entre personajes y dejando bastante de lado la parte humorística: apenas encontraréis gags o situaciones graciosas en esta cinta, salvo alguna frase aislada o escena que os recuerde a momentos un tanto vergonzosos de vuestra vida. Donde sí busca ese sentido del humor es en el comienzo de cada capítulo (está dividida, ligeramente, en unos cuantos episodios diferenciados por un título), presentando declaraciones ficticias de gente hablando de sus problemas amorosos, algunos de ellos hilarantes.

Y es que este largometraje busca la identificación del espectador con los personajes y con la historia (sobretodo del público femenino, pero no por ello es excluyente para los hombres). La producción pretende actuar a modo de sátira, de obra anti-romántica y realista, exagerando un poco los diversos marcos relacionales pero, al final, resultando razonablemente fiel con lo que puede pasar en la vida real (repito, obviando algunas conclusiones). Será difícil que quien vaya a verla no se vea reflejado en tal o cual historia, o en tal o cual momento de las mismas, una o más veces. Además, pretende incluir una cierta moraleja o enseñanza, aunque demasiado obvia como para que alguien con sentido común pueda descubrirla a estas alturas.

Uno de sus puntos fuertes debería ser la interpretación, y aquí tenemos un "sí y no". Es evidente que la producción se ha rodeado de actores y actrices muy populares actualmente y que conocen bien el género romántico en su mayoría, así que juegan sobre seguro. Todos lo hacen razonablemente bien, cumpliendo sin problemas (excepto las sobreactuaciones de algún momento), aunque ninguno se encuentra ante su mejor actuación ni de lejos. Quizá destaquen Ben Affleck, Justin Long y Ginnifer Goodwin sobre los demás, pero es un apartado más sólido y regular que destacable.

En resumen, ¿QUÉ LES PASA A LOS HOMBRES? es un film romántico que sorprende ligeramente por desmarcarse de la comedia y utilizar fórmulas poco comunes en Hollywood (aunque sí en Europa), además de la facilidad de identificación con el espectador y su intención "educativa". Sin embargo, flojea en aspectos como el ritmo narrativo o la previsibilidad de sus tramas. Entretenida, adecuada para verla en pareja, aunque tampoco memorable.

Valoración: 2,5 / 5 (con opción de subirle medio punto si gustan este tipo de películas xD)

Crítica de GAMER

2009-09-09T13:18:00.000+02:00

GAMER se estrenó en España el pasado viernes 4 de septiembre y, si os soy sincero, tenía bastantes ganas de verla. Vilipendiada por la crítica (por lo que yo he visto) y ensalzada en gran parte por el público, esperaba que el film llenase ese vacío de acción sin muchas más pretensiones que llevo queriendo satisfacer desde hace unos meses sin éxito (al menos, en lo que a estrenos se refiere). Dirigida por Mark Neveldine y Brian Taylor (ambos se encargaron de Crank) y protagonizada por Gerard Butler (300) y Michael C. Hall (de la popular serie Dexter), la cinta es un producto que, por lo que parece, se ama o se odia. Sigue leyendo si quieres saber de que lado he caído yo.

En un futuro más o menos próximo, la tecnología en general y la informática en particular han evolucionado tanto que es posible que los jugadores, en lugar de manejar a simples personajes en los juegos, controlen a personas reales. Mucha culpa de estos avances tiene la compañía Castle, presidida por el excéntrico multimillonario Ken Castle (interpretado por Michael C. Hall). Primero, triunfó absolutamente con Society, un entorno de simulación (al estilo Second Life o Home) que permitía controlar a una persona real en lugar de a un avatar o personaje, para dar rienda suelta a todos nuestros deseos, fuesen cuales fuesen. Ahora, ha ido un paso más allá: en colaboración con el sistema penitenciario de los Estados Unidos, ha lanzado Slayers, un salvaje juego de disparos donde los personajes son reos condenados al corredor de la muerte, con la promesa de que quien llegue a las 30 batallas vivo conseguirá su libertad. Kable (Gerard Butler) está muy cerca de obtenerla, siendo el icono del videojuego y un ídolo de masas en todo el mundo: nadie ha llegado más lejos que él hacia la libertad. Sin embargo, todo dependerá del joven Simon (Logan Lerman), persona que maneja a Kable.

Que levante la mano quien haya leído el último párrafo y, como mínimo, no haya visto similitudes con un par de películas (o videojuegos) más en cuanto a su propuesta. Tecnología súper avanzada, informática casi real, multimillonarios sin muchos escrúpulos, sistemas penitenciarios salvajes, niños manejando a hombres despiadados... Todo elemento argumental de GAMER tiene su réplica en otro film o videojuego, sin excepción alguna. Personalmente, creo que a nivel de trama se asemeja bastante a Death Race (tanto la original como su remake). No obstante, las referencias son muchísimas. Estamos de acuerdo en que no nos hallamos ante un producto original en este sentido, pues toma múltiples elementos de otras producciones y los aúna en el mismo paquete. Entonces, ¿por qué funciona tan bien?

Precisamente por ese paquete, me atrevería a decir. Pese a la mezcla de partes poco originales, esta cinta las junta con cierto sentido y, sobretodo, pone a su servicio un apartado estético-visual bastante atractivo y, sobretodo, lleno de dinamismo (no podía ser menos viniendo de los directores de Crank). La ambientación me ha parecido sobresaliente, presentándonos un futuro (no muy lejano) plagado de alta tecnología, con ordenadores con los que se puede interactuar casi por completo (al estilo de lo que quiere conseguir Project Natal), pero conservando unas trazas de la actualidad en su paisaje, aunque evidentemente en receso y decadencia. Choca lo aséptico de las casas, oficinas, empresas... con lo sucio y anticuado de los pocos rebeldes que se oponen al sistema (como en Matrix, por ejemplo). No es un marco original, no es fresco, pero sí está bien conseguido y presentado.

Y si hablo de puesta en escena a nivel visual, no puedo dejar de referirme también a la acción, que está bastante presente en el film (aunque bien equilibrada con el desarrollo de la historia). Crank no gustó a muchos por el abuso casi sin límite del dinamismo, la excesiva rapidez y la estética videoclip que ofrecía (aunque todo esto a otros les encantó). Aquí hay más de lo mismo, aunque moderando los elementos para conseguir un cóctel más fácilmente digerible por el espectador medio. Así pues, se combinan escenas de acción al más puro estilo Gears of War (cuando se juega a Slayers), con otras más propias de las películas de disparos y tortas (cuando se traslada al mundo "real"). Incluso se perciben ciertas reminiscencias a 300 (especialmente en algunas veces que utiliza la cámara lenta). Lo que está fuera de toda duda es la espectacularidad y brutalidad en muchas ocasiones de las secuencias, que creo harán las delicias de todo aquel que busque acción de la buena, conseguida estéticamente y rehuyendo (salvo en contadas ocasiones) del mareo, la confusión y el abuso del "tiempo bala".

Os aseguro que está es una de las escenas de acción más tranquilitas del film.

Acompañando a la ambientación y la acción, están los siempre bienvenidos factores de producción. Si hay uno que me haya gustado especialmente, ha sido la música: la cinta utiliza un par de canciones de sobras conocidas por todos (como un cover de Sweet Dreams), pero versionadas adecuándolas a la personalidad del film, resultando pegadizas y muy adecuadas. Los efectos también corresponden, resultando cumplidores y, en ocasiones, notables. El vestuario es otro punto donde se ha puesto bastante atención, con modelitos de lo más extraño (ojo a las cosas que veréis en Society), pero que casan con la ambientación requerida. A esa ambientación ayudan también los escenarios, claramente inspirados en diversos videojuegos (especialmente shooters).

Ejemplo de discoteca en Society. Miedo me da.

Ya para acabar, es de recibo hablar de los actores, uno de los mayores reclamos del largometraje (imagino). Ahí tenemos a un Gerard Butler que abandona un poco la faceta romántica y comédica de otros films y vuelve a un registro de acción como en la cinta de los espartanos, donde sabemos que cumple sin problemas. Como contraposición al héroe, un Michael C. Hall (poco pródigo en el cine) que borda su papel de multimillonario excéntrico y algo ido, brindando algunas escenas memorables. Como secundarios, gente a buen nivel y conocedora del género como el popular John Leguizamo, el heroico Milo Ventimiglia (que regala una satírica escena para recordar), Amber Valletta, Chris Bridges (más conocido como Ludacris, el rapero americano, que ya apareció en Rocknrolla, entre otras) o Logan Lerman, chaval que ya interpretó buenos papeles en El Número 23 o El tren de las 3:10.

Imagen del duelo interpretativo (y argumental) entre Butler y Michael C. Hall

En resumen, GAMER quizá no es nada original y sí muy previsible, pero sabe presentar su producto de una forma notable y sabrá satisfacer sin problemas a los que busquen acción directa y dinámica. Plagada de guiños y referencias a otras películas y videojuegos (incluso una a Metal Slug, entre otras), quizá esté orientada a un público más reducido de lo convencional, que sepa apreciar dicha estética y detalles. Dadle una oportunidad si os atrae la ambientación, la propuesta o queréis disfrutar de una de las películas de acción más redondas que han estrenado este año (en mi humilde opinión).

