Crítica de MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO

MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO se estrenó ayer mismo, día 28 de agosto, y mucho me temo que va a pasar sin pena ni gloria por la cartelera en España, a pesar de los tímidos esfuerzos de TVE (que ha participado en su producción) por darla a conocer. Último trabajo hasta la fecha de Isabel Coixet, cualquiera podrá intuir que no es una típica película al uso, pues desprende un lirismo tan particular, tan abrumador, que se convierte en una experiencia personal, muy distanciada del habitual cine comercial. Si os soy sincero, nunca antes había visto una cinta de la directora catalana, así que fui ilusionado al estreno por ver lo qué me ofrecía este largometraje. Paséate conmigo y descúbrelo.

Ryu (interpretada por Rinko Kikuchi) es una joven japonesa que reside en Tokyo. Trabaja en el mercado de pescado por las noches, pero esconde un triste y crudo secreto: alterna dicho oficio con el de despiadada asesina a sueldo. Siempre solitaria y misteriosa, sólo comparte amistad con un hombre ya mayor (Min Tanaka), montador de sonido en películas, series o lo que surja. Pero todo cambia cuando Ryu conoce a David (Sergi López), un barcelonés que vive desde hace tres años en Tokyo, donde posee una vinoteca. Sin embargo, Ryu ha sido contratada por el señor Nagara (Takeo Nakahara), a través de su fiel asistente, para eliminar a David, a quién Nagara culpa del suicidio de su amada hija. ¿Llevará a cabo con éxito el trabajo Ryu?

Argumentalmente, MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO no es gran cosa, salvo quizá una ligera excusa para conducir este poema visual desde un inicio hasta una conclusión. Nos propone una obtusa y oscura historia de amor, donde el dolor y el fatal destino están constantemente presentes. En este aspecto, no dista mucho de las tragedias teatrales que más de uno habrá disfrutado, con lo que no supone ningún guión rompedor ni original. Elementos como la incapacidad de entenderse entre personajes, la soledad, el daño, la sustitución... salpican una trama bastante predecible y que no debería sorprender a nadie.

Sin embargo, nos equivocaríamos holgadamente de pensar que la realizadora española nos presenta esta historia ya vista y ya está. Mucho más que su argumento pesan las formas, la belleza, la poesía visual, el mimo por el detalle. Antes he dicho que esta cinta es un poema visual, y de eso se trata: lleno de sutileza y de lirismo, de amor por la estética, de detalles que invitan al deleite de los sentidos (especialmente del oído), pero, sobretodo, de un fuerte componente personal, que llevará a cada uno a sentir lo que ve de una manera particular. Y ahí, en su poesía, el film se encuentra con ventajas y con escollos difíciles de superar.

Entre sus ventajas, cuenta con una belleza realmente impactante, que compone un tejido precioso que merece la pena paladear. La ciudad de Tokyo se convierte en un elemento de vital importancia, mostrandos sus parajes, sus viandantes y, especialmente, sus sonidos, todo conteniendo detalle y mimo, hasta componer una bonita imagen. Por supuesto, la fotografía está ahí, excelente, luciendo de forma importante. El sonido, su montaje y mezcla, dan como resultado un deleite para el oído, plagado de pequeños elementos que sorprenden y embelesan a quien quiera escuchar, con una música bien escogida (versiones japonesas de canciones relativamente antiguas y bien conocidas) que hace sentir. Pero puede que ahí se queden las virtudes.

Entre esos escollos, destaca uno por obvio: lo heterogénea que queda la voz de Sergi López doblándose a sí mismo, en comparación con el resto de voces. En una cinta donde el sonido está tan cuidado, salta demasiado a la vista la diferencia entre la voz del actor y la de los compañeros de doblaje para España. Sin embargo, esto es un plano técnico que en versión original no debería importar mucho. Sus problemas mayores son otros, derivados de intentar compatibilizar poesía y cine de manera tan abrumadora: el poema de más de hora y media mezcla pasajes sublimes con otros soporíferos, consiguiendo una irregularidad demasiado notable, un ritmo que se rompe una y otra vez.

Y como pasa con la poesía habitualmente, es difícil de entender, difícil de interpretar, pero más difícil si cabe de agradar. El gran ejercicio de lirismo acaba quedándose a medio camino cuando las conexiones con el espectador se cortan, y éste se ve sumido en un vacío de sentimientos que no es capaz de aprehender o que, incluso peor, no acaban de cautivarle. Al igual que con el ritmo, nos encontramos ante un aspecto muy intermitente, que tan pronto atrapa al público en una ola de sentimientos encontrados como le produce la mayor de las indiferencias. Un precio a pagar demasiado alto para una película que prefiere ser poema antes que film. A esto no ayudan los actores, bastante desgarradores, pero en ocasiones poco creíbles y demasiado experimentales. Destacan Takeo Nakahara (que interpreta algunas piezas de inconmensurable dolor) y su fiel asistente (no conozco su nombre artístico), al que veo como una especie de Steve Buscemi japonés (en tono serio), con todo lo bueno que eso conlleva.

Al final, MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO se revela como lo que es: una obra muy personal, un poema de larga duración que se apoya en lo visual para fortalecerse. Como siempre que se intentan mezclar dos medios, la cosa puede salir bien o puede salir mal: en esta ocasión, la irregularidad se apodera de la cinta y los sentimientos vienen y van, tejiendo una línea demasiado inestable que se acerca y aleja del público siguiendo caprichosos designios. Al final, cada uno debe extraer su conclusión, y si queréis verla en el cine os recomiendo que sea pronto: en muchas salas ni se proyecta y en otras no creo que dure más de una o dos semanas, tan arriesgada es su apuesta. Para mí, la apuesta a todo o nada se queda a medias, pero más cerca del nada. Es lo que tiene arriesgar...

Valoración: 2 / 5 (ojo, no digo que sea mala película, pero es tan personal que merece la pena que cada uno la valore a su manera, si os interesa, darle una oportunidad)