Valoración: 3,5 / 5

MEME BBQ a la canción del verano

2009-09-04T16:14:00.002+02:00

A veces, puede que incluso yo mismo lo olvide, pero Lobo en el lodo también cuenta con la música entre la temática a tratar xD. Por eso, me alegra recibir iniciativas como la que comparte con un servidor el siempre simpático Maeglin, del Patio de los Senescales, a través de esta entrada. Se trata del MEME BBQ a la canción del verano, el cual me dispongo a cumplir a continuación. Iré paso por paso (pues contiene instrucciones), dando una explicación de por qué elijo tal o cual canción en cada apartado. Allá vamos:

1. Elegir la que a vuestro juicio ha sido la canción del verano 2009.

He estado muy tentando de poner la misma canción que Maeglin, pues me gusta mucho y creo que representa muy bien el espíritu del verano pero, al final, no he querido ser repetitivo y he optado por otra que también ha pegado fuerte estos meses: Alesha Dixon con The boy does nothing.

Mira que, no sé por qué motivo, la chica no me cae demasiado bien y la canción por momentos me parecía algo estúpida, pero he estado todo el verano dando la murga con su estribillo (a mi manera, claro ^^u).

2. Destacar la canción que más haya representado o más os evoque de vuestro verano personal

Aquí, porque yo lo valgo (xD), he decidido no poner una canción, sino dos. Ambas son del mismo artista (el rapero Nach) y del mismo disco (Un día en Suburbia, un pedazo de disco del que debería hablar alguna vez en este blog). Para colmo, hasta vienen seguidas en el tracklist del compacto xD. Aquí la primera, Los años luz (con la colaboración de Diana Feria):

La elijo porque es una canción que a mí me pone de lo más alegre, y este verano la habré escuchado decenas de veces. Quedaos con este fraseo: "Práctico la alegría y no es un capricho cualquiera: un día descubrí que cuanto más la gastas, más te queda". Qué palabras más acertadas, sin duda.

La segunda canción es Anochece:

Por contra, esta otra canción me gusta escucharla cuando estoy un poco decaído y necesito algo que me dé fuerzas. Este verano he tenido algunos momentos un poco difíciles y siempre he podido confiar en los versos que nos regala para soltar algunas lágrimas y reforzarme para seguir adelante. Una muestra de poesía excelente, sin duda. Quedaos con las palabras del final: ¿quién no se ha sentido alguna vez así?

3. Señalar la canción más odiosa de este verano de este verano 2009

Para esta sección no puedo evitar imitar a Maeglin: qué tremendo asco me daba cada vez que oía la canción Colgando en tus manos de Baute con Marta Sánchez en la radio. Como él, supongo que todos la conoceréis, así que no la pongo xD.

4. Citar de quién recibís el MEME y elegir cinco blogs que, por lazos de amistad o por buen gusto musical, os apetezca que lo realicen

Arriba podéis encontrar quién me lo ha pasado. Yo lo traspaso a los siguientes bloggers, por si quieren hacerlo (no os sintáis obligados a ello xD):

-Okubo de El Lagarto Hipotético
-Dids de El 8º pasajero
-Crowley de TENGO BOCA Y NO PUEDO GRITAR
-Roy Ramker de Otakufreaks
-Scope131 de Soy un Jugón

Joyas en descarga: LostWinds

2009-09-02T03:12:00.000+02:00

Hoy os quiero presentar una nueva sección: Joyas en descarga. Al parecer ser (ni yo mismo lo podría asegurar con absoluta certeza ^^'), ha venido para quedarse, aunque tendrá una periodicidad irregular (dependerá en mucho del ritmo con el que me descargue nuevos títulos), como es costumbre en todas las secciones del blog. Con esta, quiero recuperar los videojuegos como una de las temáticas de Lobo en el lodo (y a ver si poco a poco van ganando más protagonismo) y acercaros a un fenómeno que se ha puesto muy de moda en esta última generación de consolas: los juegos descargables.

Por juego descargable me refiero a aquellos que se pueden adquirir mediante las distintas plataformas de descarga que nos ofrece cada consola: el Bazar de XBox Live (en el caso de XBox 360), la PSNetwork (en el caso de PS3 y PSP), Canal Tienda (con WiiWare y Consola Virtual, en el caso de Wii) o DSiWare (en el caso de Nintendo DSi). En principio, sólo aparecerán por aquí títulos de WiiWare, Consola Virtual o DSiWare, pues sólo tengo Wii y DSi, pero es posible que la cosa cambie en unos meses. Además, trataré tanto juegos exclusivos y creados para esos sistemas, como productos antiguos (o retro) que se relancen dentro de las plataformas de descarga. Por supuesto, no tienen por qué ser de salida reciente: el que trataremos hoy salió hace más de un año. Lo importante para estar en esta sección es que los juegos descargables tengan una calidad, como mínimo, notable. Así pues, vamos con el primer integrante de esta nueva sección.

LostWinds

Aspectos a conocer antes de la compra

LostWinds es un videojuego creado por la desarrolladora Frontier, estudio británico conocido por obras como la saga RollerCoaster Tycoon, Thrillville o un par de títulos basados en Wallace and Gromit. Sin embargo, podríamos decir que el producto que hoy nos ocupa ha sido el que mayor repercusión ha tenido a nivel publicitario de un tiempo a esta parte. No en vano, apareció el 20 de mayo de 2008, siendo el primer gran (en términos de calidad) título para WiiWare. Después han venido otros videojuegos excelentes, pero es indiscutible que LostWinds estrenó WiiWare con una obra de alto nivel. Al otro lado de la balanza, es también tristemente conocido por durar unas 3 horas, cosa que trataremos en el análisis en profundidad. En cuanto a su precio, se puede obtener por 1000 Nintendo Points, lo que viene a ser unos 10 € al cambio. También habría que añadir que hace poco se anunció una secuela, para la misma plataforma de descarga, algo que ya estaba cantado atendiendo al final del primero.

Análisis

Mucho se ha hablado de LostWinds, y de si merece la pena su descarga, pagando 10 € por un título que sólo va a durar 3 horas. También se ha dicho que ha sentado precedente en WiiWare, siendo un juego de calidad y con un sistema que ha influenciado a otras obras posteriores (como NyxQuest, anteriormente conocido como Icarian). Más de un año después de su salida, y habiéndolo disfrutado al completo (lo que da de sí), me gustaría arrojar un poco de luz sobre lo que ofrece realmente este producto, para ayudaros un poco (a los indecisos) a decidir si haceros con él, así como darlo a conocer a quienes no lo conozcan.

El título nos pone en el pellejo de Toku, un jovenzuelo algo despistado y curioso, que un buen día se queda dormido a la sombra de un árbol. Sin saber la que le espera, pero atraído por una fuerza invisible y casi por casualidad, Toku libera a Enril, el espíritu del viento, que se encontraba cautiva (pues es femenino) desde que antaño se enfrentara al temible Balasar. Con la ayuda del resto de espíritus, Enril consiguió atrapar a Balasar y sellarlo, no sin perder su libertad en el proceso. Ahora, la terrible amenaza se ha liberado de su cautiverio, con lo que Enril ha elegido a Toku para proteger el mundo de Mistralis del poderoso demonio.

Como podéis comprobar, la historia que se nos presenta no es excesivamente complicada, así como tampoco original: la misma historia heroica que hemos visto una y otra vez, con un demonio sellado que se ha liberado y amenaza con conquistar el mundo. Sin embargo, lo primero que nos sorprenderá es la forma de contarla: bellas imágenes estáticas, a modo de pintura artística en un lienzo, nos pondrán en situación, acompañadas por subtítulos, con un tono de fantasía épica importante. Y es que, uno de los puntos más fuertes de LostWinds, está en su plano artístico.

Visualmente, el juego es una maravilla, más si tenemos en cuenta la limitación de espacio que restringe los títulos de WiiWare. LostWinds nos presenta un apartado gráfico excelente, lleno de colores que cobran vida y se mezclan, creando unos pasajes naturales que dejarán prendado a más de uno, con bellos entornos repletos de árboles, plantas, cascadas... En contraposición a las cavernas presentes, más oscuras y siniestras, pero igualmente dignas de verse. Os aseguro que es un auténtico placer ver como los chicos de Frontier han dotado de una personalidad importante al título a través de sus gráficos, predominando un magnífico apartado artístico, que explota lo que da de sí el servicio, a pesar de la ya citada restricción.

Una muestra de su virtuosismo gráfico.

Pero si los entornos ya dejan a uno anonadado, mejor es cuando se comprueba que muchos elementos responden a nuestras acciones. Así, las norias de agua se moverán si las impulsamos con la fuerza del viento, así como los molinos, los arbustos... Incluso los personajes que encontremos u objetos tales como piedras, plantas o frutos pueden ser empujados a voluntad, lo cual da mucho juego a la hora de enfrentarse a los puzzles (que luego trataremos). Los efectos de luz y partículas (agua que cae, fuego, hojas que se desprenden...) también están muy conseguidos, a pesar de ser poco realistas, pues tienden más a un aspecto dibujado que les sienta de maravilla. Es un gusto ver una columna de fuego que nosotros mismos estamos dirigiendo contra nuestros enemigos.

En el apartado jugable, LostWinds supuso una evolución notable, una manera de hacer juegos de plataformas y puzzles nunca antes vista en Wii, y que ha sido (y será) clave para obras de desarrollo posterior. Con el stick analógico del Nunchuk moveremos a Toku, mientras que Z se emplea para acciones contextuales (agarrar un objeto o interruptor, comer un fruto...). El WiiMote se ha dedicado por completo al manejo de Enril, el espíritu del viento. El puntero (que aparece en pantalla como un símbolo) representa a dicho espíritu. Si lo movemos, una suave brisa azuzará el escenario. Si dejamos pulsado A, movemos el puntero y soltamos, una ráfaga intensa de viento irá en la dirección y lugar marcados. Si dejamos pulsado B, movemos y soltamos, empujaremos un objeto (una piedra, fuego, agua...) en la trayectoria marcada. Con esas acciones controlamos todo.

El objetivo es mover a Toku, hacerlo avanzar por un gran mapeado, que se divide en varias secciones pero no en fases (al estilo de los Metroid o los Castlevania, quienes los conozcan me entenderán enseguida). Todo está ahí desde el principio, pero no podremos acceder a según qué sitios hasta que no obtengamos tal habilidad o poder antes. Debido a esto, el desarrollo de juego está bastante dirigido, pues podemos explorar, pero las habilidades que tengamos sólo nos permitirán avanzar hacia el siguiente poder necesario para seguir avanzando, y así sucesivamente. Pensando en las mejoras en los trajes de Samus o en las habilidades de los protagonistas de Castlevania y lo entenderéis.

Generalmente, la cosa es bastante sencilla: vamos a tal punto, hablamos con Deo (un importante personaje en la historia) y éste nos dirá adonde debemos encaminarnos. Obtenemos tal poder o tal cosa importante para el argumento y volvemos a él, que nos dirá de nuevo a dónde ir. Puede parecer algo aburrido, pero os aseguro que el ritmo está tremendamente conseguido, con lo que no se hace tedioso en absoluto. Además, es más que probable que esos escenarios os empujen a echar un vistazo, a desviarse (pues suele haber un par de caminos o tres) y pegar un ojo por lo que pudiera haber por ahí.

Y aquí es donde entran en juego los ídolos. Se trata de 24 objetos coleccionables, que no sirven para nada, pero pretenden alargar la vida del juego. Algunos se consiguen a medida que avanzas, te los encuentras, pero otros están más escondidos o nos ponen antes los puzzles más complicados para conseguirlos. Sin embargo, su consecución no alarga en exceso la vida útil del título, que se establece en algo más de tres horas, explorando bien y consiguiendo todos los ídolos. Una vez superado el juego, no hay otro modo de dificultad, ni ninguna razón para rejugarlo si hemos conseguido todas estas piezas coleccionables. Es cierto que se puede jugar a dos jugadores cooperanado, manejando uno a Toku y otro a Enril, pero poco más ofrece en este sentido.

Si os preguntáis por los enemigos, lo cierto es que hay pocos, muy pocos, y no son excesivamente molestos. Se pueden eliminar fácilmente a base de ráfagas, fuego o piedras, y no dificultan demasiado el avance, pues LostWinds no es un juego donde la violencia aparezca, ni mínimamente. Donde sí puede haber algo más de complicación es en los rompecabezas que propone la aventura, aunque son bastante accesibles en general, incluso para gente poco avezada a esta clase de juegos. Suelen consistir en empujar una roca para que pulse un interruptor mientras nosotros cruzamos la puerta, o ir combinando fuego y otros elementos para abrir varias puertas y avanzar, etc. Entretenidos, algunos bien pensados, pero bastante sencillos.

Los pobres enemigos no saben la que se les viene encima...

Para completar el cóctel, LostWinds nos propone un apartado sonoro que cumple bastante bien, con efectos (caídas, fuego que se enciende, discurrir del agua, grititos de los personajes...) sencillos pero prácticos y, eso sí, un puñado de melodías (no muchas en número) de una calidad excelente, bastante pegadizas y que armonizan el desarrollo de la partida a la perfección. Mezclando composiciones tranquilas para los pueblos, con otras más tenebrosas cuando hay algún enemigo, se obtiene un apartado fantástico.

Conclusiones

Si os soy sincero, he disfrutado muchísimo durante las tres horas que dura LostWinds. Puede que se os antoje muy corto y eso os eche para atrás, pero esas tres horas se hacen intensas y justifican (en mi opinión) los 10 euros pagados por ellas. Es una sensación difícil de explicar, pues hay que vivirla en persona, pero LostWinds es un título que cautiva, tanto por su apartado artístico como por su sistema de juego. Mezcla con acierto conceptos conocidos (tipo Metroid) con ideas novedosas en el aspecto jugable (ese control con el Nunchuk y el puntero), haciéndolo muy divertido y accesible para cualquier público. Bastante recomendable si lo de las 3 horas no os echa demasiado para atrás, y genial compra para empezar con el WiiWare. Podréis decir que es corto, pero no que no os haya gustado: palabra.

Lo mejor:
+Su apartado artístico, tanto gráfico como sonoro, una auténtica delicia pese a las limitaciones de WiiWare.
+El sistema de juego, mezcla bien el desarrollo con un control novedoso y que se revela como entretenido y efectivo.

Lo peor:
-Su duración y lo sencillo que es completar la aventura, incluso si no se es un as de los videojuegos.

Crítica de MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO

2009-08-29T16:17:00.001+02:00

MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO se estrenó ayer mismo, día 28 de agosto, y mucho me temo que va a pasar sin pena ni gloria por la cartelera en España, a pesar de los tímidos esfuerzos de TVE (que ha participado en su producción) por darla a conocer. Último trabajo hasta la fecha de Isabel Coixet, cualquiera podrá intuir que no es una típica película al uso, pues desprende un lirismo tan particular, tan abrumador, que se convierte en una experiencia personal, muy distanciada del habitual cine comercial. Si os soy sincero, nunca antes había visto una cinta de la directora catalana, así que fui ilusionado al estreno por ver lo qué me ofrecía este largometraje. Paséate conmigo y descúbrelo.

Ryu (interpretada por Rinko Kikuchi) es una joven japonesa que reside en Tokyo. Trabaja en el mercado de pescado por las noches, pero esconde un triste y crudo secreto: alterna dicho oficio con el de despiadada asesina a sueldo. Siempre solitaria y misteriosa, sólo comparte amistad con un hombre ya mayor (Min Tanaka), montador de sonido en películas, series o lo que surja. Pero todo cambia cuando Ryu conoce a David (Sergi López), un barcelonés que vive desde hace tres años en Tokyo, donde posee una vinoteca. Sin embargo, Ryu ha sido contratada por el señor Nagara (Takeo Nakahara), a través de su fiel asistente, para eliminar a David, a quién Nagara culpa del suicidio de su amada hija. ¿Llevará a cabo con éxito el trabajo Ryu?

Argumentalmente, MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO no es gran cosa, salvo quizá una ligera excusa para conducir este poema visual desde un inicio hasta una conclusión. Nos propone una obtusa y oscura historia de amor, donde el dolor y el fatal destino están constantemente presentes. En este aspecto, no dista mucho de las tragedias teatrales que más de uno habrá disfrutado, con lo que no supone ningún guión rompedor ni original. Elementos como la incapacidad de entenderse entre personajes, la soledad, el daño, la sustitución... salpican una trama bastante predecible y que no debería sorprender a nadie.

Sin embargo, nos equivocaríamos holgadamente de pensar que la realizadora española nos presenta esta historia ya vista y ya está. Mucho más que su argumento pesan las formas, la belleza, la poesía visual, el mimo por el detalle. Antes he dicho que esta cinta es un poema visual, y de eso se trata: lleno de sutileza y de lirismo, de amor por la estética, de detalles que invitan al deleite de los sentidos (especialmente del oído), pero, sobretodo, de un fuerte componente personal, que llevará a cada uno a sentir lo que ve de una manera particular. Y ahí, en su poesía, el film se encuentra con ventajas y con escollos difíciles de superar.

Entre sus ventajas, cuenta con una belleza realmente impactante, que compone un tejido precioso que merece la pena paladear. La ciudad de Tokyo se convierte en un elemento de vital importancia, mostrandos sus parajes, sus viandantes y, especialmente, sus sonidos, todo conteniendo detalle y mimo, hasta componer una bonita imagen. Por supuesto, la fotografía está ahí, excelente, luciendo de forma importante. El sonido, su montaje y mezcla, dan como resultado un deleite para el oído, plagado de pequeños elementos que sorprenden y embelesan a quien quiera escuchar, con una música bien escogida (versiones japonesas de canciones relativamente antiguas y bien conocidas) que hace sentir. Pero puede que ahí se queden las virtudes.

Entre esos escollos, destaca uno por obvio: lo heterogénea que queda la voz de Sergi López doblándose a sí mismo, en comparación con el resto de voces. En una cinta donde el sonido está tan cuidado, salta demasiado a la vista la diferencia entre la voz del actor y la de los compañeros de doblaje para España. Sin embargo, esto es un plano técnico que en versión original no debería importar mucho. Sus problemas mayores son otros, derivados de intentar compatibilizar poesía y cine de manera tan abrumadora: el poema de más de hora y media mezcla pasajes sublimes con otros soporíferos, consiguiendo una irregularidad demasiado notable, un ritmo que se rompe una y otra vez.

Y como pasa con la poesía habitualmente, es difícil de entender, difícil de interpretar, pero más difícil si cabe de agradar. El gran ejercicio de lirismo acaba quedándose a medio camino cuando las conexiones con el espectador se cortan, y éste se ve sumido en un vacío de sentimientos que no es capaz de aprehender o que, incluso peor, no acaban de cautivarle. Al igual que con el ritmo, nos encontramos ante un aspecto muy intermitente, que tan pronto atrapa al público en una ola de sentimientos encontrados como le produce la mayor de las indiferencias. Un precio a pagar demasiado alto para una película que prefiere ser poema antes que film. A esto no ayudan los actores, bastante desgarradores, pero en ocasiones poco creíbles y demasiado experimentales. Destacan Takeo Nakahara (que interpreta algunas piezas de inconmensurable dolor) y su fiel asistente (no conozco su nombre artístico), al que veo como una especie de Steve Buscemi japonés (en tono serio), con todo lo bueno que eso conlleva.

Al final, MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO se revela como lo que es: una obra muy personal, un poema de larga duración que se apoya en lo visual para fortalecerse. Como siempre que se intentan mezclar dos medios, la cosa puede salir bien o puede salir mal: en esta ocasión, la irregularidad se apodera de la cinta y los sentimientos vienen y van, tejiendo una línea demasiado inestable que se acerca y aleja del público siguiendo caprichosos designios. Al final, cada uno debe extraer su conclusión, y si queréis verla en el cine os recomiendo que sea pronto: en muchas salas ni se proyecta y en otras no creo que dure más de una o dos semanas, tan arriesgada es su apuesta. Para mí, la apuesta a todo o nada se queda a medias, pero más cerca del nada. Es lo que tiene arriesgar...

Valoración: 2 / 5 (ojo, no digo que sea mala película, pero es tan personal que merece la pena que cada uno la valore a su manera, si os interesa, darle una oportunidad)

Recetas de cocina: Masa de pizza

2009-08-25T15:28:00.002+02:00

Hoy he decidido traeros una receta de cocina que será breve pero que, a buen seguro, os gustará a muchos de vosotros. Estoy al corriente de que existen algunos tipos de harina especiales que ya vienen más o menos preparados para obtener, de manera sencilla, masa de pizza, pero un servidor es de los que prefieren hacerla uno mismo al estilo tradicional xD. Después, os daré algunos consejos para que os salga una buena pizza, pero no me extenderé mucho porque es más que evidente que cada uno tendrá sus ingredientes favoritos y sería un poco absurdo que yo os diese una pizza base. Así pues, vamos allá.

Masa de pizza

Uno de los máximos estandartes de la cocina italiana (junto a casi cualquier tipo de pasta y el carpaccio, supongo), la pizza suele gustar a casi todo el mundo, prácticamente sin excepción. En temas económicos, el coste de la receta dependerá directamente de los ingredientes que le queráis poner, pues la masa tiene un coste bajísimo, con unos componentes que, o bien están siempre en casa o bien son muy baratos. También debo decir que esta masa se puede congelar y usar días después de haberla hecho, o incluso dejarla de un día para otro sin meterla en la nevera ni nada (de hecho, conviene que repose, aunque en eso ya entraremos luego). Personalmente, prefiero tomarla para cenar, aunque esto ya va a gusto de cada uno.

Ingredientes (para 4 personas):

-Aproximadamente medio kilo de harina (mejor fina o de repostería)
-Un vaso de agua
-Un tercio de vaso de aceite
-Sal
-Medio sobre de levadura en polvo

Antes de nada, aclarar que conseguir la masa de pizza no lleva más de un cuarto de hora o 20 minutos a lo sumo y que, una vez hecha, conviene que repose, al menos, 6 o 7 horas. Os recomiendo tener esto en cuenta a la hora de planificar la comida en la que la queráis usar, pues si no reposa suele resultar bastante indigesta y excesivamente dura. También os diré que es mucho mejor si dos personas se encargan de hacer la masa, pues se ensuciará mucho menos que si una se tiene que estar pringando. Igualmente, la última vez la tuve que hacer yo solito xD.

Para empezar, cogemos un recipiente grande y preferiblemente bastante hondo, en el que haremos la masa. Echamos ahí un vaso de agua y después entre un tercio y medio vaso de aceite. Como en el vaso quedará algo de aceite, echamos un pelín más de agua y removemos, para que se desprenda y poder echarlo en el bol o recipiente. Sin remover, echamos un puñadito de sal y, al principio, un poco de harina. Removemos con una paleta de madera o lo que tengamos hasta conseguir una mezcla bastante pegajosa.

Ahora, el procedimiento es bien simple: se trata de ir moviendo con la paleta al tiempo que vamos añadiendo harina poco a poco, hasta que la masa comience a estar más dura y complicada de remover. Entonces, hacemos un hoyo en el centro y echamos el medio sobre de levadura. A partir de ese momento, siempre que la masa no esté demasiado pegajosa (si lo estuviera, vamos echando más harina y removiendo), procederemos a amasar la mezcla con nuestras propias manos, aplastándola y moldeándola como si fuera arcilla. Seguimos añadiendo harina de tanto en tanto, hasta que la masa no se pegue en nuestras manos. Hay quien prefiere usar un rodillo para amasar, pero yo soy de los que prefieren las manos. Ahí cada uno elige xD.

Una vez que la masa no esté nada pegajosa, se entiende que ya está hecha. La metemos en el recipiente anterior echa una bola y ponemos un poquito de harina por encima. Tapamos el bol con un trapo, dejando un poquito de espacio para que entre aire y listos. Ya tenemos la masa de pizza que, como he dicho, conviene que repose unas 6 o 7 horas mínimo. Puede que no os salga a la primera, quizá tampoco a la segunda, pero la clave está en ir practicando y en que la masa no se pegue en las manos cuando se amasa. Entonces, sabremos que está lista.

A la hora de ponerla en la bandeja (pasadas las horas de reposo), conviene primero amasarla un poco más e ir dándole una forma más fina, que se adapte más o menos a la bandeja de horno en la que la queráis poner. Esto también se puede hacer con el rodillo, pero de nuevo yo prefiero las manos. Una vez algo más lisa, la ponemos encima del recipiente de horno (que deberíamos espolvorear con algo de harina) y, con los dedos y las palmas, vamos estirándola para que cubra la superficie de la bandeja, dejándola con un grosor uniforme por todo.

Ahora vienen un par de consejos para los ingredientes. Lo primero que conviene poner es el tomate frito o triturado (según os guste), recomiendo que sin pasarse mucho. Después podéis poner todo lo que se os ocurra pero, recomiendo dejar el queso rayado para el final, de forma que quede encima de todo. Si queréis, entonces podéis ponerle un poquito más de tomate y el orégano u otras hierbas que os gusten. En cuanto a su tiempo de cocina, pues depende del horno, pero suele estar cercano a la media hora, en una potencia alta (210º, por ejemplo). Sabréis que está hecha cuando miréis por abajo y esté doradita y pinchéis por arriba y se note crujiente. La clave aquí es ser paciente y esperar, con el horno funcionando, mirándola cada 5 o 6 minutos. Si os apetece gratinar, pues usáis la opción del aparato que tengáis y sin problema.

Nada, espero que os guste y os animéis a hacerla y, si alguno tenéis otra receta para la masa de pizza (sin utilizar harina especial), estaré encantando de oírla y probarla a ver qué tal ^^.

Crítica de ONG BAK 2

2009-08-24T18:03:00.000+02:00

Hasta el último momento he estado dudando si hacer una crítica de ONG BAK 2 o no. Posiblemente, una entrada con el mismo título que esta y que sólo dijera "esta película es horrible, pero de verdad, no la recomiendo para nada" haría el mismo servicio para vosotros, lectores, que el artículo un poco más extenso que me dispongo a hacer. Pero bueno, ya sabéis que a un servidor le gusta dar argumentos y explicarse bien. Estrenada el pasado viernes 21 de agosto, ya os digo que el film que hoy nos ocupa es uno de los peores (qué leches, el peor) que he tenido la desgracia de visionar este año. Sumergíos conmigo en el terror... xD

La historia se sitúa en el siglo XV dC. Tien (interpretado en su versión adulta por Tony Jaa) es un pequeño que, mientras huye junto a un sirviente, es capturado por un grupo de malhechores que se dedican a secuestrar gente para luego venderla como esclavos. Empujado a luchar a muerte con un cocodrilo, Tien es salvado por un grupo de bandidos que aniquilan a buena parte de sus captores. El líder de los bandoleros le da una oportunidad: le adoptará como si fuera su propio hijo y le enseñará todo tipo de artes marciales, así como el uso de muy diversas armas. Unos años después, Tien es un completo guerrero, al que sólo le queda vengar la muerte de sus padres para terminar de definirse...

No os voy a engañar: argumentalmente esta película es una porquería. Antes de decir nada más, aclarar que no tiene nada que ver (exceptuando el actor principal) con la primera Ong Bak que, sin ser una maravilla, era una cinta de acción oriental de calidad más que aceptable. Quienes esperasen una continuación de aquella, que se vayan olvidando, se ha utilizado el nombre por motivos económicos y ya está.

Yo entiendo que en este tipo de obras la historia sea un aspecto muy secundario y que se convierta en una mera excusa para que asistamos al festival de mamporros y coreografías espectaculares que nos tienen preparados. Sin embargo, en ONG BAK 2 se traspasan todos los límites de la lógica: la trama es tremendamente insulsa, trillada ya mil y una veces y abusa una y otra vez de los mismos tópicos que todos conocemos. Para colmo, el final (no lo destriparé) es incomprensible, mientras que los giros argumentales que pretenden colarnos se huelen a kilómetros de distancia. Un apartado muy, muy deficiente.

Para colmo, las situaciones que se van dando en la película no ayudan en absoluto a que nos tomemos la cinta un poco más en serio: diálogos estúpidos para unos personajes poco carismáticos y poco menos que cuasi paródicos sin pretenderlo; escenas extrañas que no se sabe muy bien porque están ahí ni que deben aportar al cómputo global, pero que quedan terriblemente ridículas y sólo producen vergüenza ajena (a la de los elefantes al poco de empezar me remito); minutos y minutos de danzas que son aburridísimas... Poco salvable (o nada) podemos encontrar.

La escena que casi me mata de risa por lo absurdo de su presencia.

Y quizá os preguntaréis qué tal funcionan las escenas de acción y si pueden aportar algo positivo al film. La respuesta es simple: demasiado sosas como para merecer la pena en una tesitura tan mediocre. Es cierto que se nos muestra el virtuosismo de Tony Jaa en el uso de varias técnicas marciales y armas, pero poco más. La primera Ong Bak o la excelente (a nivel de acción) Thai Dragon demostraron de sobras lo que podía hacer la estrella emergente del cine de artes marciales, con escenas mucho mejor coreografiadas, más impactantes y estéticas que en este film. Me esperaba un torrente de acción, un paso más allá en la carrera del tailandés, pero nada de eso. Acción justita (y de escaso peso, exceptuando al final, en el metraje) y ya está.

Siendo la producción con más presupuesto en la historia del cine tailandés, me esperaba algo más a nivel técnico. Los efectos (de cualquier cosa, desde niebla a explosiones) están muy poco logrados, y da vergüenza ver los muñecos que se han utilizado para sustituir a cocodrilos y elefantes en muchas escenas, totalmente falsos y risibles a más no poder. Los actores son muy desconocidos (por no decir totalmente) para el público (y lo hacen bastante mal), a excepción del protagonista, que también se ha encargado de dirigir, escribir y producir este título. Espero de verdad que, a partir de ahora, Tony Jaa se dedique a actuar y deje de lado las otras facetas del cine, porque no las maneja nada bien.

Tony, ojalá no te veamos nunca más hacer nada que no sea esto: dar leches.

En resumen, nos encontramos ante una chufa infumable, de esas que ensucian la buena imagen que tiene un servidor del cine asiático de artes marciales. Hora y media de mala película que no recomiendo ver a nadie (en serio, no os dejéis engañar pensando que los otros largometrajes de este actor no estaban mal, porque este es terrible). Un paso atrás enorme en la carrera de Tony Jaa, que debe replantearse bien sus próximos movimientos si de verdad quiere aspirar al trono que otrora ocuparon Bruce Lee, Jackie Chan o Jet Li.

Valoración: 0,5 / 5 (Sí, ya os dije que era MUY mala)

Impresiones de AVATAR (Avatar Day)

2009-08-22T14:26:00.001+02:00

Por si alguien no estaba al corriente, ayer (21 de agosto) fue el Avatar Day, fecha en la que se proyectaron en varias salas de cine de todo el mundo (algunas de ellas en distintos puntos de España) 15 minutos de la nueva película de James Cameron (Titanic, Terminator 1 y 2, Aliens). Además, se mostró el tráiler del videojuego (que seguro podréis ver en cualquier página del sector). En esta entrada me dispongo a contar mi experiencia con la proyección de esos minutos de película, así como las impresiones que me causaron como cinéfilo aficionado.

Dudo mucho que alguno de vosotros no esté al tanto, pero la expectación que se ha desarrollado alrededor de Avatar es, sencillamente, brutal. Desde que se empezaron a oír algunas cosas sobre el proyecto, la gente ya preveía cosas como "lo nunca visto", "va a ser algo impresionante" y cosas por el estilo. Además, el señor Cameron ha sabido acrecentar esas sensaciones, en forma de entrevistas, un poco de humo con alguna frase de vez en cuando y mostrando cosas del film con cuentagotas (pero con cuentagotas de verdad). De hecho, no me digáis que es muy corriente presentar unos minutos de metraje antes de su estreno (sin que sea un tráiler), concretamente 4 meses antes del estreno, que será el día 18 de diciembre si mi memoria no me falla. Entre el grupito de amigos ya hacíamos las típicas bromas: que si pronto van a empezar a cobrar 2 o 3 euros en el cine por este tipo de cosas, que a ver si nos van a destripar la película y luego no la querremos ver... lo habitual xD.

A la hora de acumular toda esa expectación, creo que ha influido mucho lo que supone el proyecto Avatar. En primer lugar, está previsto que se estrene en tres formatos: el habitual, el 3D que tan de moda se está poniendo últimamente (con gafas) y 3D Imax, que promete ser, de lejos, el más espectacular de todos. Para ello, el director ha utilizado cámaras distintas de las habituales, con nuevos elementos que prometen elevar al máximo la experiencia. Además, mezcla imágenes reales con imágenes animadas 3D (tipo CG de videojuego, para que os hagáis una idea), con sus correspondientes capturas de movimientos y demás. Aparentemente, Avatar debía ser el no va más, un auténtico hito en la historia del cine. Un servidor, y no sé qué opinarán los demás que asistieran ayer al evento, se ha quedado con un sabor de boca agridulce, la verdad. Os explico por qué.

El Avatar Day

Para tener acceso a dicha proyección, había que cumplir un sencillo requisito. El martes día 18 de este mes (hace unos pocos días) se pondrían a disposición de quien quisiera, y de forma totalmente gratuita, los pases para poder asistir. Las proyecciones eran ayer (como ya he dicho) y, en España, se encargaban del evento las cadenas Cinesa y Yelmo (si no estoy mal informado), cubriendo varios puntos de la geografía patria. Sin embargo, de buena tinta sé que el jueves ya se hizo una proyección para gente que trabajase en los cines. En cuanto a las de ayer, había varias horas, separadas por media hora entre pase y pase, de las 6 de la tarde hasta las 11 de la noche (la sesión a la que tuve que ir xD).

Sinceramente, suponía que habría bastante gente, por la difusión de la película, las expectativas y el coste cero de la iniciativa. Según me informaron, la asistencia por la tarde fue exagerada, con gente y más gente y tremendas colas para entrar en la sala, con sus correspondientes empujones y demás. En mi sesión, la última, supuse que habría poca gente, aunque me sorprendió ver que éramos un centenar largo de personas, aunque no me atrevería a decir que doscientas. La verdad es que todo fue bastante civilizado, con ningún empujón y entrando todos en fila como los niños en el colegio xD.

Después de un ratillo de esperar sentados en la sala, con las gafas en la mano y la emoción de lo que íbamos a ver (se notaba el ambiente, con gente comentando cosas que habían oído o lo que esperaban), se fueron apagando las luces y todos nos pusimos las lentes, formando una escena tal que así pero menos apiñados (por cierto, ¿qué hace ahí una señora sin las gafas puestas xD?):

De primeras, nos aparece el señor James Cameron en pantalla, diciendo unas palabras (subtituladas al castellano con los subtítulos en relieve, para aprovechar el 3D xD) que me hicieron decirle a mi acompañante (mi novia, Cris) lo siguiente: "Este hombre no tiene abuela". En lo que a mí me pareció algo de prepotencia (tiene entusiasmo, se nota), dijo que sabía que todos esperábamos un tráiler de Avatar, pero que él nos había traído algo mejor, muchísimo mejor. Miedo me daba lo que me pudiera encontrar a continuación xD.

Durante unos 10 o 12 minutos, asistimos a una serie de escenas de la cinta, sin spoilers de ningún tipo pero que permiten intuir bastante bien las premisas del argumento. A continuación, y si mi memoria no me falla mucho, me dispongo a contaros dichas escenas. La primera consistía en un discurso de un cargo del ejército, contando a unos reclutas que quizá mueran en la próxima misión o quizá no, pero que él no les podría proteger. Por ahí nos aparecía Sam Worthington (que apareció recientemente en Terminator Salvation) en silla de ruedas. La sensación de 3D, de profundida en imagen real, a pesar de estar viéndolo con gafas, es bastante buena y está conseguida.

Luego salta la escena y nos vemos a Jake (el personaje de Sam) metiéndose en una especie de cápsula, con la ayuda de una doctora (o investigadora) encarnada por Sigourney Weaver. En una secuencia que me recordó a cuando se conectaban en Matrix, vemos como Jake aparece en una camilla, convertido en un ser bastante más alto que un ser humano, de piel azulada, con orejas puntiagudas y cola. Contento por poder andar (recordemos que en el mundo habitual él era inválido), se pone en pie, pasa de las instrucciones de los doctores y la lía pero bien.

Cambiamos de secuencia y vemos a Jake, junto con un escuadrón de seres como él, en la selva. Aquí ya se abandona la imagen real y procedemos a ver imágenes creadas por ordenador, aunque de un realismo bastante alto y una vistosidad enorme. La selva es un buen lugar, porque permite ver una gran variedad de color, al tiempo que se apreciaba la profundida conseguida con el 3D. Empiezan a salir varios bichos y todo acaba en una pelea con una especie de depredador entre lobo y dinosaurio (o algo así), que a mí me recordó a mi perro cuando tiene hambre xD. Debo decir que la secuencia en la que el bicho persigue a Jake queda algo caótico, empezando la molestia de ojos por las gafas.

A continuación saltamos a otro fragmento, donde Jake se enfrenta con un cuchillo a una especie de perros salvajes, cuando llega una chica como él (pero de la selva) y lo salva de la amenaza, para a continuación enfadarse. Un poco de cámara lenta por aquí y por allá en la acción, recordándome fuertemente a 300. Según un amigo, el encuentro Jake-chica le recuerda enormemente a Pocahontas, y algo de razón tiene, pero eso lo trataremos luego.

En la siguiente escena, la chica guía a Jake junto a un grupo indígena de esa raza por unos desfiladeros, hasta llegar a un lugar lleno de una especie de dragones pero más pequeños. Ahí asistimos a la doma de uno de ellos (al parecer un ritual de la especie) por parte de Jake, lo que hará que se convierta en su montura alada para próximas aventuras. El bicho, bastante empecinado, pelea con Jake hasta que este lo somete y se van a volar por ahí.

Después (creo que no me he saltado ninguna secuencia), nos muestran un par de minutos de un montaje en plan tráiler, con otras imágenes de la película (y entre las que no se encontraba la promocional que se sacó hace unos días, que he mostrado más arriba). Habiendo visto las escenas y esta especie de tráiler, ya me hago a la idea de lo que va a ser Avatar, y procedo a daros mis impresiones de la experiencia.

Impresiones e intuiciones

En cuanto a su apartado estético, debo decir que me ha recordado fuertemente a un videojuego, a algo del estilo de un Final Fantasy, con un mundo atractivo creado para la ocasión, lleno de criaturas ficticias, razas desconocidas, costumbres propias y un transfondo que puede ser bastante interesante. Al haberla visto en 3D normal (no Imax), sólo puedo hablar de esa versión, pero la profundida está realmente conseguida, tanto en imagen real como diseñada por ordenador, aunque debo decir que el ojo sufre un poco y alguna escena resulta bastante confusa.

¿Es el mega-impacto que me esperaba en este aspecto? Pues la verdad es que no, aunque no se puede juzgar sin ver la mejor versión, obviamente. Esto me ha hecho pensar en que, si puedo, iré un fin de semana a Barcelona y me animaré a verla en formato Imax, que es donde realmente dará el do de pecho y se verá cuán lejos llega la técnica empleada por Cameron. Con esto no quiero decir que la versión 3D normal me haya decepcionado técnicamente (nunca había visto una profundidad, un relieve, tan logrado con gafas), pero supongo que habrá que verlo de la mejor manera para apreciar lo que supone.

Siendo realistas con ese aspecto, pasemos a lo que es la historia, las sensaciones que tengo tras haber visto 15 minutos de film. Sinceramente, está ha sido la parte agria del agridulce que antes decía. Mientras que el aspecto visual está a buen nivel y es llamativo, el argumento que yo intuyo que tendrá la cinta me deja muy, muy frío. Antes he dicho que a un compañero le recordó a Pocahontas, y no puedo hacer más que darle la razón: se intuye que la trama va a girar en torno al típico ser civilizado que llega a la tribu indígena y se integra con ellos, para después luchar contra los humanos y el desarrollo en una guerra. Esto es lo que se puede suponer (y creo que no fallo) de lo visto.

Supongo que cuando se hablaba de un hito en la historia del cine se referían al apartado visual, porque argumentalmente Avatar no es algo nuevo, no es algo sorprendente, no es algo original. Mezcla cositas de aquí y de allá y nos pone con una premisa mil veces vista en literatura y cine anteriormente (por lo visto, eh, habrá que ver luego). El mundo está muy conseguido, el transfondo puede ser muy bueno, las criaturas molan... pero se utilizarán para un argumento trillado. Ojalá me equivoqué y el guión vaya más allá de lo que dejan ver, pero la primera sensación es decepcionante en este aspecto.

En resumen y ya para acabar, os recomiendo si no habéis visto la proyección (aunque imagino que ya estará por internet) tener algo de recelo, no dejaros llevar por el típico hype (que cuando se desborda, malo, y le puede pasar mucha factura después a la cinta) y esperar a diciembre para verla y comprobar qué da de sí. Lamento ser algo pesimista, pero ya sabéis como funciona el márketing en los grandes proyectos y mejor estar prevenido. A los que hayáis podido asistir al evento, os agradecería vuestra opinión en forma de comentarios a ver qué os ha parecido ;).

Crítica de RESACÓN EN LAS VEGAS

2009-08-21T14:19:00.000+02:00

La verdad, ya tenía ganas de ver esta película. Desde que se estrenó el pasado 14 de agosto, no había hecho más que leer críticas positivas y oír impresiones muy buenas de boca de amigos y conocidos. Lo que más me llamaba la atención eran las voces que se alzaban para defenderla de la etiqueta de "otra comedia estúpida más". Seamos sinceros: con ese título que le han puesto en España, uno no puede pensar otra cosa (título original, The Hangover, que podría tener sentido con el final del film). Sin embargo, no dejéis que el nombre os engañe: de vez en cuando, sale alguna comedia que se libra de las cadenas de la idiotez y la vulgaridad. Veamos cómo.

Quedan dos días para que Doug (interpretado por Justin Bartha) se case y sus dos amigos de toda la vida, Stu (Ed Helms) y Phil (Bradley Cooper), han decidido regalarle una despedida de soltero de lujo, alojándose en el famoso Caesar's Palace de Las Vegas. El joven decide invitar a su futuro cuñado, Alan (Zach Galifianakis), un hombre algo infantil y desequilibrado, para integrarlo en el grupo. Además, su suegro le presta su estupendo Mercedes descapotable clásico, con lo que el viaje promete ser algo para recordar. Al llegar la noche, los amigos brindan y prometen pasárselo en grande. A la mañana siguiente, Doug no está por ninguna parte y ninguno de los otros tres se acuerda de nada. A partir de aquí, comenzará una alocada carrera por recordar lo que pasó la noche anterior y encontrar a su amigo...

El equipo de rescate al completo: Alan, Phil y Stu.

Argumentalmente, podéis apreciar que Resacón en Las Vegas no es ninguna maravilla, ni siquiera un soplo de aire fresco (ahora mismo recuerdo algún ejemplo de propuestas similares en las que los protagonistas no recuerdan nada, como Colega, ¿dónde está mi coche?). Sin embargo, debo admitir que la trama funciona lo suficientemente bien como para dar rienda suelta a la serie de alocadas situaciones de las que seremos testigos. Además, como punto interesante, destaca que se enfoque una cinta así con unos personajes que están ya en la treintena, desmarcándose de la adolescencia habitual en este tipo de films. De este modo, se consigue una cierta vuelta de tuerca, que no rompe demasiado con lo que estamos acostumbrados pero que sí se consigue distanciar de manera apreciable, lo cual se agradece.

Lo que funciona muy bien en este apartado es la intriga, el misterio en el que nos sumirá esta comedia. El largometraje empieza con los amigos llamando a la novia la mañana del día de la boda, contándole que no se va a poder casar. A partir de entonces, el guión nos transporta a dos días antes de ese momento y va avanzando con normalidad, saltándose los hechos acontecidos en la desafortunada noche. A medida que el metraje avanza, podremos ir reconstruyendo lo que pasó en esas horas "ciegas", en base a lo que cuentan otros personajes, por ejemplo. Casi nunca se muestra explícitamente lo que hicieron, y ahí está la gracia, en que el espectador, sin que llegue a tener que complicarse en exceso, pueda ir intuyendo y confirmando lo que sucedió. Un detalle que, de nuevo, no es original, pero sí poco habitual y está muy bien llevado en esta cinta.

Como comedia, RESACÓN EN LAS VEGAS funciona particularmente bien, intentando alejarse bastante del estereotipo de película estúpida (aunque tampoco penséis que es un film de humor sofisticado xD) y, especialmente, del humor escatológico y vulgar tan presente desde hace unos años en cualquier producto del género. De esta forma, opta más por buscar las risas en la torpeza de los personajes, en los diálogos y en las extrañas situaciones en las que se ven inmersos una y otra vez, y con el puntillo extra de que no se acuerdan de nada y todavía están más confusos. La fórmula funciona bastante bien, y cada par de minutos tendremos un chiste, una frase, una escena o un detalle que nos haga reír generosamente.

Un misterio sin resolver: ¿qué hace una gallina en la habitación de un hotel de lujo?

Para completar el cóctel, contamos con algunos elementos más a destacar. Los actores, en su inmensa mayoría muy poco conocidos (excepto quizá Bradley Cooper, que últimamente se está ganando un hueco, o Ed Helms, para los que hayan visto la versión americana de la serie The Office), funcionan realmente bien en sus roles, especialmente Zach Galifianakis, en su aparente locura y enajenamiento mental xD. Incluso aparece algún papel pequeñito para gente con más popularidad, como Mike Tyson o Heather Graham. Otro aspecto a citar es el sonoro, con un conjunto de canciones muy reconocidas junto a otras parte de la trama (ya veréis, ya xD).

En conjunto, RESACÓN EN LAS VEGAS es una de esas comedias que, sin tener unas pretensiones enormes, consigue ser una de las mejores del año a base de distanciarse un poco de la fórmula sobresaturada. Efectiva, sin recurrir a excesivos tópicos, es un divertimento muy jugoso de hora y media, recomendada casi para cualquier edad (excepto para los muy pequeños), desde los adolescentes hasta los adultos. Quizá se quede un escaloncito por debajo de otras comedias de un tono similar (se me ocurre ahora Zoolander o Movida en el Roxbury), pero es muy recomendable para echar unas buenas risas.

Valoración: 3,5 / 5

(Actualizado) Lobo en el lodo cumple su primer añito

2009-08-19T17:06:00.001+02:00

Pues sí, señoras y señores, la criatura cumple un año de vida hoy mismo. Para la ocasión, he decidido hacer un poco de escritura automática de esa, y que salga lo que salga. Seguramente seré breve, porque debo confesaros que no me gusta mucho cumplir años (ni que los cumpla el blog, hale xD), es una especie de aversión que tengo desde que era bien pequeño.

Pero bueno, hoy es el blog quien está de fiesta y de él debemos hablar: posiblemente, el proyecto más constante de algo que hago en años (uno de mis puntos débiles: la inconstancia). Y eso que ha estado a punto de desaparecer en un par de ocasiones, la última hace un par de meses tan sólo, pero el muy maldito siempre ha conseguido sobreponerse a mis idas y venidas y ha aguantado los tirones con buen porte y resistencia xD. Por ello, os puedo asegurar a día de hoy (y no creo que cambie de idea) que nos queda Lobo en el lodo para rato, siempre y cuando mis obligaciones lo permitan.

Si algo me ha enseñado el blog (a parte de otra cosa de la que hablaremos luego) es que no puedes hacer ningún tipo de planes a medio o largo plazo con algo tan personal como esto. Si a principios de año dije que tendríamos cambio de plantilla (o diseño, como prefiráis llamarlo) y que en verano intentaría pasar a Wordpress, más o menos a mitad de ejercicio debo deciros que eso no va a pasar. Me explico.

La plantilla no quiero cambiarla porque soy consciente de los muchos problemas que habéis tenido algunos compañeros para conseguirlo y porque yo no soy ningún manitas del diseño y la edición. Además, no encuentro otras plantillas prehechas que me agraden como para cambiar y no sería capaz de diseñar una yo mismo. Sí, soy un maldito inútil xD. Mientras tanto, a seguir soportando el fondo negro con esta plantilla predefinida de Blogger ^^U. En cuanto al paso a Wordpress, no tengo ni idea de cómo funcionan las cosas por allí y la verdad es que estoy bastante contento en Blogger (excepto por un par de días que me cabreó xD), y para como quiero que ande Lobo en el lodo me va de maravilla. Así que a seguir también con esto.

En cuanto a contenidos, hablemos un poco de números. Llevo casi 130 entradas (un par menos), con un grueso de 49 críticas de cine (la próxima será la número 50 ^^ y apuntad nombre: Resacón en Las Vegas). Esto quiere decir que en un año he visto más de 50 estrenos en el cine (no siempre en día de estreno y hay algunas pelis de las que no hago crítica), lo cual creo que es un número bastante bueno para un cinéfilo y para un blog que se centra en el cine principalmente, especialmente en las producciones que se hallan en cartelera en el momento de escribir.

Otras cositas como las recetas de cocina, los Recordando... y Mis lecturas tienen su peso importante en la representación porcentual, y lo seguirán teniendo, para deleite de aquellos a los que os guste. Más secciones habituales seguirán y no creo que quite ninguna. Además, quiero meter más contenido de videojuegos (como era mi intención al principio) en el blog (preparo un análisis), una vez visto que Fin de la partida es un proyecto que va un poco a la deriva y no ha funcionado como debería.

Pero lo más importante, lo que más me ha empujado a continuar con el blog, lo que ha mantenido mi ilusión intacta y aún me emociona sois todos vosotros, los lectores, especialmente cuando dejáis muestra de presencia con algún comentario, sea lo que sea. Ya en mi primera y lejana entrada dije que quería conocer gente que compartiera aficiones, con los que poder debatir de forma sana. Un año después de aquello, puedo afirmar que he conocido a gente maravillosa, simpática, de esa que siempre está dispuesta a echar una mano y con la que es un gusto coincidir virtualmente. No voy a nombrar a nadie en concreto, porque creo que todos tenéis vuestra importancia y que una mención no va a haceros más importantes de lo que ya sois. Sin embargo, si os quiero dar las gracias de corazón por vuestra participación, vuestro seguimiento, vuestro trabajo personal en vuestros blogs, vuestra simpatía y amabilidad... En un año de experiencia blogger no recuerdo ni un momento malo y casi cada día encuentro algo bueno, una buena entrada para leer, un buen debate en los comentarios, un cambio de diseño bonito, algún proyecto común divertido... Mil gracias y me tenéis aquí para lo que queráis. Espero, por mi parte, que vosotros también disfrutéis con mi trabajo y os resulte interesante.

(Actualización): La compañera Dids de El 8º pasajero ha hecho un regalo en forma de logo que me dispongo a poner a continuación y en la columna derecha durante todo lo que queda de mes. ¡Muchísimas gracias ^^!

Un abrazo y ¡a brindar por el añito de Lobo en el lodo!

Opinión de EX

2009-08-17T19:58:00.000+02:00

Como habréis podido comprobar si habéis seguido mi camino por el blog en los dos últimos meses, he recuperado la buena costumbre de ir haciendo, de vez en cuando, artículos de opinión sobre películas que todavía están en cartelera. La verdad es que me vienen estupendamente bien por dos motivos: se realizan más rápidamente que una crítica al uso y me permiten ser más subjetivo, más personal. Generalmente, agrupo dos películas en estas entradas, pero hoy, a riesgo de ser breve, trataré solamente una.

Ex

Pronto hará un mesecito desde que Ex se estrenó en España y, la verdad, ha pasado tremendamente desapercibida. Es asombroso, hasta cierto punto, comprobar como otras comedias bastante mediocres consiguen una repercusión notable y cositas de una calidad aceptable como la cinta que hoy nos ocupa queden lejos del conocimiento popular. Supongo que el cine europeo siempre tiene que luchar mucho más que el americano para hacerse un hueco, incluso cuando en ocasiones supera ampliamente a sus contrapartidas hollywoodienses, como es el caso.

Ex es un nuevo ejemplo de comedia romántica al estilo europeo, con muchas similitudes con otra anterior como lo fue Manuale d'amore (más con la primera parte que la segunda, que ya cambiaba un poco el registro). A grosso modo, se podría decir que si os gustó aquella (quien la disfrutase), os gustará esta, pues las coincidencias son bastante considerables. Para empezar, comparten nacionalidad: italiana, aunque Ex tengo algo de mezcla francesa también.

Uno de los mayores parecidos con Manuale d'amore se da a nivel argumental: nos encontramos ante una colmena, un enjambre de historias amorosas que se podrían desarrollar de forma totalmente independiente pero que convergen en algunos puntos (ya sea por coincidencia de algún personaje en varias historias, por hechos relacionados entre una y otra, etc.). En todas las tramas se trata algún problema de pareja, ya sea el distanciamiento físico, la incapacidad de congeniar, la intrusión del ex de uno de los miembros (tema recurrente en más de una historia y que da nombre al film)... Con acierto y como suele ser habitual en este tipo de cintas corales, los personajes abarcan un amplio rango de edades (entre la veintena y los cincuenta, más o menos), con lo que consigue mayor identificación del espectador con alguno de ellos.

A diferencia de Manuale d'amore, aquí las tramas no están separadas con un corte o transición, no están dividas en capítulos, sino que se van sucediendo creando un conjunto, desarrollándose alternativamente y cambiando de una a otra, aunque esto no hace que el público se confunda. Pese a durar dos horas, el ritmo narrativo está muy conseguido (quizá por contar con varias historias), por lo que no se hace aburrida ni larga, lo cual es de agradecer.

Otro punto en común con la comedia romántica europea en general (no sólo con el ejemplo antes citado) es el tono: aquí no se utilizan situaciones "tontas" ni personajes extremadamente torpes, ni escenas vergonzosas para hacer reír. La base de este tipo de humor se encuentra principalmente en los diálogos y en los personajes, teniendo que ser ambos elementos ciertamente ingenuos, bondadosos, algo cándidos y con un toque de nerviosismo para conseguir la sonrisa del espectador. Como es habitual, las discusiones más acaloradas entre parejas suelen ser también los momentos más cómicos, y Ex cuenta con dos o tres ejemplos muy buenos.

Este personaje será una de las principales fuentes de risas.

Además de este particular sentido del humor (presente aunque no abusivo), la producción cuenta con un par de gotas de dramatismo (en concreto con una de las historias) para dar algo más de profundidad al metraje. En un par de ocasiones, funciona particularmente bien, con una mezcla de música (todos temas muy reconocibles y adecuados) y simbolismo bastante acertado. Pese a ello, tampoco penséis que es un producto excesivamente complejo o muy dramático, porque no es así.

En cuanto a los actores, la inmensa mayoría son de origen italiano y bastante desconocidos para el gran público, aunque posiblemente veréis alguna cara que os suene si estáis acostumbrados a ver cine europeo de vez en cuando. Todos rinden razonablemente bien y se han utilizado actores de doblaje bastante conocidos (con voces como la del doblador habitual de Hugh Grant o el de Robert De Niro), lo que ayuda a darles un toque extra de carisma que siempre les viene bien.

Amigo del anterior y principal contrapunto dramático.

En resumen, Ex es el claro ejemplo de comedia romántica italianizada actual, con buen sentido del humor y toques de dramatismo. Si acaso se le pueda achacar que es tremendamente previsible y que haya un cierto desequilibrio en cuanto al peso y calidad de las distintas historias, pero no deja de ser un producto ligero y entretenido, al tiempo que más sofisticado que las típicas comedias americanas. Si os gusta el estilo, dadle una oportunidad, mejor acompañados.

Valoración: 3 / 5

Crítica de ENEMIGOS PÚBLICOS

2009-08-15T18:47:00.000+02:00

Ayer, 14 de agosto, se estrenaba en las salas de cine españolas ENEMIGOS PÚBLICOS, envuelta por una ristra de grandes expectativas generadas, en gran parte, por la escasez de estrenos "de campanillas" en los últimos meses. La última obra de Michael Mann (realizador estadounidense a cargo del clásico Heat y de otras cintas como Ali o Collateral) cuenta entre sus bazas con la aparición del celebérrimo Johnny Depp dando vida al personaje histórico John Dillinger en su particular enfrentamiento con la ley, quien cuenta con el también popular Christian Bale a la cabeza. ¿Cumplirá el film con lo que se espera de él?

Nos encontramos en el año 1933, en una América que poco a poco consigue salir de la Gran Depresión que asoló su economía y la del mundo entero. John Dillinger (interpretado por Johnny Depp) y su banda se dedican a atracar bancos, mientras burlan fácilmente a la policía y se granjean el cariño del pueblo gracias al carisma de su líder y su negativa a robar dinero a la gente de a pie. Pero ahora, tras algunas humillaciones y varios intentos fallidos, la ley elige al implacable Melvin Purvis (Christian Bale) para dar caza a Dillinger. Poco a poco, el cerco se irá estrechando alrededor del popular ladrón...

Como ya he apuntado antes, la película basa su trama en las vivencias del personaje histórico John Dillinger durante la década de los 30, con un alto nivel de credibilidad y relativamente pocos guiños de cara a la galería. Es por ello que en bastantes ocasiones el film se acerca más a lo que sería un documental tremendamente fiel sobre el protagonista, que a una producción llena de aventuras y momentos trepidantes, al estilo de otra película del mismo director: Ali. Como consecuencia, puede que muchos encuentren que el largometraje carece en algunos momentos de chispa, de cadencia, de escenas que sorprendan por su espectacularidad.

En la otra cara de la moneda, esta fidelidad, estas ganas de hacer algo creíble, desembocan en un trabajo muy cuidado, lleno de detalles interesantes en cuanto a su realización, que es casi impecable. Empezando por una fotografía sencillamente estupenda, que explota de maravilla el tremendo esfuerzo que se ha puesto a la hora de recrear de forma fidedigna a la Norteamérica de la época. Continuando con su apartado musical, fiel exponente de la década y rico en composiciones que se adaptan como un guante a las sensaciones históricas que transmiten las imágenes. Finalizando por un mimo enorme en todos los pequeños elementos (como armamento, vestuario, vehículos...) que ayudan a dar, aún si cabe, una mayor sensación de realismo. Una realización CASI perfecta.

Y digo casi perfecta porque tropieza en un par de aspectos que, a la larga, acaban suponiéndole un lastre apreciable. Ya desde los primeros momentos podréis comprobar a qué me refiero: durante parte de la cinta se emplea un estilo cercano a lo que se conoce como "cámara en mano", que propicia que la imagen se mueva más de lo debido, para mareo y confusión del espectador. A esto, acompaña una elección de planos y contrastes cuanto menos extraña en bastantes ocasiones, con elementos rotatorios o secuencias muy oscuras que no ayudan al público a salir de su perplejidad. Un bache que para algunos se va a hacer muy pronunciado.

Una vez tratado el continente, podemos hablar del contenido. La historia fluye despacio, con un ritmo lento que se ve salpicado de vez en cuando con alguna escena de acción normalita. Los diálogos suelen ser brillantes, con especial atención a los que protagoniza (como no) John Dillinger, ingenioso y sarcástico. Dos o tres secuencias excelentes se encuentran por aquí y por allá, aunque no le consiguen dar el empujón suficiente que saque al metraje de correcto y poco más.

En cuanto a su actuación, destaca el duelo interpretativo y narrativo entre Johnny Depp y Christian Bale. El primero, vuelve a mostrar su capacidad en un papel relativamente serio, de nivel pero que queda lejos de sus mejores roles; el segundo, cumple sin complicaciones aunque también sin alardes. A la hora de hablar de los secundarios, no hay mucho que decir, pues el peso de la cinta recae en las dos estrellas. Todos tienen una relevancia reducida, aunque se nota en algunos momentos el buen hacer de gente como Marion Cotillard, amor del protagonista, entre otros.

A la hora de daros un veredicto, es inevitable afirmar que ENEMIGOS PÚBLICOS ha quedado lejos de cumplir las enormes expectativas que me había generado. No es una mala película, pero su sólo regular contenido no está a la altura de su excelente envoltorio (aún con el par de fallos de los que hemos hablado). Aún así, bastante recomendable, teniendo en cuenta la sequía que azota las carteleras desde hace unos meses.

Valoración: 3 / 5

Dos opiniones breves: G. I. JOE y SEXDRIVE

2009-08-13T19:31:00.000+02:00

Si os soy sincero, no pensaba escribir crítica alguna de estas dos películas, pues pensaba (y pienso) que quizá no susciten demasiado interés entre los que leéis el blog, por lo que no merecería la pena. Sin embargo, viendo que las opiniones de cine suelen fucionar bastante bien y con las ganas que tenía de escribir un poco, he decidido dedicarle unos párrafos cortos a estos dos films, actualmente en carteleras. Como siempre, esto serán unas impresiones más subjetivas, más personales, al tiempo que bastante breves, para que si hay alguien interesado se pueda hacer una pequeña idea de a lo que se va a enfrentar si acude al cine a ver estas producciones.

G. I. JOE

Estrenada la semana pasada (el 7 de agosto), G. I. JOE es la adaptación cinematográfica de todo un fenómeno de infancia que puede que muchos conozcáis: los famosos muñecos de acción G. I. Joe, que luego pasaron también por el mundo del cómic y tuvieron una serie (o varias) de televisión. Con la premisa de expotar el filón comercial y presentar una cinta cargada de acción, los responsables nos traen casi dos horas de metraje bastante regular.

La idea argumental no va muy allá: una poderosa organización ha creado un arma capaz de reducir a cenizas cualquier ciudad gracias a las nanomáquinas. Siendo todo parte de un plan, el dueño de la compañía le encarga al ejército que traslade las primeras unidades del arma, momento en el que son asaltados por un misterioso grupo equipado con alta tecnología, comprometiendo la carga. In extremis, son salvados por una facción clandestina, un conjunto de soldados de élite conocidos como G. I. Joe. Tras este suceso, Duke y Ripcord, los únicos supervivientes del asalto por parte del ejército, deciden unirse al grupo de los Joes, mientras irán descubriendo una trama de traiciones y secretos.

Por si a alguien le parece interesante, ya le puedo decir que no es más que la típica historia plagada de tópicos digna de cualquier película de acción de bajo nivel. Un conjunto de diálogos absurdos, hechos aparentemente sin sentido (y efectivamente con poco de él), unos personajes estereotipados a más no poder... componen un argumento y un transfondo de escasa calidad.

En cuanto a su realización, nos encontramos ante un producto muy defectuoso, que abusa más de la cuenta de los efectos, elementos y escenarios generados por ordenador, quedando totalmente ridículo de cara al público. Es verdad que hay alguno que se salva, pero por lo demás, poco creíble y demasiado artificioso. Por lo menos, es entretenida y no se hace especialmente pesada, además de significar una ligera mejora en las dotes interpretativas de Channing Tatum (el protagonista). También aparecen otros rostros conocidos como Sienna Miller, Dennis Quaid o Ray Park (Darth Maul en Star Wars: La amenaza fantasma o Sapo en X-Men).

No demasiado recomendable, aunque puede resultar aceptable si os atrevéis con ella.

Valoración: 2/5

Sexdrive

Con un poco más de tiempo en taquilla (se estrenó el 31 de julio), Sexdrive supone una vuelta de tuerca más al típico género de comedia para adolescentes. No falta ningún ingrediente habitual: chicas visualmente atractivas, actores jóvenes y poco conocidos, situaciones algo vulgares y disparatadas, algún que otro cochazo... todo envuelto con un cierto aire (ligero) a road movie en tono de humor.

La idea es acompañar a un chaval junto a sus dos amigos (el ligón atípico y la chica de aire gótico de la que está enamorado) en un viaje en coche para encontrar a una chica con la que ha ligado por internet y que le asegura que tendrá sexo con él si trae su coche un mítico Pontiac GTO del 69 (espectacular). Pero el chico le ha mentido y en realidad dicho automóvil es de su hermano mayor, con lo que tendrá que robarlo para ir allí e impresionar a su "presa".

Como podéis imaginar, no se puede esperar mucho de la trama, aunque hay que reconocer que funciona bastante bien como excusa argumental para que se vaya desarrollando todo el guión de una manera efectiva. La verdad es que, sin ser gran cosa, Sexdrive puede llegar a sorprender gratamente al utilizar algunas situaciones y gags bastante humorísticos, y consigue estar un poco por encima de la mediocridad en este aspecto.

No muy larga (algo más de hora y media), presenta a algunos actores relativamente populares en papeles divertidos, como James Marsden (Hairspray, Encantada, Cíclope en X-Men) o Seth Green (Austin Powers, Buffy Cazavampiros). Pese a lo trillada de su propuesta, consigue hacer reír unas cuantas veces con su humor algo absurdo y, sobretodo, irreverente.

Recomendable para ir a echar unas risas con los amigos, aunque tampoco es una maravilla.

Valoración: 2,5/5